La femme allongée sur le canapé(2018) Peinture de Jianxing Li
Art sans frontières : innovation artistique venue d’Asie
L'art de l'Asie de l'Est et du Sud-Est, caractérisé par un large éventail de styles et de techniques qui ont évolué au fil des siècles, suscite une multitude d'interprétations allant de la revisitation des traditions anciennes aux formes les plus modernes d'expression artistique. Des pays comme la Chine, le Japon, la Corée du Sud et la Mongolie apportent chacun leurs influences culturelles et historiques uniques, qui ont considérablement façonné et continuent d'enrichir la scène artistique mondiale.
Dans le paysage artistique actuel, ces nations s'avèrent être un terrain fertile pour l'innovation et l'expérimentation avec les médias traditionnels et modernes. Des artistes japonais comme Takashi Murakami et Yayoi Kusama, ainsi que des maîtres chinois comme Ai Weiwei et son puissant activisme artistique, ne sont que quelques-uns des noms qui ont atteint une renommée internationale. Ils sont rejoints par le photographe d'Asie du Sud-Est Dinh Q. Lê, connu pour ses œuvres explorant la mémoire collective et l'identité, et par l'artiste visuel Arahmaiani, dont l'art est principalement axé sur les questions sociales.
Il est maintenant temps de plonger dans les œuvres de dix peintres et sculpteurs d'Artmajeur, dont l'expérimentation artistique redéfinit ce que signifie être un artiste asiatique sur la scène contemporaine, avec des approches pionnières que vous ne trouverez nulle part ailleurs dans le monde de l'art.
RALENTIR V (2020) Peinture de Bin Xu
Dialogues sereins : le monde éthéré de Xu Bin
Né en 1969 à Guang'an, dans la province du Sichuan, en Chine, Xu Bin a canalisé son existence artistique dans une expérimentation continue, imprégnée d'innovation et de virtuosité. Après avoir obtenu son diplôme au département des beaux-arts de l'université normale du Sud-Ouest, Xu a perfectionné son art principalement dans la peinture à l'huile, en s'inspirant des palettes vives des maîtres de l'impressionnisme et du post-impressionnisme, tels que Monet et Seurat. Au fil du temps, il a habilement interprété les exemples donnés par des icônes modernistes comme Matisse, Picasso, Dalí et Chagall, en les mêlant aux influences des traditions figuratives chinoises. C'est de cette confluence de tendances diverses qu'est née sa voix artistique la plus singulière et la plus mature.
Le répertoire de Xu Bin est un kaléidoscope de couleurs intenses, comme filtrées à travers un voile de rêve, avec une utilisation fréquente de teintes roses et violettes pour les arrière-plans et la peau de ses personnages. Les verts et les bleus sont également très présents, accentuant l'aura éthérée de ses créations. Ses personnages portent des traits distinctifs, presque des masques, avec de grandes bouches et de longs nez, souvent accompagnés de proportions corporelles exagérées. Chaque personnage, issu d'un monde onirique et inédit, semble naviguer entre le flottement et le réel tangible.
Les œuvres de Xu Bin, en plus de capturer l'élégance des personnages représentés dans divers contextes, encouragent parfois des réflexions sur des thèmes sociaux urgents et des métamorphoses culturelles, agissant comme des miroirs du présent ainsi que des fenêtres sur des visions futuristes de la vie et de la technologie. Chaque pièce, quel que soit le thème abordé, se présente comme une ode à l'élégance, au raffinement et à l'unicité, démontrant l'engagement constant de Xu Bin à façonner un art à la fois réfléchi et personnel.
"Slow down V" illustre le style distinctif du peintre : la composition, aux couleurs vibrantes et rêveuses, représente une femme allongée sur une falaise, immergée dans un environnement serein et tranquille. À côté d'elle, un oiseau pensif est perché, comme s'il écoutait attentivement ses paroles. La femme et l'oiseau semblent dialoguer, créant une atmosphère intime et contemplative. À l'arrière-plan, un bateau flotte sur la mer, complétant la scène avec un sentiment de calme et d'immobilité, presque comme si le temps s'était arrêté.
