L’art abstrait, dans ses récits les plus connus, est souvent associé aux grands maîtres masculins dont les noms sont aujourd’hui largement reconnus : Pollock, Kandinsky, Mondrian et d’autres. Pourtant, à côté de ces figures célèbres, il existe des femmes artistes qui ont apporté des contributions tout aussi importantes et parfois révolutionnaires, bien qu’elles soient restées moins connues que leurs homologues masculins.
Les figures féminines occupent enfin le devant de la scène dans cette exploration qui, sans être exhaustive, constitue un point de mire significatif de quelques-uns des noms les plus marquants du langage figuratif abstrait. Notre top 10 rend hommage à des figures hors du commun telles que Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe, Agnes Martin, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Carmen Herrera, Lygia Clark et Judy Chicago.
Ce texte célèbre leur « revanche » : à travers leurs œuvres, ces artistes ont démontré que l’abstraction n’a jamais été un domaine exclusivement masculin. Nous découvrirons comment leur vision a façonné une part cruciale du récit historico-artistique.
Hilma af Klint, N. 7, Adulthood, 1907. Fondation Hilma af Klint
Hilma de Klint
Hilma af Klint (26 octobre 1862 – 21 octobre 1944) était une peintre et mystique suédoise, aujourd'hui reconnue comme l'une des premières artistes abstraites dans l'histoire de l'art occidental. Travaillant avant Kandinsky, Malevich et Mondrian, elle a créé des peintures qui exploraient des concepts spirituels profonds. Le style de Hilma af Klint est une fusion unique de géométrie, de figuration, de symbolisme et de spiritualité. Ses œuvres, souvent de grande taille, exploraient des concepts de croissance organique et de processus naturels, inspirés par ses études scientifiques et botaniques.
L'un des chefs-d'œuvre de Hilma af Klint est "N. 7, Adulthood", faisant partie de la série "The Ten Largest" dans le cycle "Paintings for the Temple". Cette grande œuvre, de plus de trois mètres de haut, combine des formes organiques fluides et des couleurs vives comme le jaune, le rouge et le vert sur un fond délicat de lilas. Évoquant des formes botaniques et mathématiques, la peinture symbolise la croissance et l'existence. Dans ce contexte vital, le critique Adrian Searle a reconnu l'influence des théories darwiniennes, en particulier l'idée que le développement des plantes et des formes naturelles suit une progression mathématique. En ce sens, la présence de chiffres et de lettres "stylisés" ajoute d'autres couches de symbolisme.
De plus, Mark Hudson, un érudit, a noté comment les formes courbes et les inscriptions cryptiques, telles que "sox, sax, sex" ou "eros wu", suggèrent également une subtile charge érotique cachée. Enfin, il est important de souligner que la technique utilisée pour "Adulthood", peinte sur papier puis montée sur toile, anticipe la préférence pour les grands formats, plus communément associés aux expressionnistes abstraits et souvent réservés aux artistes masculins.
Georgia O'Keeffe, Sunrise, 1916. Aquarelle sur papier.
Georgia O'Keeffe
Georgia Totto O'Keeffe (15 novembre 1887 – 6 mars 1986) fut une pionnière du modernisme américain, reconnue comme l'une des figures les plus influentes de l'histoire de l'art du XXe siècle. L'artiste est connue pour sa capacité à fusionner abstraction et représentation d'une manière qui capture l'essence et la puissance de la nature. L'un des aspects distinctifs de son style est l'utilisation de formes "agrandies", en particulier dans ses peintures de fleurs, où elle se concentre sur les détails, les transformant en abstractions grâce à une fusion harmonieuse de couleurs et de formes. Ses palettes de couleurs vives et ses lignes douces servaient également à évoquer, au-delà de l'image visible, un profond sentiment d'émotion et de connexion avec la création.
