MOONBEAM (2020)Peinture d'Adele Mosonyi
Exploration du noyau contemporain de la Biennale de Venise 2024 : un regard approfondi sur les thèmes centraux
La 60e édition de la Biennale de Venise d'Art, intitulée "Strangers Everywhere", s'inspire d'une série d'œuvres créées par le collectif Claire Fontaine depuis 2004. Ces œuvres, des sculptures en néon de différentes couleurs affichant la phrase "Strangers Everywhere" dans plusieurs langues, encapsulent les thèmes centraux de l'exposition. Cette phrase, adoptée à l'origine par un collectif turinois pour lutter contre le racisme et la xénophobie au début des années 2000 en Italie, pose les bases pour une exploration des crises mondiales découlant des guerres et du mouvement des personnes à travers les nations, territoires et frontières. De tels événements mettent en lumière les dangers et les défis liés à la langue, à la traduction, à la nationalité et aux disparités régies par l'identité, la race, le genre, la sexualité, la liberté et la richesse.
Ainsi, "Strangers Everywhere" résonne avec plusieurs significations, suggérant qu'où que l'on aille, on rencontrera inévitablement des étrangers, ce qui met en évidence l'omniprésence du concept d'étrangeté. Cela implique également que, quel que soit le statut de quelqu'un, une étrangeté intrinsèque persiste chez chaque individu.
L'exposition vénitienne présente 331 artistes et collectifs ayant vécu ou vivant dans et entre 80 pays, dont Hong Kong, la Palestine et Porto Rico. Leur participation diversifiée souligne la nature migratoire des artistes pour diverses raisons. Le principal objectif de la Biennale de Venise 2024 est en effet axé sur les artistes qui sont étrangers, immigrés, expatriés, membres de la diaspora, exilés ou réfugiés, en particulier ceux qui se déplacent entre le Sud et le Nord mondial.
De plus, les termes pour "étranger" dans différentes langues - "straniero" en italien, "estrangeiro" en portugais, "étranger" en français et "extranjero" en espagnol - sont étymologiquement liés au concept de "strange". Par conséquent, l'exposition explore également la production de sujets connexes, à savoir : l'artiste queer, qui navigue entre différentes sexualités et genres, souvent persécuté ou marginalisé ; l'artiste outsider, en marge du monde de l'art, comme l'autodidacte, l'artiste populaire ou folklorique ; et l'artiste autochtone, souvent traité comme un étranger sur sa propre terre. Ces quatre groupes forment le cœur de la section Contemporaine de l'exposition.
Enfin, il est important de préciser que la Biennale d'Art de Venise 2024 inclut également un noyau historique, visant à recueillir des œuvres du XXe siècle en provenance d'Amérique latine, d'Afrique, du Moyen-Orient et d'Asie. Elle présente un exercice de commissariat spéculatif qui remet en question les limites et les définitions du modernisme avec des sections telles que Abstractions et Portraits dans le Pavillon Central aux Giardini et Italiens Partout dans la Corderie de l'Arsenal. L'arrangement susmentionné souligne les histoires moins connues des modernismes du Sud Global, en mettant l'accent sur la nécessité d'en apprendre davantage sur ces récits.
Maintenant, c'est enfin au tour des artistes d'Artmajeur, qui, conformément aux thèmes du noyau contemporain de la Biennale de Venise, seront reconnus comme représentants de l'Art Outsider, de l'Art Queer, de l'Art Populaire et des récits artistiques contre le racisme.
NATIVE (2022)Peinture de Nickkuru
Voix non mainstream : les artistes outsiders d'Artmajeur
Qu’est-ce que l’art brut ?
L'Art Outsider, initialement appelé "Art Brut" par l'artiste Jean Dubuffet, fait référence à une forme de créativité qui émerge en dehors des limites de la culture officielle. En effet, le maître français s'est spécifiquement concentré sur le travail de ceux qui ne sont pas formellement formés ou exclus du monde de l'art mainstream. En ce sens, le terme englobe les œuvres d'artistes qui opèrent souvent en isolation et sans aucun lien avec la scène artistique traditionnelle. Il en découle que Dubuffet admirait ce type de création artistique pour sa qualité brute et non médiée, qu'il croyait intouchée par les conventions culturelles et artistiques.
