Artistes toscans : d'Andrea del Sarto au contemporain

Vava Venezia, Vénus au pays des bonbons, 2020. Art numérique, photomontage sur aluminium, 45 x 75 cm.

Florence du XVIe siècle : Andrea del Sarto, Pontormo et Rosso Fiorentino

Imaginez-vous en train de vous promener dans la Florence (Toscane) des années 1500, en ayant la chance d'observer de près la construction récente et laborieuse du Duomo, et le baptistère adjacent plus ancien, mais aussi les bâtiments emblématiques, également situés dans le centre historique actuel, de l'église de Santa Maria Novella, de la Loggia dei Lanzi, du Palazzo Vecchio, etc. Maintenant que vous êtes dans le berceau de la Renaissance, vous pouvez penser que c'est dans ces mêmes lieux, presque inchangés à l'époque moderne, que les plus grands artistes de l'histoire de l'art ont vécu et travaillé, dont un maître et deux de ses élèves : Andrea del Sarto, Pontormo et Rosso Fiorentino. Je pense qu'il n'y a pas de meilleure façon de présenter ces trois grands génies de la création, tout en soulignant les différences dans leur façon de travailler, que de décrire certains de leurs chefs-d'œuvre les plus célèbres, nés et conçus dans la célèbre région de Toscane susmentionnée. En ce qui concerne Andrea del Sarto, l'artiste florentin né en 1486, défini par Giorgio Vasari comme un peintre "sans erreurs", est officiellement reconnu par la critique comme le maître de la première génération d'"excentriques", c'est-à-dire de ces élèves-pionniers du maniérisme pictural, comme Pontormo et Rosso Fiorentino, qui aspiraient à un modèle d'art parfait, capable de surpasser la beauté de la nature d'une manière totalement anticonformiste, "expressionniste", flagrante et orientée vers la perspective. Pour en revenir à Andrea del Sarto, celui-ci, à la différence des deux autres cités, n'a pas utilisé l'absence de scrupules dans son art, afin de "reproposer" un répertoire traditionnel de manière gracieuse, à l'intérieur duquel prennent forme des compositions dans lesquelles sont soulignées la monumentalité des figures, la variation des couleurs et de la technique, et l'utilisation des repères les plus modernes disponibles. Ces caractéristiques stylistiques sont incarnées dans l'un des chefs-d'œuvre les plus célèbres du maître, La Madone aux harpies, une œuvre de 1518 conservée à la Galerie des Offices de Florence, dans laquelle la Vierge debout sur un socle avec l'Enfant Jésus dans les bras est représentée au centre du panneau. Dans ce contexte, les jambes de la Madone sont soutenues par deux anges aux plumes colorées qui, à leurs côtés, tiennent les figures des saints Jean l'Évangéliste et François, représentés d'une manière proche de leur iconographie plus traditionnelle. La Madone des Harpies, qui tire son appellation précisément des susdites figures mythologiques sculptées sur la base, identifiées par Giorgio Vasari, pourrait également changer de nom, puisque, les critiques d'aujourd'hui reconnaissent dans les monstres susmentionnés la représentation la plus probable des sauterelles, que, précisément Jean, immortalisé aux côtés de la Vierge avec un livre, décrit dans l'Apocalypse. En effet, dans le neuvième chapitre même de l'Apocalypse, il annonce l'avènement de ces êtres monstrueux, décrits comme des personnages à tête de femme et au ventre semblable à une cuirasse de fer, capables d'apporter le tourment à tous les êtres humains qui n'ont pas le sceau de Dieu sur le front (tau). Dans ce contexte, il serait également justifié de représenter saint François, l'ange du sixième sceau, qui, dans la prophétie de Jean, porterait avec lui le tau pour marquer le visage des élus.

Andrea del Sarto, Madone des Harpies, 1517. Huile sur panneau, 207 x 178. Florence : Uffizi.

Pontormo, Transport du Christ mort, 1526-28. Détrempe à l'œuf sur panneau, 313 x 192 cm. Florence : église de Santa Felicita.

Rosso Fiorentino, Déposition de Volterra, 1521. Huile sur panneau, 375 x 186 cm. Volterra : Pinacoteca et musée civique.