L'une de ses premières et plus importantes œuvres abstraites est l'aquarelle "Sunrise" (1916). Créée pendant la période où elle enseignait en Caroline du Sud, cette œuvre sur papier capture la délicatesse et la puissance d'un lever de soleil grâce à une maîtrise remarquable de la couleur et de la forme "synthétique". La palette de ce chef-d'œuvre présente des nuances de rouge, de violet et de jaune pour donner vie à un ciel s'éclairant progressivement, avec une composition concentrique qui évoque l'énergie rayonnante du soleil émergeant de l'horizon. La vision transmet une sensation de paix mais aussi de vitalité naissante, soulignée par le contraste entre la lumière intense au centre et les teintes plus sombres sur les bords.
Enfin, cette œuvre est indispensable car elle marque un moment crucial dans la carrière d'O'Keeffe : la transition définitive de la peintre vers un langage visuel personnel, combinant un sens de l'abstraction avec la représentation du monde naturel.
Agnès Martin,Happy Holiday, 1999.
Agnès Martin
Agnes Bernice Martin (22 mars 1912 – 16 décembre 2004) était une peintre abstraite canado-américaine, réputée pour son style minimaliste et sa contribution à l'expressionnisme abstrait. Ses œuvres, caractérisées par des grilles simples et des lignes, transmettent un sentiment de sérénité et de spiritualité, situées au carrefour de divers mouvements artistiques du XXe siècle, combinant des éléments de minimalisme et de Color Field painting. Bien que ces caractéristiques ne soient pas figuratives, elles reflètent un lien fort avec la nature, évident dans les titres de ses œuvres ainsi que dans ses écrits. En effet, Martin trouvait son inspiration dans la simplicité de la vie quotidienne et du monde organique, qu'elle organisait ensuite en grilles où étaient disposées des couleurs douces, sereines et lumineuses. Cette approche a également permis à la peintre d'explorer des variations infinies de couleur et de forme, capables de transmettre une calme spirituelle et contemplative, en contraste frappant avec la vie austère et solitaire de l'artiste.
L'un des chefs-d'œuvre les plus représentatifs d'Agnes Martin est "Happy Holiday" (2000), une peinture abstraite divisée en quatorze bandes horizontales de largeur égale, alternant entre le blanc et le pêche. Les lignes séparant les bandes sont tracées à la main avec un crayon et une petite règle, créant un sentiment de légèreté et de simplicité typique de son approche de la peinture. Malgré l'utilisation d'une règle, les lignes ont en réalité une qualité tremblante et irrégulière, soulignant l'importance du dessin dans son travail et son attention aux détails manuels. Enfin, la base de la toile, préparée avec une couche de gesso blanc, donne à l'ensemble du tableau une luminosité vibrante, tandis que les couleurs acryliques, appliquées en couches fines, semblent flotter à la surface.
Joan Mitchell, Hemlock, 1956. Peinture. Musée d'art américain Whitney, New York.
Joan Mitchell
Joan Mitchell (12 février 1925 – 30 octobre 1992) était une peintre américaine, réputée pour sa contribution au mouvement expressionniste abstrait, bien que son travail se distingue de l'approche plus spontanée typique de l'Action Painting. Sa production se caractérisait néanmoins par un style émotionnellement intense, influencé par les paysages dont elle se souvenait et par les grands maîtres post-impressionnistes comme Henri Matisse. Le coup de pinceau de Joan Mitchell se distingue par son intensité gestuelle, combinant des couleurs audacieuses avec des traits décisifs. Il est également connu que Mitchell planifiait ses compositions en évoquant des souvenirs, souvent liés à la nature et à la poésie, une méthode qui donnait à son travail une qualité réfléchie, équilibrant improvisation et structure plus définie.
Ses toiles étaient généralement grandes et richement colorées, souvent divisées en plusieurs panneaux, car l'artiste rejetait l'idée d'un art "uniformément réparti". Comme l'a noté le conservateur John Yau, les œuvres de Mitchell "ont avancé l'idée qu'une peinture peut être composée de parties séparées mais entrelacées", une caractéristique qui lui a permis de se distinguer dans un monde artistique dominé par les hommes, faisant d'elle l'une des figures les plus importantes de l'expressionnisme abstrait.