L'Art Outsider émerge souvent de créateurs qui éprouvent un besoin profond et presque révélateur de créer, considéré par eux comme une nécessité personnelle plutôt qu'une entreprise professionnelle ou commerciale. Ces artistes sont généralement autodidactes, et leurs œuvres explorent souvent des visions personnelles complexes qui reflètent de profondes émotions ou pensées internes, parfois perçues comme un mécanisme d'adaptation pour des conflits individuels ou mentaux. Ainsi, l'art produit peut être intensément personnel et caractérisé par des motifs répétitifs ou des matériaux non conventionnels, marquant un engagement profond avec leur médium de choix.
La spiritualité et la religion influencent également de manière significative de nombreux artistes Outsider, incorporant des éléments suggérant des connexions avec un monde au-delà du visible et exprimant des intuitions qui résonnent à un niveau universel malgré leurs origines très personnelles.
Enfin, d'un point de vue historique de l'art, cette forme d'art peut être vue aux côtés de mouvements comme le Surréalisme dans son exploration de l'inconscient et l'utilisation d'images abstraites ou fantastiques, bien qu'elle reste distincte en raison du désintérêt de ses créateurs pour le marché de l'art ou la reconnaissance publique.
"J'AI REGARDÉ LE SOLEIL" (2024)Peinture de Marc E. Des Rosiers
SCONVOLGI LA TUA REALTÀ (2024)Peinture de Brazo
Quelques artistes outsiders d'Artmajeur
Décrivant les deux peintures outsider juste ci-dessus, en commençant par la première, "J'ai regardé le soleil" est une toile dominée par un personnage mystérieux, dont les traits sont rendus à travers une combinaison de styles abstrait et synthétique-figuratif. En effet, le visage du sujet a été esquissé avec des lignes rugueuses, presque enfantines, qui ont été remplies de couches de couleurs sombres et inquiétantes, complétées par des accents rouges destinés à attirer l'attention du spectateur. Dans la partie inférieure de l'œuvre, les coups de pinceau, placés sur le torse du personnage, deviennent assez frénétiques, créant l'apparence d'une cacophonie de teintes, probablement en allusion aux courants plus cachés qui agitent la poitrine humaine.
Le riche langage ainsi illustré sert à synthétiser l'habileté technique et la philosophie du créateur, qui se distingue par son talent à capturer des moments éphémères d'émotion et de pensée, afin de les figer sur la toile et d'engager le spectateur de manière méditative. En effet, le style brut de l'artiste nous amène directement à réfléchir sur notre parcours personnel de découverte de soi, ainsi que sur les chemins à la recherche de la liberté personnelle.
Enfin, Marc E. Des Rosiers est un artiste multidisciplinaire autodidacte de l'Isle-aux-Coudres (Canada), dont l'art se situe principalement entre le délibéré et l'accidentel, ainsi qu'entre le contrôle et le chaos, nous plongeant dans un flot de conscience qui se déverse dans les dynamiques internes de l'esprit, rendues explicites par le récit figuratif.
La deuxième œuvre est "Sconvolgi la tua realtà" de Brazo, une toile où la figure principale, plus grande et placée au centre du support, apparaît comme une entité surréaliste, capturée en train de danser frénétiquement. Cette figure, rendue en rose, orange et rouge, se détache sur un fond jaune vif, qui vire au bleu serein dans la partie inférieure. La scène est enrichie par la présence de quelques poissons, l'un peut-être même un peu mordant, ainsi que quelques symboles destinés à combattre à l'unisson, pour capturer l'attention du spectateur. Cependant, le but de la composition est révélé par le texte, qui apparaît sur le côté gauche de la toile, répétant le même titre et exhortant littéralement à bouleverser sa réalité.
Chacun des éléments stylistiques que nous venons de mentionner est à comprendre comme un témoignage de l'absence de contraintes académiques, conçu pour donner la priorité uniquement à l'instinct et à la liberté créative. En effet, Brazo, un peintre italien né en 1964, a appris en s'inspirant des grands maîtres expressionnistes, qu'il a ensuite interprétés de manière instinctive, combinant différents styles, principalement ceux de l'art de rue et de l'Art Brut, qu'il a mélangés avec une grande expertise.
OLEKSANDR BALBYSHEV "SUNSET DEMON" EDITIONED PRINT 01\50 (2022)Gravure par Oleksandr Balbyshev
Artmajeur et l'art queer
Qu’est-ce que l’art queer ?
Queer art, également connu sous le nom d'art LGBT+, englobe l'art visuel moderne et contemporain qui s'inspire des thèmes et des problématiques pertinentes pour les communautés lesbiennes, gays, bisexuelles, transgenres, et plus largement non hétérosexuelles et non cisgenres. Ce genre artistique remet souvent en question les perspectives ordinaires, offrant des alternatives utopiques et dystopiques, parfois en explorant des thèmes liés à la sexualité et aux désirs non orthodoxes.