Laissant de côté le contexte "apocalyptique", poursuivons notre histoire, concernant les trois talents florentins, en parlant de Pontormo, un artiste né dans un quartier de l'actuelle Empoli (Florence) en 1494, d'où il se rendit dans la capitale toscane pour fréquenter les ateliers de Piero di Cosimo, Andrea del Sarto, Mariotto Albertinelli et Fra Bartolomeo, ainsi que pour établir des contacts sporadiques avec Léonard de Vinci. Dans ce riche environnement créatif, il est reconnu, même par de grands artistes comme Raphaël et Michel-Ange, comme une sorte d'enfant prodige de la peinture, une caractéristique qui le conduira à s'aventurer dans des expériences et des innovations qui, à son époque, n'étaient pas souvent comprises, à tel point que Vasari jugeait son œuvre quelque peu bizarre, immodérée et excessive. Ce point de vue est aujourd'hui largement dépassé par la critique, qui reconnaît dans le maître susmentionné un artiste talentueux capable de concevoir un style de peinture propre, anti-traditionnel et anti-classique, que l'on retrouve dans des œuvres telles que la Déposition (vers 1526-1528), où ses traits stylistiques distinctifs donnent une interprétation particulière à un sujet largement étudié par les artistes de tous les temps. En réalité, le titre le plus approprié pour le chef-d'œuvre de 1526 environ serait Le transport du Christ, car, de manière assez originale, l'œuvre ne représente pas de croix, mais fait plutôt allusion à la fois à l'épisode où le corps mort de Jésus est transporté au tombeau et à celui où il est pleuré. De même, une œuvre antérieure de Raphaël, la Déposition Borghèse de 1507, avait également combiné des thèmes liés à ces deux derniers épisodes dans sa composition. Pour en revenir à la description du chef-d'œuvre toscan, conservé dans la chapelle Capponi de l'église de Santa Felicita (Florence), il représente deux jeunes hommes décidés à soutenir le corps de Jésus, tandis que la Vierge, qui observe la scène, est secourue par les femmes présentes. Cette composition, qui comprend également les figures de Nicodème et de saint Jean, a été conçue comme une représentation spectaculaire, riche en réactions émotionnelles, qui, traduite par des effets visuels raffinés et élégants, peut être considérée comme un manifeste stylistique hautement visionnaire. Quelques années plus tôt, en revanche, on trouve la Déposition de Rosso Fiorentino, une huile sur panneau datée de 1521 et conservée à la Pinacothèque de Volterra (Toscane), un tableau dans lequel le Christ est déposé d'une croix à la structure massive, capable de créer, avec l'escalier en bois une puissante machine scénique, à l'intérieur de laquelle sont insérés aussi bien les personnages chargés de déposer le corps sans vie, parmi lesquels on reconnaît Nicodème et Joseph d'Arimathie, que la Vierge soutenue par deux femmes, la Madeleine agenouillée, le garçon qui tient l'échelle et l'apôtre Jean en larmes. L'aspect novateur de l'œuvre réside dans plusieurs facteurs : tout d'abord, Rosso a peint un moment de l'histoire du Christ qui avait été peu représenté jusqu'alors, à savoir le moment précis où, immédiatement après le retrait de son corps de la croix, il est descendu grâce au soutien incertain des mains et des bras des hommes, un détail instable destiné à générer une forte tension et suspension dans le tableau. Deuxièmement, la scène, qui se déroule dans le crépuscule décrit dans le récit de Matthieu (27, 45 ; 57), est caractérisée par une explosion émotionnelle littérale, conférée par le contraste entre la disposition statique de la croix et de l'échelle et le dynamisme des hommes sur la croix, qui se répète, plus bas, dans le mouvement moins problématique de la Madeleine. Enfin, si l'on compare rapidement Pontormo et Rosso, la caractéristique qui rend l'œuvre du premier dramatique est l'absence d'espace perspectif, une particularité destinée à donner aux personnages un grand sentiment d'instabilité, qui se transforme en insécurité et en angoisse, tandis que le désarroi du chef-d'œuvre du second est principalement dû à la volumétrie angulaire des corps " déformés " en mouvement, ainsi qu'à la prédominance des teintes rouges. Enfin, dans ce contexte, il convient de souligner combien ce récit ne représente qu'une petite partie de l'immense histoire de l'art toscan, une région qui a été la patrie de grands maîtres comme Giotto, Michel-Ange, Léonard de Vinci, Cimabue, Piero della Francesca, Amedeo Modigliani, etc., ainsi que le berceau de talents contemporains comme, par exemple, Karim Carella, Francioni Mastromarino et Simone Parri, des artistes originaux et novateurs.

Andrea Pisano, Cardinal #01, 2020. Art numérique, peinture numérique / photomontage / œuvre numérique 2D sur papier, 100 x 70 cm.

Paolo Rizzi, Deviless I, 2021. Huile sur carton, 106 x 65 cm.

Karim Carella, Cyprès au lever du soleil, 2017. Photographie numérique sur papier, 80 x 80 cm. 

