L'art des rayures : explication de Barnett Newman, Sean Scully et Agnes Martin

Mimi Eres, Rayures 22/27, 2022. Acrylique sur toile, 98 x 113 cm.

Si l'on se réfère à la définition du dictionnaire Google fournie par Oxford Languages, le terme "bande" désigne "la région d'un plan comprise entre deux lignes parallèles", c'est-à-dire cette matière allongée qui a souvent revendiqué sa présence en vedette principalement dans les œuvres abstraites ou minimalistes. En fait, la popularité des rayures, dont la présence se retrouve déjà dans l'architecture et les motifs décoratifs des civilisations les plus anciennes, ne s'est généralisée, en tant que sujet autonome de compositions, qu'à partir du XXe siècle, période durant laquelle les représentations de grilles et de monochromes ont également connu un grand succès. Cette récurrence se retrouve en effet dans l'œuvre de certains maîtres, représentants de l'abstractionnisme et du minimalisme, qui ont pratiqué ou continuent de pratiquer entre le XXe siècle et aujourd'hui, comme Barnett Newman, Sean Scully ou Agnes Martin, dont l'analyse de l'œuvre fait émerger leur interprétation personnelle de l'utilisation de cet élément linéaire. En ce qui concerne Barnett Newman, le sculpteur et peintre américain né en 1905 a été l'un des principaux représentants du Colour Field Painting, l'un des courants de l'expressionnisme abstrait, à travers lequel il a principalement étudié des zones de couleurs variées séparées par des lignes verticales, dans le but de créer des relations harmoniques d'un équilibre subtil, qui tendent à dilater l'espace. En témoigne son chef-d'œuvre datant de 1967, l'acrylique sur toile Voice of Fire, une œuvre abstraite dans laquelle l'Américain a réalisé trois bandes verticales de dimensions égales, dont les deux extérieures sont peintes en bleu et la centrale en rouge. Ce type de recherche artistique s'inscrit dans la droite ligne du style des maîtres les plus célèbres de l'expressionnisme abstrait, qui, comme Jackson Pollock, Mark Rothko et bien d'autres, ont remis en question ce qu'était réellement la peinture, en essayant de susciter des émotions et des idées en excluant la tridimensionnalité typique du support artistique, afin de promouvoir des réactions suscitées exclusivement par la couleur, le coup de pinceau et la texture. Quant à Sean Scully, en revanche, le peintre américain d'origine irlandaise, né en 1945, est connu pour ses peintures abstraites souvent caractérisées par une structure rythmique de rectangles colorés, dans laquelle prend place un décor à motifs de rayures ou de damiers. Un exemple de cette approche de l'abstractionnisme est la peinture à l'huile de 1999 intitulée Wall of Light Desert Night, qui fait partie de la série Wall of Light et qui s'inspire d'un voyage nocturne dans le désert du Nevada, une destination choisie par Scully pour échapper au chaos de Las Vegas, où il séjournait. Ce sont précisément les couleurs admirées dans cet écosystème aride observé au crépuscule qui constituent la base des couleurs choisies pour le tableau susmentionné, où les rectangles rayés bleu, gris et noir font allusion à l'avancée de l'obscurité de la nuit sur la surface du sable, finement représentée par trois "briques" d'un rose clair et doux. Dans ce contexte, le spectateur peut bien imaginer le triomphe progressif de l'obscurité sur la lumière, en allant contempler, avec l'artiste, le pathos qui enveloppe les ténèbres, entendues comme ces mystères les plus récurrents de l'inconnaissable, destinés à faire s'interroger l'homme depuis des siècles. En conclusion, le troisième "maître des rayures" est Agnes Martin, peintre américaine minimaliste, dont l'expérimentation artistique, de 1974 à sa mort, s'est principalement concentrée sur l'investigation du potentiel créatif d'une seule forme, qu'elle insérait, comme pour les lignes verticales et horizontales, dans une toile carrée de dimensions toujours égales. En témoigne le tableau de 1999 intitulé Happy Holiday, une œuvre abstraite caractérisée par un champ pictural carré divisé en quatorze bandes horizontales de largeur égale, où alternent le blanc et le rose pêche dans un motif de bandes délimitées par des lignes ondulées au crayon graphite. Cette peinture, comme les autres de la même période, a été commencée en apprêtant toute la surface de la toile avec une couche de craie acrylique blanche qui, n'étant jamais complètement recouverte de couches successives de couleur, confère à l'œuvre une large spatialité visuelle et une luminosité unique et vibrante. En outre, la combinaison même de l'utilisation de la peinture avec une démarcation imprécise des lignes de crayon semble rappeler au spectateur, ainsi qu'à l'artiste lui-même, que la perfection géométrique ne peut exister dans la nature, ouvrant ainsi une longue réflexion sur l'union entre l'art et la conscience de notre environnement.

