Le symbolisme de Basquiat dans l'art contemporain

Art De Noé, Hommage à Basquiat, 2019. Acrylique sur toile, 70 x 70 cm. 

"Je ne pense pas à l'art quand je travaille. J'essaie de penser à la vie." 

Les mots de Basquiat résument parfaitement le point de vue adopté par son investigation artistique qui, riche de symboles et de significations multiples, souvent cachés au premier abord par des éléments stylistiques "bruts" et peu "ciblés", poursuivait le but d'offrir au spectateur une coupe transversale "objective", et parfois "dramatique", de la société dans laquelle l'écrivain et peintre américain vivait et pratiquait, résumée, en partie, par la richesse des contenus rassemblés dans le tableau de 1983 intitulé Hollywood Africans. En effet, ce dernier chef-d'œuvre, qui fait partie de la collection permanente du Whitney Museum of American Art de New York, représente une dénonciation courageuse et sincère de la manière dont les Afro-Américains étaient représentés dans l'industrie du divertissement de l'époque, soulignée avant tout par le titre même du tableau qui, de manière concise et directe, juxtapose les deux principaux termes de "comparaison" et de "confrontation". À l'intérieur de la toile, cependant, l'histoire susmentionnée est racontée en faisant référence à un épisode de la même année, qui a vu l'artiste, déjà célèbre à New York et ailleurs, être le protagoniste d'un voyage à Los Angeles, au cours duquel, accompagné du musicien rap Rammmellzee et du graffeur Toxic, il s'est arrêté à Hollywood, où les trois amis, en plus d'admirer les empreintes des stars du cinéma, se sont fait photographier dans un photomaton. C'est précisément cette dernière image qui a été reproduite, comme une sorte de "trinité synthétique", dans Hollywood Africans, où les visages susmentionnés se détachent sur un fond jaune qui, rempli d'écritures et de dessins hautement symboliques et allusifs, rappelle un peu les murs de nos rues de banlieue. Toutefois, contrairement à la réalité urbaine, où les multiples graffitis renvoient à des messages différents, le chef-d'œuvre de Basquiat se réfère à un thème social unique, dans le but de dénoncer la manière dont l'élite blanche de l'industrie cinématographique de l'époque avait ouvertement stéréotypé les acteurs noirs. En fait, les annotations "TOBACCO", "SUGAR CANE", "GANGSTERISM" indiquent la "ghettoïsation" dominante des Afro-Américains dans des rôles spécifiques au sein du monde du spectacle des années 1980, à laquelle l'artiste veut idéalement se rebeller en mentionnant également la date de 1940, qui, écrit en haut du tableau, fait probablement référence à l'année où l'actrice Hattie McDaniel est devenue la première Afro-Américaine à remporter un Oscar, pour avoir joué la caricature raciale de "Mammy" dans Autant en emporte le vent (1939). Enfin, l'histoire de l'amer préjugé raconté par le chef-d'œuvre se poursuit par la présence d'inscriptions effacées allusives, qui ont été délibérément "enlevées" par l'artiste, afin de les rendre encore plus visibles, car il est bien connu que notre attention s'attarde davantage sur ce qui est moins facile à lire, à atteindre ou à interpréter.

Serge Berezjak, L'oiseau, 2022. Acrylique sur toile, 110 x 85 cm.

Pol Attard, Colère noire, 2018. Acrylique / crayon / pastel sur toile, 100 x 100 cm.

Le symbolisme de Basquiat

Cependant, le symbolisme de Basquiat ne s'arrête pas à l'histoire susmentionnée, car il existe d'autres images significatives et récurrentes dans son œuvre, qui sont devenues la marque de sa recherche personnelle de la réalité et sont bien illustrées par la représentation fréquente de corps humains, de couronnes, de caleçons et de têtes (ou crânes). En ce qui concerne le premier type de représentation symbolique, il convient de souligner comment l'intérêt de Basquiat pour l'anatomie est dérivé de Léonard, bien que ses corps soient paradoxalement destinés à critiquer la présence excessive de la figure humaine dans l'histoire de l'art. En ce qui concerne la couronne à trois pointes, ce motif iconique et extrêmement récurrent dans l'œuvre de l'artiste américain évoque très probablement la célébrité, la richesse, le pouvoir et la royauté. En revanche, lorsque cet ornement repose sur la tête de certaines figures, il est destiné à indiquer la propension de l'artiste à reconnaître ces figures comme des autorités, ou des modèles alternatifs, en contraste frappant avec les modèles plus canoniques imposés par la société. Enfin, lorsque la couronne est placée sur la tête du peintre lui-même, il veut faire référence à son ambition, sa détermination et sa persévérance, qualités qui ont pour but de le conduire à l'obtention de la notoriété et du respect de la société artistique. En ce qui concerne les boxeurs, ces figures témoignent de la fascination qu'exercent les athlètes afro-américains sur Basquiat, un amour qui est rendu explicite par la création de figures proéminentes et musclées, réalisées à l'aide de lignes marquées et de couleurs expressives. Enfin, les têtes peintes par le peintre se révèlent très représentatives de l'identité, et en particulier des origines, de l'artiste lui-même, car elles évoquent ces masques africains qui, autrefois fétichisés par des maîtres comme Picasso, reviennent pour représenter une récupération culturelle plus authentique.

Patrick Santus, Pense bête, 2007. Acrylique / crayons de couleur / craie / crayon / encre / fusain / gouache / marqueur / crayon de couleur / biro / stylo gel sur toile, 150 x 150 cm.

Pol Attard, Captif, 2020. Acrylique, spray, marqueur, collages sur toile, 100 x 100 cm.

