La ligne : base de la figuration, sens de l'abstraction

BLUE HARMONY - TABLEAU ABSTRAIT À LA PEINTURE À L'HUILE (2016)Peinture de Sophie Artinian.

Ligne : "Figure géométrique continue unidirectionnelle, définissable intuitivement comme formée par les positions successives d'un point en mouvement." - Langues d'Oxford

En introduisant le thème du "linéaire" par la définition susmentionnée, j'ajoute que cette figure géométrique représente un élément dynamique fondamental de la communication visuelle, ayant pour fonction de façonner, et donc de générer, les profils et les volumes des sujets de l'art figuratif. Dans le domaine abstrait, la même chose, en tant que points mobiles non liés à la construction d'images de la réalité, est capable d'évoquer des sensations profondes qui peuvent être liées à des concepts inévitablement abstraits. En commençant par le rôle de la ligne dans les arts figuratifs, il convient de souligner comment les représentations liées au monde sensible sont parties de cette figure géométrique qui, tracée sur le sol ou sur la paroi d'une grotte, a d'abord pris vie en tant qu'ébauche élémentaire des choses, pour devenir ensuite, avec ses nuances et ses superpositions plus étudiées, un présupposé indispensable d'une multitude de manifestations artistiques plus complexes. En effet, il n'y a pas de maître, ou presque, qui n'ait pas eu recours au dessin pour analyser, comprendre, concevoir ou esquisser un projet figuratif, car ce n'est qu'à travers la représentation des lignes qu'il est possible de comprendre pleinement les proportions, les mesures, les surfaces, les volumes et les rapports des sujets, afin de les connaître de manière profonde et définitive. À ce stade, il est impossible de ne pas penser à l'œuvre de Léonard de Vinci, l'un des plus grands artistes de l'histoire de l'art, mais aussi l'un des plus grands maîtres du dessin, qui, dans L'enfant dans le ventre de sa mère, a superposé et compliqué les lignes pour construire et étudier l'image de la vie par excellence. En ce qui concerne le thème de ce dernier dessin, Vinci, stimulé par les études classiques d'Aristote sur l'embryologie, a abordé l'étude du système reproducteur, en examinant d'abord celui du bovin, puis celui de la femme. Dans Bambino nel gremno materna (L'enfant dans le ventre de sa mère), un fœtus humain de sept mois à l'intérieur du ventre de sa mère est représenté par une succession de lignes et de perspectives complexes, un organe dont le génie italien a eu le premier l'intuition qu'il devait être rempli d'un liquide, ce qui permettrait à l'enfant de mieux répartir son poids et de ne pas peser sur sa mère. Toujours à propos des maîtres italiens, il faut également mentionner le crayon noir, crayon rouge, mine de plomb et encre sur papier de Michel-Ange qui, largement "minimaliste", s'intitule Vierge à l'enfant (vers 1525) et représente la Vierge occupée à allaiter son enfant qui, de dos, refuse son visage au spectateur.

LA CRÉATION ÉMOTIONNELLE #373 (2023)Peinture de Carla Sá Fernandes.

GG-5 (2017) Peinture de Tim Blagodov.

