Fernando Lucio

Em 1888, o arquiteto Herculano Ramos já havia tentado fundar em Recife uma Escola de Belas Artes, porém não conseguiu alcançar os objetivos devido a falta de elementos persuasivos junto ao Império. O pintor Telles Júnior sonhava em criar uma Escola de Belas Artes no Recife, com o ensino similar ao da Escola Nacional de Belas Artes. Seus ex-alunos Mário Nunes e Álvaro Amorim, juntamente com Balthazar da Câmara decidem criar um atelier de pintura, mas não abandonam a idéia do mestre. Na década de vinte, o escultor Bibiano Silva, o arquiteto Jayme de Oliveria e o pintor Balthazar da Câmara, insistiam na idéia de Telles Júnior, de criar uma Instituição Educativa voltada para as Artes em Recife, estes visualizando as possibilidades legais que surgiam com a “Revolução de 1930” e as aberturas culturais que já ocorriam por volta de 1922 e as novas propostas educacionais que estavam a acontecer no país, procuraram os pintores Mário Nunes e Álvaro Amorim, para discutirem a criação de uma Escola de Belas Artes em Pernambuco.

Tornou-se uma constante as reuniões no atelier de Mário Nunes para se discutir a idéia revolucionária para as artes em Recife. Posteriormente já participam das reuniões, os pintores Murillo La Greca e Heinrich Moser, o professor João Alfredo, os bacharéis em direito Barreto Campelo e Luiz Cedro, conhecedores dos procedimentos legais na estrutura educacional. Em 1931 já lia-se nas colunas do jornalista Mário Melo, citações de apoio à importante Escola, colocando-a como um marco histórico cultural a ser concretizado por artistas e professores conceituados de Recife.

O Decreto-lei n° 20.351, de 31 de agosto de 1931, cria a Caixa de Subvenção para auxílio ao ensino técnico, abrindo caminhos para a melhoria da educação no país, deixando assim um maior ânimo para a oficialização do sonhado projeto da Escola. Sem perder tempo e mantendo a constância nos objetivos, no dia 29 de março de 1932, no Atelier de Mário Nunes, situado no segundo andar da Rua Joaquim Távora, 105, em Recife, reuniram-se os artistas e professores, Bibiano Silva, Álvaro Amorim, Balthazar da Câmara, Murillo La Greca, Henrique Elliot, Emílio Franzoni, Heinrich Moser, Mário Nunes, Luiz Matheus, Jayme de Oliveira e Georges Munier, para realizar a assembléia de Fundação da Escola de Belas Artes, elegendo-se como seu primeiro diretor, o escultor Bibiano Silva. Ficando decidido que a referida escola deveria seguir inicialmente os parâmetros da Escola Nacional de Belas Artes. Para que se mantivesse a continuidade no processo de oficialização foi criado um grupo que se chamou de “Comitê Pró-Escola de Belas Artes de Pernambuco”.

No dia 01 de junho daquele ano, conseguiu-se realizar um contrato de aluguel da casa conhecida como “Solar dos Amorim” na Rua Benfica, 150, no Bairro da Madalena, em nome de Bibiano Silva, Murillo La Greca, Luiz Matheus Ferreira e Jayme de Oliveira. Inicia-se então a montagem da Escola com seus espaços físicos, busca de doações de moveis e objetos didáticos, poderíamos citar também, os bustos de gesso emprestados pela “Loja Maçônica Conciliação”. No dia 15 de julho, foi oficializado publicamente a fundação da Escola de Belas Artes de Pernambuco. Segundo o Jornal Pequeno do dia 22 de agosto de 1932, Adalberto Marroquim foi escolhido pela congregação como orador do evento, realizando o discurso oficial de fundação.