Mais de quoi la femme et l'oiseau pourraient-ils bien discuter ? Peut-être de l'amour, étant donné l'intimité et la sérénité qui imprègnent la scène ? Nous ne pouvons pas le savoir avec certitude, mais l'atmosphère délicate et leur attitude doucement réfléchie nous amènent à penser qu'il pourrait s'agir d'amour.
Aoi Song, la roue. Peinture de Ma Guo Dong
Le dualisme de l'imagination : comparaison de Bin Xu et de Ma Guo Dong
La comparaison entre "Slow down V" de Bin Xu et "Aoi Song, the wheel" de Ma Guo Dong met en évidence deux univers artistiques uniques et distincts, où les deux peintres façonnent des personnages issus de leur imagination. Alors que Bin Xu nous transporte dans un univers onirique et parallèle, Ma Guo Dong semble raconter des épisodes qui rappellent des contes ou des "vignettes de bande dessinée". Par ailleurs, si Ma Guo Dong, comme Bin Xu, utilise des couleurs vives, il poursuit une approche plus narrative, concrète, dynamique, vivante et aventureuse, visant à prendre corps à travers la création d'une esthétique qui mêle symbolisme culturel et langage visuel contemporain.
Néanmoins, les deux artistes parviennent à imprégner leurs créations de significations profondes, si bien que la comparaison entre Bin Xu et Ma Guo Dong révèle deux approches différentes mais complémentaires de la création artistique, où l'imagination est le fil conducteur entre les expériences visuelles et les réflexions sur la réalité.
Enfin, en ce qui concerne Ma Guo Dong, peintre chinois contemporain connu pour ses créations uniques et vibrantes, il est diplômé du département de conception artistique du Taishan Medical College, ville de Taian (Chine). Grâce à son style distinctif et à ses références culturelles chinoises, il explore les thèmes de la vie, de la lumière et de l'espoir, conférant à ses œuvres un sens profond et une grande vitalité. Son art, également caractérisé par la fusion et l'intégration d'éléments symboliques, a été exposé à diverses occasions et collectionné par des galeries et des artistes de renommée internationale.
La grenouille(2016) Sculpture de Dongbeom
ODE À LA GALANTERIE (2022) Sculpture de Zhao Yongchang
Sujets animaliers dans la sculpture contemporaine : une comparaison entre Dongbeom Lee et Zhao Yongchang
La tradition sculpturale de l'Asie de l'Est et du Sud-Est a des racines profondes et s'est développée au fil des siècles, conservant un lien étroit avec le symbolisme et la spiritualité. Aujourd'hui, cet héritage continue d'influencer les artistes contemporains qui associent les techniques traditionnelles à de nouvelles formes d'expression. Les œuvres de Dongbeom Lee et de Zhao Yongchang, "La grenouille" et "Ode à la galanterie", sont des exemples emblématiques de cet art. Ces deux sculptures représentent des animaux d'une manière qui reflète les visions distinctes et les influences culturelles des artistes.
L'œuvre "la grenouille" de Dongbeom Lee utilise une figure géométrique dont les couleurs rappellent celles de Mondrian, conçue pour "piéger" et soutenir un animal en son sein, la transformant ainsi en une sculpture dotée d'une base. La grenouille est positionnée avec la tête plus basse que le corps, comme si elle avait été "capturée" en train de plonger dans un étang. Cette disposition crée un lien fort avec le support en pierre, suggérant une interaction dynamique entre la forme et l'élément naturel-animal, et suscitant également une réflexion sur l'équilibre entre l'artificiel et le naturel.
D'autre part, la sculpture "Ode à la galanterie" de Zhao Yongchang explore un autre type d'"imbrication" : celle entre le corps d'un garçon et un dragon-cheval. Dans cette œuvre, le grand animal se soumet à la figure humaine, faisant allusion aux récits mythologiques où la force et le courage de la bête cèdent souvent le pas à la rationalité et à la justice de l'homme. La scène capture ainsi un moment dynamique et puissant, reflétant les thèmes séculaires de l'héroïsme et de l'aventure.