C'est précisément l'enfant Jésus qui apparaît plus achevé dans son exécution, surtout dans son corps, tandis que la tête, comme la figure de la mère, semble quelque peu ébauchée par des hachures en clair-obscur. Essayons maintenant d'introduire la combinaison du dessin et de la peinture, d'abord dans les œuvres figuratives, où les deux techniques sont clairement distinctes, et ensuite dans les chefs-d'œuvre où les deux moyens expressifs se fondent progressivement, jusqu'à la conceptualité la plus pure de l'abstraction. Commençons par le dessin d'une femme pensante en gros plan, dont les lignes de contour et la définition plutôt sommaire se détachent sur des peintures à l'huile aux couleurs principalement pâles et peu naturalistes : je veux parler de Tête de femme (1924) de Pablo Picasso. Le petit tableau en question porte la signature et la date "Picasso 24", un détail présent dans le coin supérieur droit du support, bien que le cadre de la même œuvre porte l'inscription "Février 1925", une inscription qui pourrait suggérer que le maître n'a commencé l'œuvre qu'à la fin de l'année 1924. Au-delà de la datation, la peinture à l'huile représente, comme beaucoup de sujets cubistes et multiformes de l'Espagnol, le visage d'une femme divisé en deux moitiés distinctes, comme si elle était vue sous deux angles différents ou représentait une tête combinée homme-femme. Les traits physionomiques du sujet sont cependant confiés à un dessin exécuté avec quelques lignes schématiques, sur lesquelles la peinture est disposée, sans se fondre, sous forme d'aplats de couleur principalement rose et blanche. Les contours susmentionnés du visage ont vraisemblablement été dessinés en incisant leurs lignes dans l'épais empâtement pictural, grâce à l'utilisation habile du manche du pinceau. Une autre œuvre de Picasso, visant à représenter une augmentation progressive de la fusion du langage linéaire et pictural, est Jacqueline, un tableau de 1961, dans lequel les mêmes couleurs à l'huile forment les lignes du chemisier de l'effigie, ainsi que les détails de son chapeau et les contours nets, visant à construire les caractéristiques somatiques du sujet et de la chaise sur laquelle elle est allongée. Enfin, en ce qui concerne l'abstraction, ce n'est que dans ce courant que la ligne, désormais détachée de la donnée réelle, ne peut représenter qu'elle-même, se déplaçant sinueusement entre les couleurs et construisant des formes géométriques, comme dans l'iconique Composition VIII, chef-d'œuvre de Vassily Kandinsky de 1923, où le triangle, le carré, le cercle, la simple ligne et les couleurs primaires interagissent. la ligne simple et les couleurs primaires interagissent, concrétisant les concepts de correspondances formelles et chromatiques abordés par le maître dans sa précédente publication Sur l'esprit de l'art, qui visait à illustrer la théorie selon laquelle les couleurs vives sont intensifiées par la présence de formes aiguës, de même que les couleurs qui dégagent de la profondeur sont renforcées par les formes rondes. Enfin, le récit autour de la ligne se poursuit par une analyse du travail d'artistes d'Artmajeur tels que :  Gdel, Karl S, Alan Wrightson et Les Pinceaux De Marie.

UN MOMENT SI PROCHE DE VOS MOTS (2023)Peinture de Tehos.

FORESCUBE921 (2021)Peinture de Gdel.

Gdel : Forescube921

Sur un fond bleu, couleur généralement associée au ciel et à la mer, se détache un entrelacs de lignes noires, notamment dans la partie centrale du support, destiné à rappeler toutes les significations que cette figure géométrique continue a revêtues dans l'art abstrait, en référence notamment à l'œuvre de Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Agnes Martin, Cy Twombly et Bridget Riley. En effet, si pour le premier maître, la ligne avait pour mission de véhiculer une spiritualité proche de celle diffusée par le monde de la musique, ainsi qu'un impact émotionnel qui, induit par les lignes dimensionnelles et perspectives, était capable d'émouvoir l'âme, la seconde, fortement convaincue du pouvoir communicatif de la ligne, souhaitait, à travers cet élément, réduire le langage de la peinture à l'essentiel, en révélant la vérité spirituelle de l'univers. Agnes Martin, quant à elle, peignait des grilles qui, apparemment précises, contenaient des imperfections révélatrices, subtiles et minuscules, visant à transmettre quelque chose d'essentiellement organique et humain. Cy Twombly, quant à lui, utilise la ligne pour communiquer des sentiments abstraits et intenses, diffusés par des gribouillis glyphiques, dont les courbes sensuelles rappellent une sorte d'écriture primitive. Enfin, en ce qui concerne Bridget Riley, la peintre a utilisé la ligne pour évoquer une réponse à la fois émotionnelle et physique de la part des spectateurs, générée principalement par la sensation de mouvement créée par ses peintures.