Les œuvres des artistes queer n'adhèrent pas à un seul style ou médium mais embrassent un large éventail d'expressions, allant de l'art performance à la peinture et au-delà. Des variations apparaissent également en fonction des contextes culturels, nationaux et religieux, influençant la réception des diverses recherches artistiques, qui peuvent être à la fois célébrées et censurées.
L'histoire de l'art queer comprend des représentations codées dans des époques où l'expression ouverte était dangereuse. Par exemple, pendant l'entre-deux-guerres, des artistes queer dans des centres urbains comme Paris et Berlin ont commencé à exprimer plus ouvertement leurs identités. L'historien de l'art Jonathan David Katz interprète certaines œuvres d'artistes tels que Robert Rauschenberg et Jasper Johns comme contenant des sous-textes queer qui font allusion aux identités homosexuelles des artistes.
De plus, le mouvement de l'art queer a été significativement influencé par l'activisme, notamment pendant la crise du SIDA, lorsque l'art est devenu une forme de protestation et un moyen de plaider pour le changement. Des maîtres comme Keith Haring ont utilisé leurs œuvres pour sensibiliser et combattre la stigmatisation associée au SIDA.
En conclusion, l'art queer est un domaine dynamique et en évolution qui reflète non seulement les expériences et les luttes des individus LGBT+, mais qui remet également en question et élargit les frontières de l'expression artistique.
TIGRE DE TASMANIE (LES ÉVACUATIONS) (2019)Peinture de Nicolas Gey
WONDER WOMAN (2021)Photographie par Starmonkeyz
Quelques artistes queer d'Artmajeur
En comparant les deux œuvres queer mentionnées ci-dessus, à savoir "Tasmanian Tiger" de Nicolas Gey et "Wonder woman" de StarMonkeyz, elles dépeignent de manière similaire des sujets engagés dans des thèmes d'identité et d'expression, qui croisent des normes sociales plus conventionnelles, abordées à travers différents médiums et choix stylistiques.
"Tasmanian Tiger" est une peinture qui mélange l'asphalte urbain avec des éléments naturels et mythiques, représentant un nain transgenre aux côtés d'un thylacine éteint, contre le fond austère d'une porte en acier industriel et de pavés gris clair soulignés de noir. Les éléments urbains mentionnés ci-dessus peuvent symboliser les structures rigides de la société, tandis que les figures du nain et du thylacine évoquent une amitié inhabituelle, suggérant une expérience partagée de l'existence qui dépasse la reconnaissance mainstream.
D'autre part, "Wonder woman" de StarMonkeyz est une photographie qui subvertit l'imagerie traditionnelle associée au glamour et aux figures de pin-up de la culture pop, présentant intentionnellement un personnage masculin déguisé en super-héroïne. Ce faisant, la force et la vulnérabilité sont juxtaposées, remettant en question les attentes canoniques du spectateur en matière de genre et d'héroïsme. Ainsi, l'œuvre peut être interprétée comme une réflexion sur les aspects performatifs du genre et le pouvoir de réappropriation des symboles emblématiques pour faire des déclarations personnelles ou politiques.
Les deux œuvres opèrent dans le domaine de la subversion mais empruntent des chemins uniques. Gey utilise une palette plus subtile et un mélange de réalisme et de fantastique pour commenter l'expérience d'être queer et le défi de la diversité. En revanche, StarMonkeyz utilise des couleurs vibrantes, un engagement direct et des éléments ludiques pour remettre en question les idées préconçues de la féminité et de l'identité, célébrant la beauté de la divergence avec un esprit vif.
FOLK DANCE 11 (2022)Peinture de Uttam Manna
Les artistes Artmajeur redéfinissent l'art populaire
Qu’est-ce que l’art populaire ?
L'art populaire englobe un large éventail d'arts visuels créés dans le contexte de la culture populaire. Contrairement à l'art classique, qui est souvent pratiqué dans des institutions éducatives formelles, l'art populaire est généralement produit par des individus formés dans les traditions de leur communauté. Cette méthode de transmission des connaissances aide à maintenir la continuité des expressions culturelles de génération en génération. En fait, les créateurs d'art populaire sont généralement profondément enracinés dans leurs traditions culturelles, produisant des œuvres qui reflètent les valeurs, les normes sociales et les expériences collectives de leurs communautés.