Parmi les chefs-d'œuvre les plus célèbres de Mitchell, on trouve "Hemlock" (1956), une peinture à l'huile sur toile caractérisée par des coups de pinceau gestuels audacieux, où les tons froids dominent, avec des blancs qui s'entrecroisent avec des lignes horizontales vertes et noires, évoquant un paysage hivernal de conifères. En fait, "Hemlock" tire son nom de l'arbre mentionné dans le poème "Domination of Black" de Wallace Stevens, qui a certainement été une source d'inspiration pour l'artiste.
Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Huile et fusain sur toile. National Gallery of Art, Washington, DC
Hélène Frankenthaler
Helen Frankenthaler (12 décembre 1928 – 27 décembre 2011) fut l'une des artistes les plus influentes du XXe siècle, jouant un rôle crucial dans l'histoire de la peinture américaine d'après-guerre. Née à Manhattan, elle fut introduite très tôt à la scène artistique new-yorkaise, où elle rencontra des figures telles que Jackson Pollock, Franz Kline et Robert Motherwell, qu'elle épousa par la suite. Bien qu'influencée par l'expressionnisme abstrait, Frankenthaler développa sa propre technique distinctive, le "soak-stain", qui révolutionna l'utilisation de la couleur en peinture. Ce procédé, qui consistait à verser de la peinture diluée sur une toile non préparée, créait des lavis lumineux qui se fondaient avec le tissu du support lui-même, éliminant toute illusion de tridimensionnalité. Bien que son travail ait été initialement associé à l'expressionnisme abstrait, l'artiste est surtout connue pour sa contribution au Color Field Painting, un mouvement qui célébrait l'utilisation de grandes étendues de couleur pure sur la toile. Malgré l'abstraction, ses peintures étaient souvent inspirées par des impressions de paysages naturels, capturés dans leurs sensations et atmosphères par l'utilisation de la couleur.
"Mountains and Sea" est considéré comme le chef-d'œuvre qui a marqué un tournant décisif dans la carrière de Helen Frankenthaler, car dans cette peinture de 1952, l'artiste a introduit sa technique révolutionnaire pour la première fois. La composition fut inspirée par les paysages de Cape Breton, en Nouvelle-Écosse, que Frankenthaler avait visités peu avant de créer l'œuvre. Dans ce contexte naturaliste, la couleur joue un rôle central, avec des lavis de rose, de bleu et de vert délimitant collines, rochers et eau. Enfin, il est important de noter le délicat contraste entre les lignes de fusain légèrement esquissées et les teintes vibrantes qui s'étendent librement sur la toile non préparée.
Lee Krasner, Gaea, 1966. Huile sur toile. Musée d'art moderne de New York.
Lee Krasner
Lee Krasner (27 octobre 1908 – 19 juin 1984) était une peintre américaine et l'une des figures les plus importantes de l'expressionnisme abstrait, active principalement à New York. Après avoir reçu une formation académique à la Women's Art School de Cooper Union et à la National Academy of Design, elle fut introduite au monde de l'art moderne grâce à son exposition au post-impressionnisme au Museum of Modern Art de New York. Dans les années 1930, elle étudia avec Hans Hofmann, intégrant des éléments cubistes dans son travail, et durant la Grande Dépression, elle travailla pour le Federal Art Project. Une décennie plus tard, Krasner devint une figure éminente de la New York School aux côtés de peintres tels que Willem de Kooning et Mark Rothko. Cependant, son mariage en 1945 avec Jackson Pollock, figure centrale de l'expressionnisme abstrait, éclipsa souvent sa carrière. Après la mort tragique de Pollock dans un accident de voiture en 1956, Krasner traversa une période de profond chagrin, mais continua à travailler avec une intensité artistique renouvelée, obtenant une reconnaissance croissante dans les années qui suivirent.