LIGNES #090 (2022)Peinture de Karl S.

MARGES D'ÉTANG (2020)Peinture d'Alan Wrightson.

Karl S : Ligne #090

Alan Wrightson : Marges d'étang

Les titres ci-dessus sont deux, car les deux artistes d'Artmajeur, Karl S et Alan Wrightson, m'ont permis de relier leur travail, exprimé dans Line #090 et Pond margins, à la recherche artistique de Gene Davis (1920 - 1985), un color field painter américain, plus connu pour ses œuvres de bandes verticales de couleur. En fait, c'est précisément Line #090 qui pourrait représenter une évolution animée et aérienne du concept de ligne, expliqué dans des chefs-d'œuvre "ordonnés" et "statiques" du calibre de Battle for Grownups from Portfolio Series II (1969) ou Raspberry Icicle (1967), tandis que Pond margins donnerait du dynamisme à l'œuvre plus calme, mais chromatiquement apparentée, Monet's Garden (1980). En outre, tant cette dernière œuvre que Pond margins font référence à l'environnement de l'étang, bien que ce ne soit que dans l'acrylique de Gene Davis que l'on explique comment ce lieu correspond à l'endroit où le maître français Monet a peint ses célèbres nénuphars, sujets aujourd'hui habilement réduits à des lignes colorées. Enfin, en ce qui concerne les deux artistes d'Artmajeur, l'abstraction de Karl S se concentre souvent sur la forme de la ligne, qui est rendue dans des compositions oscillantes et énergiques, destinées à rappeler les sentiments intenses et primitifs de Cy Twombly, tandis que Wrightson, d'autre part, expérimente de multiples formes d'abstractionnisme, sans doute influencées par ses intérêts musicaux, probablement apparentés à ceux de Kandinsky.

LA LINÉA & MARIO BROS (2022)Peinture par Les Pinceaux De Marie.

Les Pinceaux De Marie : The Line & Mario Bros

Pour conclure les nombreuses représentations de la ligne dans l'art, on ne peut manquer de mentionner celle d'Osvaldo Cavaldoli, animateur, réalisateur et dessinateur italien, célèbre pour avoir créé et animé le personnage de la Ligne, protagoniste d'un dessin animé composé d'un petit homme qui marche le long d'une ligne infinie, dont il fait partie intégrante, avec les obstacles qu'il rencontre sur son chemin et auxquels il trouve une solution en demandant de l'aide au dessinateur lui-même. C'est précisément en 1969 que Cavandoli présente ce personnage, initialement connu sous le nom de M. Linea, à des agences de publicité engagées dans la production de films pour la RAI (Radiotelevisione Italiana S.p.A.) Carosello. Ce sujet a attiré l'attention d'Emilio Lagostina, ingénieur, collectionneur d'art et propriétaire de la célèbre entreprise d'autocuiseurs du même nom, qui a voulu en faire le protagoniste d'un dessin animé pour son entreprise. Par la suite, les aventures désormais populaires du personnage, accompagnées d'une bande sonore vaguement jazzy et doublées par le célèbre Carlo Bonomi, sont devenues les protagonistes d'une série de publicités bien connues, diffusées elles aussi à l'échelle internationale, qui ont ensuite donné lieu à la création de DVD et de bandes dessinées à thème. En ce qui concerne La linea & Mario Bros, le personnage de Linea se retrouve face à Super Mario, un autre italien bien connu, qui se présente probablement comme un ennemi, car le protagoniste de la bande dessinée de Cavaldoli semble lever les mains au ciel pour demander de l'aide à son créateur, qui, dans ce cas, ne peut pas l'aider, comme dans l'acrylique de Les Pinceaux de Marie, l'évolution temporelle du récit de la bande dessinée a été perdue. En effet, Linea restera à jamais immortalisée les bras levés, en perpétuelle quête d'attention, face au protagoniste le plus célèbre du monde des jeux vidéo, sans pouvoir résoudre sa situation.