L'art populaire peut être à la fois tangible et intangible, allant des objets physiques tels que les textiles, la céramique et les sculptures sur bois aux pratiques telles que la danse, la musique et la narration. Les aspects tangibles de l'art populaire sont souvent utilitaires, créés pour répondre aux besoins quotidiens, et sont appréciés autant pour leurs qualités esthétiques que pour leur fonctionnalité. Une fois que le but initial de ces objets s'estompe, leur production continue peut dépendre de leur importance au sein de la communauté, acquérant souvent de nouveaux significations avec le temps.
Enfin, l'art populaire, une expression vitale de l'identité communautaire et culturelle, offre certainement des perspectives sur les contextes sociaux et historiques d'où il émerge, car il est indélébilement lié au passé et au présent, mettant en évidence la diversité et l'ingéniosité des traditions populaires à travers le monde.
«ESSAY REFLECTION» GRANDE PEINTURE ACRYLIQUE CONTEMPORAINE (2023)Peinture de Yuliia Chaika
LIGNES DE LA FORÊT (2023)Peinture de Lorena Iavorschi
Quelques artistes folkloriques d'Artmajeur
Les deux œuvres d'art populaire ci-dessus, "Essay Reflection" de Yuliia Chaika et "Lines of the forest" de Lorena Iavorschi, sont riches en références culturelles et imprégnées de l'essence de leurs origines respectives, l'Ukraine et la Roumanie.
"Essay Reflection" évoque la culture ukrainienne à travers la présence de sa protagoniste féminine, parée d'éléments rappelant le costume folklorique du pays, connu pour sa riche broderie et l'utilisation de motifs audacieux, qui se répètent également en arrière-plan. En fait, le motif de la robe pourrait faire référence à la 'vyshyvanka' brodée, un vêtement distingué par ses motifs complexes.
La couleur bleue dominante sur la toile pourrait évoquer les cieux bleus qui s'élèvent juste au-dessus des vastes champs de blé du pays - un symbole de fertilité et de prospérité. De plus, la superposition des mains et l'attention détaillée portée à l'ornementation de la figure semblent faire écho à l'importance de l'artisanat et des efforts communautaires dans les traditions folkloriques ukrainiennes.
"D'autre part, "Lines of the forest" évoque la culture roumaine, reflétant ses costumes folkloriques et ses riches traditions à travers la représentation d'une jeune fille pensante portant un foulard, rappelant le "basma" typique du pays, souvent décoré de motifs floraux. De plus, la manière dont cet accessoire est noué peut indiquer une région particulière de la Roumanie, notamment la partie nord-est du pays, comprenant la région historique de Moldavie.
Les tons terreux et le paysage forestier en arrière-plan peuvent symboliser le lien avec la nature, prévalant dans le folklore roumain et le mode de vie rural, qui ont façonné le patrimoine culturel du pays. Ces mêmes tons peuvent également refléter la solennité et la profondeur de la musique et de la danse folkloriques roumaines, qui expriment souvent les joies et les peines de la vie.
STÉRÉOTYPE ASIATIQUE (2018)Photographie de Starmonkeyz
Briser les barrières : le rôle de l'art dans la lutte contre le racisme
À propos de l’art et du racisme
L'art a depuis longtemps été un miroir reflétant les problèmes sociaux et les conflits de son époque, le racisme étant l'un des thèmes les plus durables et les plus omniprésents explorés à travers l'expression créative. Tout au long de l'histoire, l'art n'a pas seulement dépeint les conflits et les disparités raciales, mais a également été un outil pour remettre en question et critiquer les préjugés sous-jacents et les injustices systémiques qui perpétuent la discrimination.
Dans un sens plus large, l'art contre le racisme interroge et expose les préjugés existants au sein des sociétés, illustrant comment les stéréotypes enracinés peuvent influencer les perceptions et le traitement des différents groupes raciaux et ethniques. Des artistes de divers horizons ont utilisé leur travail pour exposer ces injustices, initier des conversations et favoriser la compréhension entre les communautés diverses. Leurs œuvres servent de catalyseurs pour le changement social, incitant les spectateurs à réfléchir à leurs propres opinions et à considérer les implications plus larges de la communauté du racisme.
Prenant l'exemple spécifique du mouvement américain des droits civiques, nous voyons des cas où l'art a joué un rôle fondamental pour mettre en lumière les luttes des Afro-Américains pendant les années 1950 et 1960, une période marquée par une ségrégation raciale et une discrimination sévères. On peut citer la peinture de David C. Driskell, "Behold Thy Son" (1956), créée en réponse au lynchage brutal d'Emmett Till, un jeune garçon afro-américain. Le chef-d'œuvre dépeint en effet Till comme un martyr, s'inspirant de l'iconographie religieuse la plus célèbre du Christ. Cette association puissante attire l'attention sur la violence extrême subie par les Afro-Américains et sert de plaidoyer visuel pour le changement et la reconnaissance de leur humanité.