Nataliia Sydorova, Deux bandes rouges, 2019. Huile sur toile, 100 x 80 cm.

Thomas Kausel, Abstraction géométrique blue and blue, 2022. Huile / acrylique sur bois, 40 x 40 cm.

La bande : la ligne dans l'abstraction et le minimalisme

Si nous nous référons une seconde fois à la définition de la bande mentionnée ci-dessus, nous pouvons constater qu'elle contient le mot droit, terme utilisé pour indiquer une ligne particulière qui se distingue par la particularité de ne jamais changer de direction. Par conséquent, l'histoire de la bande dans l'art peut également être retracée en se référant explicitement à celle de la ligne, son élément constitutif par excellence, qui, à partir du XXe siècle, a connu un certain succès dans le monde de la création, comme le démontrent les exemples de l'abstractionnisme lyrique, de l'abstractionnisme géométrique et du minimalisme. En ce qui concerne le premier mouvement, ce langage abstrait, développé par le peintre et musicien russe Vassily Kandinsky et d'autres artistes, dont le Suisse Paul Klee, identifie la ligne comme l'un des éléments essentiels de la forme, ainsi que la seule entité capable de générer une surface en fonction de son épaississement. Une œuvre qui en témoigne est Ligne transversale de Wassily Kandinsky, dans laquelle c'est précisément l'orientation des lignes qui détermine le titre du chef-d'œuvre, dans lequel l'agencement des formes et des couleurs évoque des sentiments d'optimisme et de bonheur. En ce qui concerne l'exemple de l'abstractionnisme géométrique, en revanche, il est impossible de ne pas faire référence à l'œuvre de Piet Mondrian, dont les éléments stylistiques comprennent l'utilisation de quelques éléments simples du langage visuel, tels que des lignes verticales et horizontales imbriquées de manière orthogonale, disposées sur un fond blanc marqué par l'utilisation des couleurs primaires jaune, rouge et bleu. Enfin, en ce qui concerne le minimalisme, la ligne devient ici aussi le protagoniste d'un langage visant à représenter un changement radical du climat artistique, caractérisé par un processus de simplification de la réalité, basé sur sa réduction aux structures géométriques les plus élémentaires. Ces interprétations purement vingtième siècle de la ligne, la "mère" des rayures, sont complétées par les points de vue rayés des artistes d'Artmajeur, comme ceux de Carla Sá Fernandes, Robert Van Den Herik et Natalie Levkovska.

Tehos, Tehos - feuilles d'automnes, 2021. Collage sur toile, 100 x 100 cm.

Ronald Hunter, Panneaux jaunes, 2022. Acrylique sur toile, 60 x 150 cm.

Carla Sá Fernandes, La création émotionnelle #364, 2022. Acrylique sur toile, 90 x 180 cm.