Karim Carella : Cyprès au lever du soleil

Si le paysage toscan, terre d'accueil des artistes et des poètes par excellence, pouvait se décrire par un seul mot, il choisirait certainement le Cyprès ! En effet, la plupart des cartes postales de la Toscane encore en circulation aujourd'hui ont immortalisé les paysages du Val d'Orcia, caractérisés par la présence de l'arbre susmentionné qui, disposé en rangées sur des crêtes, présente ces caractéristiques typiques de colonne avec un port étroit, également caractéristiques de la photographie de Carella. Néanmoins, il convient de noter que le cyprès est en fait originaire du bassin méditerranéen oriental, une région d'où il a été importé en Italie par les Phéniciens, les Grecs et les Étrusques. En fait, sa présence ancienne sur la terre toscane est également visible dans les chefs-d'œuvre classiques de l'histoire de l'art, parmi lesquels se distinguent certainement les œuvres de Beato Angelico, Paolo Uccello et Léonard de Vinci. En ce qui concerne ce dernier grand maître, il est impossible de ne pas faire référence à l'Annonciation de 1472, un tableau conservé à la Galerie des Offices où, devant un palais Renaissance au jardin luxuriant, l'archange Gabriel s'agenouille devant la Vierge, la salue en lui tendant un lys, symbole de pureté. Cette même vision, située dans le lieu naturaliste susmentionné, est entourée par le profil de quatre grands cyprès qui, dans la lumière du crépuscule, alternent avec d'autres plantes riches et florissantes. Par conséquent, la photographie du Toscan Carella acquiert d'autres significations, visant à l'inscrire dans une grande histoire et une tradition artistique en constante évolution.

Francioni Mastromarino, Leonardo da Vinci, 2021. Sculpture en terre cuite et autre substrat, 40 x 35 x 32 cm / 15,00 kg.

Francioni Mastromarino : Leonardo da Vinci

Nous pourrions simplement interpréter la sculpture de Leonardo da Vinci par une phrase/slogan : un Toscan rendant hommage à un autre Toscan et l'interprétant ! En effet, la Florentine Eleonora Francioni, qui constitue avec Antonio Mastromarino le duo artistique Francioni Mastromarino, actuellement actif à Pietrasanta (Toscane), a créé, par le biais de l'association susmentionnée, une œuvre d'art probablement destinée à célébrer Léonard de Vinci, le génie incontesté du monde de l'art de tous les temps, né à Vinci (Toscane) en 1452. En particulier, la sculpture de Francioni Mastromarino semble s'inspirer de l'Autoportrait, que l'artiste toscan a exécuté en 1517, aujourd'hui conservé à la Bibliothèque royale de Turin. Ce dessin à la sanguine sur papier représente le maître dans les dernières années de sa vie, une période où, alors âgé, avec une longue et épaisse barbe et un regard renfrogné, il passait le crépuscule de son existence en France, où il avait été appelé au service de François Ier. La représentation susmentionnée est considérée non seulement comme une icône de l'histoire de l'art, mais aussi comme le seul véritable portrait de l'artiste auquel nous nous référons encore aujourd'hui lorsque nous essayons d'imaginer les traits du génie italien. Néanmoins, de nombreux spécialistes pensent que Léonard n'est pas l'homme à la sanguine, car les barbes et les cheveux longs n'étaient pas à la mode à l'époque où le dessin a été réalisé. En outre, le maître, à l'âge de 63 ans, période à laquelle l'œuvre date, a été frappé par une maladie qui a réduit sa capacité à articuler sa main droite, ce qui ne lui aurait pas permis de réaliser les détails de l'autoportrait. Malgré ces doutes sur la datation et l'identité du sitter, une certitude demeure : l'immortalité de l'œuvre de Léonard se perpétue dans le travail du duo Artmajeur.

Simone Parri, Pourquoi différent ?, 2016. Sculpture en bois et plastique, 107 x 76 x 5 cm / 2,00 kg.

Simone Parri : Pourquoi différent ?

À travers l'œuvre de Simone Parri, nous revenons une fois de plus à Florence, la ville où l'artiste travaille, inspirée toutefois par un contexte parfois résolument plus international, à tel point que son Pourquoi différent ?, qui vise probablement à promouvoir l'acceptation des différences, fait peut-être écho à l'œuvre de Július Koller (1939-2007), l'un des plus importants artistes d'Europe de l'Est actifs depuis les années 1960. La sculpture de l'artiste d'Artmajeur peut notamment être comparée à Question Mark b., une œuvre de 1969 réalisée à partir d'un plateau en bois muni de deux poignées ornées, que Koller a recouvert de peinture blanche et sur lequel il a ensuite gravé un grand point d'interrogation. Cet objet, décrit par le Slovaque lui-même comme une "anti-peinture". symbolise le contexte socio-politique incertain de la Tchécoslovaquie de l'époque, le pays où Koller a vécu et travaillé. En effet, dans ce dernier lieu, la situation politique est devenue plus répressive après 1968, au point que la production artistique d'avant-garde est devenue principalement une activité privée. Néanmoins, Koller a rejeté l'art académique plus traditionnel, choisissant de suivre les mouvements plus "subversifs", tels que Dada, le Nouveau Réalisme, l'Internationale Situationniste et Fluxus. Enfin, il convient de noter que, même dans les œuvres du groupe conceptuel "U.F.O", cet artiste a utilisé le point d'interrogation pour échapper à la situation politique difficile en se réfugiant dans des réalités parallèles, telles que des formes de vie extraterrestres.