Il devient alors évident que, dans les deux œuvres, le choix de représenter les animaux avec la tête plus basse que le corps n'était pas seulement destiné à créer un lien visuel avec l'élément environnemental d'appartenance, mais aussi à stimuler une réflexion plus profonde, visant à nous faire nous interroger sur le rôle réel des êtres vivants dans le contexte dans lequel ils opèrent. Cela aboutit à des réflexions visant à nous faire réfléchir de manière dualiste à l'opposition entre naturel et artificiel, force et sagesse, liberté et contrôle.
BESOIN INCONDITIONNÉ D'HARMONIE (2013) Peinture de Nomin
FILLE DE NOBLESSE CHINOIS (2023) Peinture de Huixi Yu
YU003 (2023) Peinture par Hang
Portraits féminins : une comparaison entre la Mongolie et la Chine
Pour comparer trois artistes asiatiques originaires de Mongolie et de Chine, j'ai choisi d'examiner leur corpus d'œuvres sur des sujets féminins, en contrastant leurs différentes approches du sujet. Cette comparaison met en lumière les techniques et les visions culturelles distinctes de Nomin, Huixi Yu et Hang, offrant ainsi un aperçu riche et nuancé de la représentation des femmes dans l'art contemporain.
Commençons par l'artiste mongol Nomin Bold, qui utilise une interprétation personnelle du surréalisme pour représenter un double portrait féminin ("Unconditioned need for harmony", 2013), probablement destiné à faire allusion au dualisme du bien et du mal. Les deux personnages, l'un rouge avec des cornes et l'autre bleu avec une auréole, sont richement détaillés et décorés de figures fantaisistes, transmettant une saveur légère, amicale et insouciante. La position verticale et la symétrie des deux personnages dégagent un sentiment d'équilibre et d'harmonie, malgré le contraste marqué entre leurs natures opposées.
L'artiste chinois Huixi Yu présente une vision expressionniste intitulée "Fille de la noblesse chinoise", qui reproduit les traits d'une femme issue de la tradition passée de son pays. Ce résultat est obtenu grâce à une combinaison de peintures acryliques, de marqueurs acryliques et de peinture à l'huile, des techniques artistiques qui prennent également des formes linéaires particulières, notamment autour du cou et du visage du modèle, évoquant la présence de "filaments de tissu" similaires. Enfin, la figure debout, représentée avec une attitude de grâce et de réserve, laisse la nature "minimaliste" du décor ouverte à l'interprétation de l'observateur.
L'œuvre "Yu003" de Hang, également artiste chinois, adopte une approche "expressionniste", où la figure féminine est divisée en champs de couleurs, destinés à créer un effet de mosaïque. Ce type de représentation, qui s'apparente en partie au cubisme, sert à refléter le monde intérieur du sujet, en le rendant avec des formes et des couleurs capables d'évoquer des émotions et des pensées cachées. Contrairement aux deux autres œuvres, la femme est représentée allongée, dans un environnement intérieur bien défini. Ce contraste de posture et de contexte met en évidence un moment de plus grande intimité et de vulnérabilité, clairement destiné à offrir une vision plus personnelle et introspective de la figure féminine.
Moi, moi (2022) Peinture de Jianxing Li
Le réalisme chinois et l'art de Jianxing Li
L'œuvre "I, me" de Jianxing Li est une représentation captivante de deux garçons assis sur des chaises, vêtus de vêtements de sport, dans un cadre scolaire. Le tableau capture un moment d'introspection tranquille, rendu encore plus intense par l'utilisation magistrale de couleurs réalistes et d'une composition méticuleusement détaillée. Les visages sérieux et pensifs des garçons dégagent une profondeur de pensée qui invite le spectateur à réfléchir. La disposition symétrique de leurs postures, combinée à l'ordre de l'environnement, suggère un sentiment d'harmonie et de tranquillité. Jianxing Li utilise des tons doux et une lumière diffuse pour créer une atmosphère sereine et contemplative, comme si le temps s'était arrêté pour permettre à ces jeunes de se plonger dans leurs pensées.
