La couleur argent dans l'art : de Verrocchio à Jeff Koons

Irina Goldenfish, Lune d'argent, 2021. Huile sur toile, 60 x 118 cm.

Argent : la couleur de la lune

D'un point de vue purement chromatique, l'argent représente une couleur grise métallique brillante, que l'on retrouve dans la nature à travers l'observation des poissons d'argent, des bouleaux d'argent et du métal dont il a hérité le nom. Cette teinte, extrêmement populaire dans la décoration d'intérieur précisément en raison de sa luminosité, ainsi que de son aspect moderne, élégant et raffiné, est connue pour être la couleur associée à la lune, ou plutôt à cette énergie exclusivement féminine, inextricablement liée aux émotions et aux pulsions, qui nous animent au plus profond de nous-mêmes. En effet, le satellite naturel de la Terre, capable d'attirer à lui l'eau de la surface terrestre la plus proche de lui, provoquant le flux de la marée, semble rappeler, de manière similaire, les émotions, la créativité et la sensualité qui sont en nous au plus profond de nous-mêmes. En effet, on pense que c'est précisément dans l'eau, gouvernée par la lune, que se concentre toute la vie intérieure de l'être humain, qui prend naissance, avec les forces inconscientes, dans le principe générateur de l'utérus, lieu féminin qui renvoie à nos origines les plus lointaines. En ce sens, cette couleur symbolise la prise de conscience de notre intériorité, à travers le chemin que nous devons parcourir pour nous reconnaître nous-mêmes, notre monde intérieur et notre émotivité, afin de pouvoir, par la suite, "identifier" également les autres.

Isabelle Pelletane, Amour Amour 15, 2022. Acrylique / peinture en spray sur papier, 70 x 50 cm.

Ilgvars Zalans, Argent et noir n°6, 2019. Acrylique sur toile, 90 x 60 cm.

L'argent dans l'art : de Verrocchio à Jeff Koons 

D'un point de vue purement art-historique, la couleur argent, comme prévu, tire son nom du métal du même nom, qui a été extrêmement populaire dans le monde de la création et de l'orfèvrerie depuis les premiers siècles et a certainement contribué à la diffusion et à l'ennoblissement de ladite couleur. En effet, il est important de faire savoir comment, depuis l'époque des anciens Égyptiens, on peut retracer l'utilisation de l'argent, un métal qui, à l'époque plus rare que l'or, était utilisé pour créer des objets religieux précieux et des bijoux de prestige. Apprécié même par les Grecs, l'argent a connu un certain succès dans l'Italie du XVe siècle, où, grâce à la recherche artistique de grands maîtres tels que Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio, Antonio del Pollaiolo et Domenico Ghirlandaio, l'art de l'orfèvrerie a atteint le sommet de la perfection. En outre, à cette même époque, le graveur florentin Maso Finiguerra, défini dans le Trattato dell'Oreficeria de Benvenuto Cellini comme : "L'homme qui n'avait pas son pareil dans cette profession", se distingue dans l'art du niellé, une technique spécifique de décoration des surfaces métalliques en argent. Le style de la Renaissance, qui se fonde exclusivement sur des modèles classiques, peut toutefois être raconté de manière exhaustive en analysant un chef-d'œuvre de l'époque, comme la Décapitation du Baptiste d'Andrea del Verrocchio, c'est-à-dire l'un des douze panneaux faisant partie de l'Autel d'argent de Saint-Jean-Baptiste, une œuvre toreutique réalisée par différents artistes entre 1367 et 1483 pour le baptistère de Saint-Jean (Florence), aujourd'hui conservée au Museo dell'Opera del Duomo (Florence). L'autel représente une extraordinaire synthèse des principales tendances de l'orfèvrerie et de l'art sculptural de l'époque, exprimée à travers une structure de matrice gothique tardive, avec huit panneaux frontaux et quatre latéraux, disposés sur deux registres et divisés par des piliers polygonaux enrichis par la présence de petites statues et de niches. Au centre de cette composition articulée se trouve l'édicule avec la statue du saint, qui, avec le reste de l'artefact, enregistre la présence de composants en argent, émail, dorure et bois. Parmi les douze panneaux, le dernier est celui qui représente la décapitation du Baptiste, déjà mentionnée, qui, bien qu'elle soit universellement reconnue comme l'œuvre de Verrocchio, pourrait également être attribuée à Léonard de Vinci. En effet, ce dernier a été l'élève de Verrocchio durant cette même période, où ses traits stylistiques se caractérisent par une construction perspective particulière, une architecture classique et des réactions émotionnelles dramatiques, que l'on retrouve dans le tout dernier panneau de l'autel. En faisant un bond dans le temps d'environ sept siècles, il est possible de mettre en évidence comment la récurrence de l'argent dans l'art contemporain semble être quelque peu "inchangée", même si elle est principalement liée à la popularité de la couleur chatoyante, plutôt qu'à l'utilisation du métal lui-même, qui est souvent "simulé" par l'utilisation de matériaux similaires, mais moins chers et plus facilement disponibles, comme l'acier inoxydable et l'aluminium, par exemple. En témoigne le célèbre Louis XIV de Jeff Koons, une sculpture rutilante en acier inoxydable réalisée en 1986, qui représente le maître américain sous les traits de l'ancien souverain de France, poursuivant ainsi l'objectif de célébrer à la fois l'extrême sensualité des formes de style baroque et le culte de la personnalité de l'artiste. C'est précisément ce métal qui a été utilisé pour la création de la série de sculptures dont fait partie Louis XIV. Intitulée Statuary, elle vise à célébrer les particularités de la couleur argent dans des créations kitsch baroques, nostalgiques et contemporaines, conçues dans l'intention de passer de thèmes éternels à des sujets résolument plus éphémères. Après le point de vue de Jeff Koons, il est important de souligner comment la narration de la couleur argent peut être enrichie par de nouveaux points de vue, exprimés par le travail original d'artistes d'Artmajeur tels que Ricky Reese, Richard Orlinski et Alan Lawrence.