L'impact de Basquiat sur le monde de l'art

En ce qui concerne le rapport entre Basquiat et l'art de son époque, on sait comment le maître américain, l'un des plus importants représentants de l'art du graffiti, également associé au néo-expressionnisme, a rapidement connu le succès, devenant un protagoniste de la scène artistique animée de New York, où, entre la fin des années 1960 et les années 1980, il a réussi à "transférer" le graffiti des contextes urbains les plus divers aux salles de musée. La pertinence du flair créatif du peintre susmentionné continue de se faire sentir dans l'art contemporain, s'exprimant à travers le travail d'artistes qui, animés par le même élan de dénonciation, souhaitent vivement donner une voix aux drames non résolus du racisme et de la marginalisation. En effet, nous pouvons prendre comme exemple le travail du célèbre Bansky qui, en 2017, sur les murs adjacents au centre Barbican de Londres, a créé Boy and Dog, un graffito contre le racisme inspiré du Boy and Dog in a Johnnypump (1982) de Basquiat. Enfin, il convient de souligner comment les références à la recherche artistique de ce dernier maître se poursuivent dans la production d'autres artistes contemporains, comme par exemple Aboudia et Huma Bhabha, ainsi que dans le travail des peintres de l'Artmajeur, comme en témoignent les œuvres de T. Angot, Spaco et Stan.

T. Angot, L'évolution humaine, 2022. Acrylique / pulvérisation sur toile, 81 x 65 cm.

T. Angot: L'évolution humaine

Comme l'artiste lui-même l'a déclaré, la production d'Angot est marquée de manière indélébile par l'influence de trois artistes emblématiques, à savoir Picasso, Basquiat et Miro. En ce qui concerne L'évolution humaine, cette acrylique sur toile révèle les modalités d'interprétation de l'exemple tiré de la leçon de Basquiat, qui se manifestent clairement dans les inscriptions, la couronne et l'homme "stylisé", qui sont principalement situés sur le côté droit de l'œuvre. En ce qui concerne cette dernière figure, elle semble représenter un remake original et actuel de la figure couronnée de Grillo, l'un des deux protagonistes du tableau de Basquiat de 1984. Ces figures, disposées dans les premier et troisième panneaux de l'œuvre, s'imposent avec force dans la vision du spectateur, se décrétant idéalement comme les protagonistes émotionnels du récit. En réalité, Grillo rejette une interprétation cohésive, car le spectateur, pour comprendre le sens du tableau, doit nécessairement se déplacer autour de l'œuvre, en prenant conscience de toutes ses parties, même les plus abstraites. De même, l'œil de l'observateur de L'évolution humaine doit saisir les parties les plus réalistes et les plus "stylisées" de l'œuvre, en les unissant dans une seule et même intention : diffuser la variété de l'expérimentation artistique, résultat de l'évolution humaine elle-même.

Spaco, Spaco 110M Basquiat, 2022. Collages / acrylique sur toile, 30 x 30 cm.

Spaco: Spaco 110M Basquiat

L'œuvre de Spaco représente un remake original de Untitled, le tableau de Basquiat de 1982, qui, dans cette version 2022, est enrichi d'un "cadre" sans précédent d'inscriptions et de couronnes, visant à célébrer et à résumer les caractéristiques stylistiques les plus populaires du maître américain. Pour en revenir à Untitled, le chef-d'œuvre, vendu en mai 2017 par Sotheby's pour 110,5 millions de dollars à l'homme d'affaires et collectionneur d'art japonais Yusaku Maezawa, représente l'une des nombreuses images puissantes du maître américain, des crânes géants qui, ayant les particularités d'icônes répétables comme des logos, sont devenus l'un des symboles artistiques par excellence de Basquiat. En outre, l'impact et la reproductibilité d'une telle sorte de memento mori, semblent presque faire prendre conscience de la puissance avec laquelle, à l'époque de l'artiste, le graffiti, auparavant destiné uniquement à défigurer les murs du métro ou les cabines de toilettes, s'est imposé dans le monde de l'art.

 Stan, Basquiat par Stan, 2021. Acrylique / marqueur sur toile, 100 x 100 cm.

Stan: Basquiat par Stan

La peinture de Stan comprend, tout comme les œuvres de Basquiat, de multiples messages, images et, par conséquent, symboles et allusions. En fait, sont disposés sur la toile : le portrait de Basquiat, probablement l'année de naissance de Basquiat (1960), quelques couronnes, le tag SAMO, une écriture effacée, des mains de souris et le Radiant Baby de Keith Haring. A propos du tag SAMO, cette abréviation des mots "Same Old Shit" (La même vieille merde) était le pseudonyme sous lequel Basquiat et l'écrivain Al Diaz ont tagué à New York de 1978 à 1980. En fait, c'est à la fin des années 1970 que ce tag a commencé à se répandre dans Soho et Tribeca, où, enrichi du symbole du copyright, il est également devenu célèbre pour être accompagné de phrases d'accroche qui, apparemment dénuées de sens, représentaient une façon de se moquer des fausses croyances alimentées par la société. Malgré leur popularité, ce duo d'écrivains, qui comptait parmi ses admirateurs Keith Haring, s'est séparé en 1980, lorsque Diaz a fait savoir qu'il ne voulait accorder des interviews à la presse que sous le couvert de l'anonymat, tandis que Basquiat aurait préféré révéler l'identité du duo. Par conséquent, à partir de ce moment-là, le tag n'a été utilisé que pendant une courte période par Basquiat, qui, au lieu des phrases philosophiques habituelles, a seulement écrit : "SAMO est mort".