De même, la peinture abstraite de Norman Lewis, "Evening Rendezvous" (1962), aborde subtilement la terreur des rencontres avec le Ku Klux Klan, prenant l'apparence de formes et de couleurs menaçantes capables de suggérer la présence de ce groupe suprémaciste blanc, invoquant une réflexion sombre sur la haine et la peur propagées sous le couvert du nationalisme.
Dans le contexte contemporain, le rôle de l'art dans la discussion sur le racisme reste crucial. Suite au meurtre de George Floyd en 2020 - un événement qui a déclenché des manifestations mondiales contre la brutalité policière et l'injustice raciale - des artistes comme Banksy ont réagi avec des chefs-d'œuvre qui ont parlé à l'instant. L'œuvre de l'artiste dépeint le drapeau américain enflammé par une bougie de veillée, faisant allusion aux tensions raciales persistantes en Amérique.
Il est donc clair que l'art continue de défier, d'interroger et d'inspirer le dialogue sur le racisme, illustrant ses impacts et plaidant pour une société plus juste. De plus, les médias artistiques n'offrent pas seulement un reflet des temps actuels, mais envisagent et proposent également la réalisation d'un avenir où l'égalité raciale et la justice sont atteintes. En fait, c'est certainement à travers l'univers créatif que nous pouvons mieux comprendre les réalités du racisme et la lutte continue contre celui-ci, faisant de la peinture, de la sculpture, etc., des alliés indispensables dans la poursuite de l'égalité.
MK RACISM AGAIN (2023)Peinture de Hector O'Kanin
AÇO NO PEITO / BALLE DANS LA POITRINE (2017)Collages de Tchago Martins
Quelques artistes Artmajeur contre le racisme
Concernant "Mk racism again" par Hector O'Kanin et "Aço no peito / bullet in the chest" par Tchago Martins, les deux semblent dénoncer le racisme, bien que par le biais d'expressions artistiques et de médias différents, reflétant des influences et des contextes uniques.
La première œuvre d'art, chargée de couleurs vives et de mots griffonnés, synthétise le style brut et spontané de l'œuvre de Basquiat, caractérisé par un figurativisme libre capable d'intégrer des formes, des couleurs et du texte pour construire une composition puissante et expressive. Suivant les traces de ce maître, Hector O'Kanin offre une réponse contemporaine aux problèmes persistants du racisme, tout comme l'a fait le peintre américain mentionné précédemment en son temps. Dans le cas de "Mk racism again", cependant, cette intention est rendue explicite par l'inclusion du mot "JUGE", répété sur la toile, faisant probablement référence à la fois au système judiciaire et au jugement social. Les autres gribouillis, symboles et sujets entre figuratif et abstrait peuvent représenter le chaos et la complexité des problèmes raciaux, destinés à continuer à suggérer une approche contemplative de la tourmente de l'injustice sociale.
La deuxième œuvre, le collage en noir et blanc de Tchago Martins, présente un traitement différent du même thème, représentant deux figures aux yeux obscurcis pour suggérer une cécité métaphorique ou un manque de reconnaissance forcé. La tonalité monochromatique, l'utilisation de photographies historiques et l'esthétique épurée créent une forte analogie visuelle symbolisant tous ceux qui sont réduits au silence et opprimés. La pièce est décrite comme une réponse aux diverses formes de discrimination, y compris la discrimination raciale, et est une incarnation des luttes auxquelles sont confrontées ceux qui vivent dans la tourmente sociale. Cela parle également de la résistance et de la résilience des communautés formant de nouveaux "quilombos", des lieux de refuge et de solidarité face à l'adversité. Tout cela peut être résumé par les mots poétiques cités par l'artiste : "Nos gens qui connaissent l'oppression, sous le poids du racisme, du chômage, des 'matraques, des chiens, des bombes', des prisons, témoignent de l'inefficacité des débats qui promettaient des horizons dans le passé. Notre comportement, notre poésie, notre prose, notre présent, sont nécessairement combattifs. L'acier dans la poitrine est une synthèse et un rapport de ceux qui vivent dans l'œil du cyclone. Les nouveaux quilombos émergent, créés avec l'art qui monte à la puissance neuf."
Olimpia Gaia Martinelli