Mais d'où vient cette approche prudente de la vraisemblance du sujet pictural ? Pour le comprendre, il faut se tourner vers le riche héritage du réalisme chinois, une tradition profondément ancrée dans l'histoire artistique du pays. Ce style, souvent caractérisé par une description détaillée et précise de la vie quotidienne et des expériences humaines, a connu une grande popularité et un développement concret au cours du 20e siècle. En effet, influencés par les maîtres européens, les artistes chinois ont progressivement développé un langage visuel unique qui mêle éléments traditionnels et techniques modernes, créant des œuvres qui reflètent fidèlement la culture et la société contemporaines.
En voici quelques exemples célèbres : le peintre Liu Xiaodong produit des tableaux qui capturent des moments de la vie quotidienne, explorant souvent des thèmes de changement social et culturel ; Chen Yifei est réputé pour ses portraits et paysages réalistes, caractérisés par une grande attention aux détails et une utilisation magistrale de la lumière ; et Wang Yidong, qui se concentre sur des thèmes ruraux et traditionnels, utilise un réalisme détaillé pour explorer la beauté d'une vie simple. Ainsi, ces artistes, y compris Jianxing Li, contribuent à maintenir le réalisme chinois vivant et dynamique.
Au milieu de la vie4(2023)Peinture de Lu Shou Hui
ASYMÉTRIE DE LA NATURE (2022)Peinture de Shuren
Art abstrait chinois et mongol
L'art abstrait en Chine et en Mongolie a suivi des voies distinctes, reflétant les différentes traditions culturelles et historiques de chaque pays. En Chine, le mouvement a commencé à se développer sérieusement au XXe siècle, en s'inspirant des avant-gardes européennes, bien que ses racines remontent aux techniques de peinture à l'encre des dynasties Tang (618-907) et Song (960-1279). En Mongolie, en revanche, l'abstraction est un phénomène plus récent, bien que la tradition artistique du pays, influencée par le nomadisme et le bouddhisme, ait toujours favorisé une représentation symbolique et stylisée de la réalité. Ce n'est que dans les années 1990, avec la fin du régime communiste et l'ouverture de la Mongolie au monde, que les artistes mongols ont commencé à expérimenter de nouvelles formes d'expression, dont l'abstraction.
En ce qui concerne les peintres d'Artmajeur, "In the middle of life4" de Lu Shou Hui, qui fait partie de la série "Middle Age", est une représentation abstraite et symbolique des défis de l'âge mûr. L'artiste explique d'ailleurs que le processus de création du tableau s'apparente à la manipulation d'un morceau d'argile. Sur cette surface, les mains laissent des empreintes profondes et permanentes, destinées à symboliser les forces invisibles qui façonnent le passage du temps sur la peau d'une personne. De même, les cicatrices et les déformations de l'argile représentent également les angoisses, l'impuissance et la douleur qui caractérisent la dernière phase de la vie.
Sur le plan technique, Lu Shou Hui utilise les outils traditionnels de la peinture chinoise, tels que le pinceau et l'encre, qu'il combine avec des éléments de l'expressionnisme abstrait occidental, comme les lignes arc-en-ciel de la composition. Cependant, il est impossible de ne pas remarquer la présence d'aiguilles, qui transpercent les formes, métaphorisant une fois de plus l'anxiété, le désespoir et la douleur qui assaillent souvent les personnes d'âge moyen.
"Asymmetry of Nature" de Shuren, quant à elle, représente un nu stylisé dans un alignement symétrique avec la nature, où le corps humain féminin apparaît en quelque sorte "différent" ou, pour être plus précis, abstrait. Shuren, peintre mongole contemporaine, est connue pour sa passion des portraits de femmes, capturant la beauté et la profondeur de leur âme. Ses premières œuvres représentaient souvent des figures féminines corpulentes, imprégnées d'un sentiment de force, malgré leurs yeux tristes et distants.
Récemment, cependant, le style de Shuren a évolué vers une vision plus colorée et joyeuse de la vie, où les femmes transmettent un message de résilience et de beauté éphémère, suggérant que, bien qu'elles puissent connaître des moments d'intense agitation, la sérénité reviendra toujours.
Il est évident que les deux œuvres explorent des thèmes profonds par le biais de l'abstraction, tout en abordant des points de vue et des questions très différents. Ces approches, bien que distinctes, sont complémentaires, car elles reflètent divers aspects de l'expérience humaine sur terre.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