Carla Sá Fernandes : La création émotionnelle #364

Les bandes colorées réalisées à l'acrylique sur toile par Carla Sá Fernandes poursuivent l'intention, comme indiqué dans le titre, de faire allusion à la sphère émotionnelle, en mettant en lumière toutes ces sensations intuitives, viscérales, spontanées, intenses et explosives que nous sommes souvent obligés de dissimuler derrière un sens du devoir plus pratique et raisonnable. En outre, cette interprétation de l'œuvre pourrait être enrichie par l'étude attentive de l'histoire de l'art, qui permet d'associer La création émotionnelle #364 au chef-d'œuvre Achæan de Bridget Louise Riley (1981). L'œuvre de ce dernier peintre anglais, l'un des principaux représentants de l'Op art, représente, comme l'acrylique de l'artiste d'Artmajeur, une composition de rayures, qui contribuent à définir la structure du tableau. Dans le cas de 1981, cependant, Riley a développé sa propre palette de couleurs, totalement inspirée par les couleurs des peintures de tombes égyptiennes anciennes, qu'elle a visitées lors d'un voyage en 1979. Enfin, démontrant à nouveau la pertinence des rayures dans l'œuvre de l'artiste britannique, il est important de mentionner l'exposition de 2014 intitulée Bridget Riley : The Stripe Paintings. Cet événement, qui s'est déroulé à la galerie David Zwirner (Londres), a été conçu précisément dans l'intention de mettre en évidence l'attachement de Riley à l'interaction entre la forme et la couleur, précisément à travers l'utilisation de lignes élémentaires. 

Robert Van Den Herik, Sur le chemin de la maison, 2022. Huile sur bois, 80 x 80 cm. 

Robert Van Den Herik: Sur le chemin de la maison

Les colonnes de différentes hauteurs, décorées de rayures noires et blanches et disposées à des fins purement ornementales dans le paysage désertique d'une mystérieuse planète du système solaire, représentent, avec l'absence de formes de vie humaine, le symbole d'un monde d'abord colonisé puis abandonné par l'homme, qui a introduit dans l'univers des éléments stylistiques se référant clairement à l'œuvre de Daniel Buren, artiste conceptuel, peintre et sculpteur français né en 1938. Je me réfère en particulier à l'œuvre de ce dernier, Les Deux Plateaux, plus connue sous le nom de Colonnes de Buren, une installation artistique de 1985-1986, placée dans la cour intérieure du Palais Royal à Paris (France). Cet "ajout" à ce dernier bâtiment, construit en 1624 selon la volonté du cardinal de Richelieu, est dû à la volonté de l'ancien ministre français de la culture Jack Lang, qui a décidé d'embellir la cour du palais, précédemment utilisée comme parking, avec une œuvre commandée à Buren. C'est précisément la réalisation de cette dernière qui a suscité un débat animé sur l'intégration de l'art ancien et de l'art moderne, une réflexion qui, dans le cas de l'œuvre de Robert Van Den Herik, pourrait même s'étendre à la "fusion" de l'art ancien, de l'art moderne et du paysage, invitant le spectateur à imaginer la relation entre le flair créatif et les nouveaux mondes à "coloniser".

Natalie Levkovska, Dansons !, 2022. Dessin / gouache / crayon sur papier, 72 x 52 cm.

Natalie Levkovska: Dansons !

L'œuvre de Levkovska comprend, dans le langage des arts figuratifs, un incontournable de la mode, la robe rayée ! Ce type même de vêtement est capable de raconter une histoire riche en contrastes, dans laquelle les rayures jouent un rôle à la fois positif et négatif. En effet, au cours du Moyen Âge, ils étaient principalement associés aux uniformes des prisonniers, ce qui les faisait percevoir par l'opinion publique comme des signes évidents de transgression. Plus tard, et plus précisément pendant la Révolution française, les vêtements rayés, portés par les « Sans-culottes », sont devenus le plus pur symbole du bouleversement politique. De la même manière, l'association des rayures à un message politique s'est répétée en 1777, lorsque les rayures du nouveau drapeau américain représentaient l'idée de liberté. Cependant, à partir de 1858 environ, les rayures sont également devenues extrêmement populaires dans la marine, puisque, la même année, elles ont été choisies comme modèle pour l'uniforme officiel des marins français. Ce n'est qu'à partir du XXe siècle que les rayures sont devenues plus purement décoratives et moins "symboliques", grâce au travail de Coco Chanel, Adidas, Sonia Rykiel, Tommy Hilfiger, Jean Paul Gaultier et bien d'autres, qui en ont fait un classique de l'habillement, adaptable à tout type d'occasion.