Chefs-d'œuvre de couleurs primaires

Lorsque l'on parle d'œuvres d'art en rouge, les historiens de l'art, les amateurs et les étudiants les plus brillants se préparent à intervenir, levant la main, le stylo et tout ce qu'il faut, pour citer immédiatement des noms tels que Titien, Manet, Sargent, Kandinsky et Rothko, en référence à leurs "Portrait de Tommaso Inghirami" (1509), "Madame Monet en kimono japonais" (1876), "Dr. Pozzi à la maison" (1881), "Mit Und Gegen" (1929) et "No. 301" (1959). Si l'on demandait à ces experts de trouver des œuvres "moins connues", mais tout aussi dignes de représenter la couleur rouge, ils commenceraient probablement à discuter, débouchant sur une dispute au goût très subjectif. Dans le cas de la couleur de la passion par excellence, j'ai décidé, après avoir participé à cette bagarre, de parler d'un chef-d'œuvre très curieux, conçu comme une partie intégrante de l'ensemble de l'œuvre du roi incontesté du Pop art : Andy Warhol. Je parle de "Red Lenin" (1987), une sérigraphie faisant partie d'une série que le maître a réalisée avant sa mort sur la suggestion de son galeriste Bernd Klüser, qui a montré à Andy une photo de Lenin jeune, pour donner à l'art de Warhol, principalement axé sur la reproduction des icônes stéréotypées de la vie quotidienne américaine, une nouvelle direction avec des images de contre-tendance. Dans l'art contemporain, cependant, le rouge parle intensément dans le portrait en gros plan intitulé "Face à face", de Viktor Sheleg, peintre d'Artmajeur qui a utilisé cette chromie, aussi bien en arrière-plan que sur certaines parties du corps du modèle, en particulier les plus expressives et sensuelles des yeux et de la bouche. Ce qui vient d'être décrit diffère parfois des œuvres les plus connues qui utilisent le rouge, montrant souvent cette chromie seulement dans les vêtements des sujets représentés, les harmonisant ton sur ton avec l'arrière-plan que dans certaines occasions particulières, comme le célèbre "Dr. Pozzi à la maison" (1881). Ce dernier chef-d'œuvre de Sargent vise à exprimer toute l'admiration que le peintre éprouvait pour son modèle, un célèbre pionnier de la gynécologie, dont les pratiques ont promu la sécurité reproductive ainsi que la dignité des femmes. Pozzi, qui était aussi un esthète et un collectionneur d'art, a été représenté, bien que de manière informelle, comme un homme du monde ecclésiastique, adoptant une pose gracieuse et assez maniérée, qui rappelle les images des papes et des cardinaux des anciens maîtres. Quoi qu'il en soit, le tout est empreint d'une vive sensualité, due non seulement à la robe de chambre et aux rideaux de velours, mais aussi aux longues et élégantes mains du modèle, peut-être évocatrices de ses grandes compétences chirurgicales. Passons maintenant au bleu !

La couleur en question nous amène à répertorier à nouveau les chefs-d'œuvre les plus connus, puis à passer ensuite à d'autres moins célèbres, suivis d'un exemple contemporain. En ce qui concerne le bleu, nous pouvons facilement penser à : "Infanta Margarita Teresa in a Blue Dress" (1659) de Diego Velázquez, "The Old Guitarist" (1903) de Pablo Picasso, "La Nuit étoilée" (1889) de Vincent Van Gogh et "Blue Painting" (1924) de Vassily Kandinsky. Nous pourrions ajouter à cette liste populaire les moins fréquents "The Conversation" (1903-1912) de Matisse et "The Blue Landscape" (1949) de Chagall, des tableaux que j'ai souhaité associer en raison de leur sujet similaire, car ils représentent tous deux un homme et une femme dans une situation d'intimité. Commençons par le maître français, son chef-d'œuvre immortalise les figures centrales de l'artiste lui-même et de sa femme Amelie, réalisées de manière plutôt schématique et simplifiée. Tout cela est fait pour donner voix à un moment de la vie réelle de l'artiste, toujours prêt, comme il l'a lui-même révélé, à saisir "le sens le plus vrai et le plus profond qui se cache derrière elle", afin de lui donner une interprétation plus cohérente. Cette profondeur se reflète dans la prédominance de la couleur bleue, qui, en remplissant une grande partie du support pictural, détermine également la conception de l'espace, qui se prête à rendre l'émotion et la signification, ainsi que le froid. La même teinte occupe presque toute la surface de l'œuvre de Chagall, où un couple s'étreint étroitement, tandis que leurs regards restent éloignés. Parmi les deux, c'est certainement l'homme qui montre le plus d'implication, car il est surpris en train de caresser l'être aimé d'un geste romantique, couronné par la présence d'un bouquet de fleurs, le seul sujet de la peinture à échapper effectivement au bleu et au blanc prédominants. En conclusion, l'œuvre symboliste, dans les thèmes figuratifs qu'elle aborde, nous implique directement dans une histoire d'amour, dont le sentiment passe directement des yeux au cœur du spectateur. Enfin, pris par l'impulsion amoureuse, et donc sans même nous en être passionnément rendu compte, nous en arrivons au moment contemporain, où, une fois de plus, le bleu est associé à l'intimité de deux amants qui s'étreignent dans une étreinte galactique, prêts à prendre forme parmi les étoiles de l'univers. Je parle du sujet représenté dans la peinture de l'artiste d'Artmajeur Costantino Di Renzo, intitulée "Infinito – Paolo e Francesca", qui nous parle également de la façon dont la Divine Comédie de Dante a souvent été le sujet d'études historico-artistiques. Pour ceux qui ne le savent pas, l'histoire de Paolo Malatesta et Francesca da Rimini est consacrée en grande partie au cinquième chant de l'Enfer, où les deux jeunes amoureux, coupables d'être beaux-frères, ont été condamnés aux peines réservées aux luxurieux. Eh bien, ce même thème a été abordé par des maîtres tels qu'Amos Cassioli, Dante Gabriel Rossetti et Gaetano Previati, mais aussi par des peintres non italiens comme Ary Scheffer, Gustave Doré et Jean-Auguste-Dominique Ingres. Êtes-vous prêts pour le jaune ?