En termes de style, le travail de Krasner se caractérise par une évolution constante et une polyvalence artistique exceptionnelle. Bien qu'elle ait été initialement associée à l'expressionnisme abstrait, elle rejeta la répétitivité qu'elle percevait dans le travail de certains de ses contemporains, tels que Mark Rothko et Barnett Newman. Son désir de renouveau, qu'elle appelait "breaks", la poussa à développer de nouvelles formes d'expression artistique, y compris la célèbre série "Little Image" à la fin des années 1940, ainsi que ses collages audacieux des années 1950 et ses grandes toiles aux couleurs vives des années 1960. Krasner fut également l'une des premières artistes à expérimenter la technique "all-over", inspirée par le travail de Piet Mondrian, qui influença plus tard les célèbres drip paintings de Jackson Pollock. Son art évoluait sans être confiné à une seule technique ou style : sa tendance à revisiter et retravailler ses propres créations se manifestait dans sa pratique de découper et de réutiliser d'anciennes toiles pour créer des collages, un processus qui reflète l'influence d'Henri Matisse. De plus, Krasner cherchait non seulement à explorer l'abstraction, mais aussi à exprimer une profonde connexion avec la nature et le monde organique.
Parmi les œuvres les plus représentatives de Lee Krasner figure "Gaea" (1966), une peinture à l'huile monumentale sur toile qui incarne son exploration vibrante de la couleur et sa profonde connexion avec la nature.
Elaine de Kooning, Bacchus #81, 1983. Georgia Museum of Art, Athènes, États-Unis.
Elaine de Kooning
Elaine de Kooning (12 mars 1918 – 1er février 1989) était une peintre expressionniste abstraite et figurative active dans la période d'après-guerre. Également connue comme critique d'art et enseignante, elle fut l'une des voix les plus énergiques et influentes de la scène artistique new-yorkaise. Sa carrière fut influencée par des figures clés du mouvement, notamment son mari Willem de Kooning et Arshile Gorky. Bien qu'initialement éclipsée par la renommée de son mari, Elaine de Kooning développa un langage artistique personnel qui fusionnait des éléments abstraits et figuratifs, représentant souvent des amis, des athlètes et même un président des États-Unis.
En termes de style, ayant adopté l'Action Painting et son approche gestuelle et dynamique, elle se concentra sur la capture de l'énergie et de la personnalité de ses sujets plutôt que leur ressemblance exacte. Dans ses portraits, de Kooning cherchait à saisir l'essence d'une personne à travers des coups de pinceau vifs et fluides, évitant une représentation purement réaliste. Cette approche est également évidente dans ses œuvres représentant des sujets mythologiques et des thèmes primitifs, qu'elle utilisait souvent pour explorer les tensions entre forme et mouvement.
"Bacchus #3" (1978), par exemple, est l'un des chefs-d'œuvre d'Elaine de Kooning : la grande peinture se caractérise par des verts, gris et bleus vibrants qui se fondent sur la toile, tandis que des lignes noires émergent à la surface, suggérant la figure d'un groupe sculptural, probablement inspiré par la sculpture de Bacchus dans le Jardin du Luxembourg à Paris.
Carmen Herrera, Untitled, 1952. Musée d'art moderne, New York.
Carmen Herrera
Carmen Herrera (31 mai 1915 – 12 février 2022) était une peintre cubano-américaine connue pour sa contribution à l'art abstrait et minimaliste. Née à La Havane, elle a passé une grande partie de sa vie à New York, où elle s'est installée au milieu des années 1950. L'artiste était active à une époque où l'abstraction dominait la scène artistique new-yorkaise, mais son style ne s'alignait pas complètement avec celui de ses collègues du mouvement expressionniste abstrait. En effet, travaillant souvent en isolement, son langage artistique se caractérisait par une pureté formelle combinant géométrie et un usage réfléchi et vibrant de la couleur. Son style est ancré dans la simplicité et la précision, marqué par des lignes nettes et des champs de couleur plats, visant à créer des compositions essentielles et vitales. En effet, ses œuvres explorent la relation entre forme et couleur, avec un accent particulier sur les interactions entre les surfaces et les espaces.