Laurent Fauchoix, Queue de dauphin, 2018. Métal, 37 x 12 / 2,00 kg.

Pablo Alfredo De La Peña, Début du compte à rebours, 2022. Bois, 38.1 x 40.6 x 45.7 / 4.00 kg.

Ricky Reese, Fleur argentée, 2022. Sculpture en acier inoxydable, 65 x 44 x 30 cm / 23,00 kg.

Ricky Reese : Fleur argentée

La recherche artistique de Ricky Reese, sculpteur espagnol né en 1956, expérimente souvent l'utilisation de métaux argentés, qui sont utilisés pour créer des récits minimalistes, visant à décrire synthétiquement et, en partie, géométriquement les caractéristiques de la réalité. En témoigne Fleur argentée, une sculpture en acier inoxydable dont l'élégance, la sobriété et l'idée de mouvement tendent à rappeler le travail de Rosette Bir, une artiste française connue pour ses œuvres abstraites en acier inoxydable poli. En ce qui concerne le métal qui a uni les choix "matériels" des deux sculpteurs, l'acier inoxydable est extrêmement populaire dans l'art contemporain, surtout en ce qui concerne la production artistique destinée à un usage public extérieur, où cet alliage ferreux tend à être parfait, car il ne rouille pas et résiste aux attaques des liquides, des gaz et des substances chimiques. C'est ce qui ressort de l'œuvre de l'un des artistes contemporains les plus connus, le sculpteur Anish Kapoor, qui a créé en 2006 l'une des attractions monumentales les plus populaires de Chicago (États-Unis), le Cloud Gate, une sculpture dont la "physionomie" s'inspire des particularités du mercure liquide, en acier inoxydable réfléchissant.

Richard Orlinski, Taureau d'argent, 2015. Aluminium, 69 x 122 x 43 cm.

Richard Orlinsk : Taureau d'argent

Le taureau d'argent est une sculpture en aluminium chatoyant de l'artiste français populaire Richard Orlinski, dont l'œuvre a été largement influencée par des éléments stylistiques du Pop art, ainsi que par les caractéristiques d'objets populaires du quotidien. Malgré cette apparente "superficialité" et "légèreté", les œuvres de l'artiste Artmajeur cachent, derrière un vernis purement consumériste, des contenus profonds, faisant allusion à des valeurs importantes, telles que la liberté, le pouvoir et la passion. Ces idéaux sont principalement exprimés par l'utilisation de matériaux réfléchissants et "éblouissants", probablement destinés à symboliser un pseudo "cri", qui permet de diffuser plus facilement des concepts d'une telle profondeur. Par conséquent, le Taureau d'argent pourrait faire allusion aux concepts susmentionnés, mais aussi à d'autres que l'on retrouve dans des chefs-d'œuvre célèbres de l'histoire de l'art ayant le même sujet, comme, par exemple, le célèbre Taureau de Wall Street, un monument créé par Arturo Di Modica en 1987 et placé dans le Financial District de Manhattan (New York), qui célèbre le courage viril de ceux qui sont capables de se battre contre toute situation adverse.

Alan Lawrence, Apesanteur, 2021. Sculpture en résine, verre et métal, 33 x 15,2 x 6,4 cm / 2,00 Ib.

Alan Lawrence : Apesanteur

Le surréalisme avec lequel, dans l'œuvre d'Alan Lawrence, une simple cuillère "suspendue" a probablement été transformée en un élégant symbole d'équilibre, me rappelle une époque révolue où l'on utilisait des couverts en argent précieux et majestueux pendant les repas. En effet, ce dernier métal a été utilisé pour produire des objets destinés au service de la table, au moins dès l'époque des anciens Phéniciens, et ce jusqu'à l'époque romaine et au-delà. Après la "pause" médiévale, les couverts en argent reviennent en force à la Renaissance, même si l'on enregistre un pic d'utilisation à partir de la découverte de l'Amérique, lorsque, grâce à la diffusion des métaux du Nouveau Monde, l'argent devient accessible également à la bourgeoisie. Cette "passion" pour l'argenterie, outre qu'elle représente une sorte de symbole de statut, est également due aux avantages pratiques inhérents à l'argent, car il est extrêmement hygiénique, antibactérien et désinfectant. Pour en revenir à l'artiste d'Artmajeur, le sculpteur américain, né en 1965, soutient que la frontière entre une œuvre d'art et son spectateur doit être aussi courte que possible. Par conséquent, l'utilisation de couverts dans sa recherche artistique pourrait poursuivre l'objectif d'accompagner le spectateur dans une réalité qui lui est déjà très familière, où il est possible de reconnaître la simplicité des gestes quotidiens.