Je pourrais parler des Tournesols (1888-1889) de Van Gogh, du Baiser (1907-8) de Klimt, de La Maison jaune (1888) de Van Gogh et d'Impression III (Concert) (1911) de Vassily Kandinsky, mais le désir de vous surprendre avec la description de Mound of Butter (1875-1885) d'Antoine Vollon et de Cold Morning on the Range (1904) de Frederic Remington me dévore !!! En restant dans le thème de la faim, la faim d'art dans ce cas-ci, il n'y a rien de mieux que la nature morte inhabituelle à base de beurre du réaliste français Antoine Vollon, extrêmement connu précisément pour ce genre de peintures, grâce auquel, à son époque, il atteignit un véritable statut de célébrité. Le jaune en question se déploie, comme mentionné précédemment, à la surface d'un monticule de beurre moelleux, probable résultat du carotène typique des plantes fraîches que les vaches affamées consommaient à l'époque du maître. Le produit final était acheté directement au fermier, qui, après la traite, rassemblait la crème à travailler, ainsi que les grumeaux qui étaient manipulés pour éliminer l'humidité. Pour la conservation du beurre, le tableau parle de lui-même, montrant comment il était généralement conservé dans un linge de mousseline, dans un endroit frais. Dans ce contexte, l'aliment était prélevé à l'aide d'un couteau, puis étalé, par exemple, sur un morceau de pain, comme le suggèrent les stries qui se rapprochent de la présence d'une spatule en bois spéciale, destinée à façonner la surface du produit alimentaire en usage. Nous voici maintenant arrivés à "Cold Morning on the Range" (1904) de Frederic Remington, une peinture qui représente un cow-boy prêt à dompter un étalon sauvage, tandis que, à l'arrière-plan, d'autres hommes à cheval s'occupent du bétail sous le regard des montagnes, qui apparaissent au loin. Toute cette scène est dominée par la couleur jaune, dont la présence se manifeste dans la nature aride du sol, probablement situé à Goodnight-Loving Trail, le célèbre itinéraire utilisé pour les transferts à grande échelle du bétail Texas Longhorn à la fin des années 1860. En montrant cet endroit, l'artiste voulait évoquer, par le biais des tons prédominants de jaune, des thèmes relatifs à l'autosuffisance, ainsi qu'à la domination de l'homme sur la nature. Une fois de plus, nous en arrivons à la contemporanéité, cette fois en nous appuyant sur le talent de l'artiste d'Artmajeur Stefano Galli, qui, dans son tableau intitulé "Pleurs d'un serveur dans un coin du jardin d'un hôtel", nous emmène dans un cadre extérieur domestique riche en nuances allant du jaune à l'orange. En fait, tout le tableau présente ces nuances, tout comme cela s'est produit il y a 116 ans, dans le quartier où est née la Maison jaune mentionnée précédemment de Van Gogh. Cependant, en dehors de la description de ce dernier chef-d'œuvre, étroitement lié à la biographie du maître en question, nous pouvons tracer un récit parallèle, car, même l'œuvre de Stefano parle de sa propre vie, en particulier d'un événement amusant qui l'a agréablement marqué. Le peintre, en bon Italien, est convaincu de détenir le jugement suprême pour évaluer toute la cuisine mondiale, si bien que, lorsqu'il est arrivé en Roumanie, il a méprisé les plats d'un restaurant. Le serveur du lieu, comme le montre magnifiquement la peinture, aurait dû prendre la critique de Galli au sérieux, et donc dramatiquement, en éclatant en larmes, car c'est seulement en Italie que réside l'autorité suprême en matière de nourriture... Je tiens à préciser que ce dernier passage, écrit avec le plus grand respect pour ceux qui sont en faveur ou opposés à la suprématie de l'Italie en matière culinaire, nous conduit à la fin de l'histoire concernant le rouge, le jaune et le bleu.