Cette approche la relie à des mouvements tels que l'abstraction hard-edge et l'Op Art, bien que son travail reste unique par sa réduction formelle rigoureuse et son attention à l'agencement harmonique. En parlant de chefs-d'œuvre, "Untitled" (1952) est l'une des peintures les plus significatives de l'artiste. L'œuvre, réalisée avec de la peinture synthétique sur toile, se caractérise par des lignes noires et blanches qui traversent la surface, divisant la toile en deux sections triangulaires. La composition simple mais frappante explore la tension entre l'ordre et le mouvement, avec des bords nets qui suggèrent une vibration presque violente. Enfin, les formes géométriques et les contrastes de couleurs créent un effet visuel rappelant l'Op Art, mais l'énergie qui émane de l'œuvre est le résultat d'une approche résolument plus intuitive et expérimentale.
Lygia Clark, Planes in Modulated Surface No. 4, 1957. Formica et peinture industrielle sur bois. The Museum of Modern Art, New York.
Lygia Clark
Lygia Clark (23 octobre 1920 – 25 avril 1988) fut l'une des artistes brésiliennes les plus influentes du XXe siècle, connue pour ses peintures abstraites et ses installations interactives. Elle est étroitement associée au mouvement constructiviste brésilien et a ensuite cofondé le mouvement néo-concret aux côtés d'artistes tels qu'Amilcar de Castro, Franz Weissmann et Lygia Pape. Son travail se distinguait par son innovation dans l'interaction entre l'œuvre et le public, portant le concept de participation dans l'art à de nouveaux niveaux. En effet, Clark a exploré des principes liés à la perception sensorielle et à la connexion psychologique avec le chef-d'œuvre, en venant à définir son travail comme des "expériences vivantes".
À partir des années 1970, elle s'est de plus en plus concentrée sur l'utilisation thérapeutique de l'art, utilisant des objets et l'implication du spectateur comme moyen de traiter les traumatismes psychologiques et les expériences personnelles. Pour cette raison, l'artiste s'est progressivement éloignée de la peinture traditionnelle pour explorer de nouvelles formes d'expression impliquant activement le spectateur, qu'elle considérait comme une partie intégrante de l'œuvre.
Cependant, en parlant de son travail de peintre, le chef-d'œuvre "Discovery of the Organic Line" (1954) mérite une mention particulière. Tout en conservant une forte base géométrique, cette pièce marque le début de son exploration de l'espace tridimensionnel et son passage vers une plus grande interaction avec le public.
Judy Chicago, The Dinner Party, 1979.
Judy Chicago
Judy Chicago (Chicago, 20 juillet 1939) est l'une des artistes féministes américaines les plus influentes du XXe siècle. Dans les années 1970, elle a fondé le premier programme d'art féministe aux États-Unis à la California State University, Fresno. En conséquence, son travail a exploré des thèmes liés à la naissance, à la création et au rôle des femmes dans l'histoire et la culture. Ces sujets sont exprimés à travers un style caractérisé par l'utilisation d'une large gamme de techniques artistiques, telles que la broderie, la céramique et le verre — des compétences traditionnellement considérées comme artisanales et souvent associées au travail des femmes. Chicago a consciemment élevé ces médias, historiquement relégués en marge de l'art "noble", en les intégrant dans ses œuvres comme des symboles du pouvoir et de la créativité féminins.
L'un des aspects centraux de son travail est la confrontation avec les structures de pouvoir patriarcales et la revendication d'une histoire de l'art féminine, mise en évidence par l'utilisation d'un symbolisme précis. En effet, ses créations visent à réécrire le récit du développement artistique en mettant en lumière des figures féminines oubliées ou marginalisées. Son œuvre la plus célèbre, "The Dinner Party", est considérée comme le premier grand chef-d'œuvre de l'art féministe et est installée de façon permanente au Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art au Brooklyn Museum. L'installation célèbre les contributions des femmes à l'histoire, en présentant une table triangulaire avec 39 couverts réservés à des femmes extraordinaires de différentes périodes de la civilisation occidentale. Chaque couvert comporte une assiette décorée de motifs floraux ou de papillons symbolisant la vulve, et une nappe brodée avec le nom et l'image de la femme honorée.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