Após o acontecimento por volta de 1934, o diretor Bibiano Silva viajou ao Rio de Janeiro para tentar junto ao Ministério de Educação o reconhecimento dos cursos da Escola de Belas Artes, voltando ao Recife depois de vários meses. Só em 9 de janeiro de 1937, o Ministério de Educação realizou a inspeção na Escola, mas tardou muito a se pronunciar, causando aflição ao seu então diretor, o professor Joel Galvão, o mesmo tenta se comunicar com o Ministério mais uma vez, descobrindo que a divisão de ensino superior estacionou o processo. O encarregado de fazer os contatos, com o Ministério, o secretario da escola, jornalista Rubens Gomes, busca apoio do diretor da Escola Nacional de Belas Artes, que tenta orientar o processo. Em 16 de março se completam os documentos que faltavam para a avaliação do Conselho Nacional de Educação, a Escola já estava ficando conhecida nacionalmente através da Imprensa e das Instituições, mas a burocracia Federal tornava a sua regulamentação muito demorada. Em 5 de outubro retorna ao Recife mais uma vez o secretario Rubens Gomes, com doações de objetos didáticos e promessas de doações de quadros para a “pinacoteca” que havia-se criado na Escola de Belas Artes, e nesta mesma época a comissão de inspeção do Ministério de Educação retorna ao Recife para uma nova vistoria a qual resultou num parecer favorável. No dia 2 de janeiro de 1939 é dada a entrada ao Relatório de Inspeção no Conselho Nacional de Educação. A Sociedade Brasileira de Belas Artes apóia a batalha da Escola Pernambucana e muitos artistas como, Oswaldo Texeira, Rodolpho Amoêdo, Eliseu Visconti, Cândido Portinari, Modesto Kanto, Correia Lima e outros defendem a nossa causa. A Escola funcionava normalmente enquanto a luta burocrática permanecia, foram intentos ininterruptos para o reconhecimento legal da Escola, que ainda não tinha sede própria.

O escritor Gilberto Freire, também se prontifica a interceder pela Escola junto ao Ministro Gustavo Capanema, o processo é despachado e é observado pelo poeta Olegário Mariano, pois este se prontifica a acompanhá-lo até o presidente. Em agosto de 1943 o então diretor da Escola de Belas Artes o engenheiro Pelópidas Silveira, solicita uma nova inspeção do Ministério de Educação para a sua equiparação. Em principio de 1944 o interventor federal, Manoel Leão, encaminha ao Conselho Administrativo o decreto sobre a doação da escritura da casa onde funcionava a Escola, na Rua Benfica 150. Em 06 de abril de deste ano (1944), fica o referido prédio pertencendo definitivamente à Escola de Belas Artes de Pernambuco. No dia 14 de janeiro, ficam reconhecidos oficialmente os cursos de Pintura, Escultura e Arquitetura, conforme Decreto Federal. No dia 15 de dezembro, professores e alunos comemoram o reconhecimento da Escola de Belas Artes de Pernambuco, o que representou o grande triunfo dos seus fundadores, que lutaram durante 12 anos.

No dia 20 de maio de 1946 é, assinada no Palácio do Catete, o decreto de criação da Universidade de Pernambuco, pelo presidente da República, na pasta da Educação e o professor Joaquim Amazonas foi designado Reitor. Em 20 de junho deste ano a Escola de Belas Artes de Pernambuco foi incorporada à Universidade do Recife, que passou à federalização em 4 de dezembro de 1950.

Sem o sonho, sem o desejo de realização, sem o ímpeto e a dedicação dos mestres Bibiano Silva, Mário Nunes, Balthazar da Câmara, Jayme de Oliveira, Álvaro Amorim, Murillo La Greca, Heinrich Moser, Emilio Franzoni, Giácomo Palumbro, George Munier, Gervarsio Fioravanti, Afonso Marroquim, Abelardo Gama e outros, não teria existido a Escola de Belas Artes de Pernambuco e nem a própria Universidade Federal de Pernambuco teria sido oficializada em 1950, visto que, a área de Ciências Humanas não teria sido preenchida segundo as normas do Ministério de Educação. A partir da década de 50, a Escola teve uma intensa atividade, formando muitos artistas conceituados no Brasil e no Exterior. Apesar dela ter sido fundada após os movimentos de arte moderna no Brasil e dela haver surgido muitos artistas da vanguarda brasileira, houve um período de distorções da sua imagem, muitas vezes geradas por ex-alunos que não se adaptaram a metodologia usada, por antipatias de grupos de artistas não pertencentes à Escola e ainda pela participação da Escola em julgamentos de Salões de Artes do Estado. Independentes destes fatos, a arte moderna fez parte naturalmente da Escola de Belas Artes de Pernambuco, pois a maioria dos seus mestres eram artistas modernos. Muitos artistas e professores passaram pela Escola, muitos nomes que não foram citados anteriormente e que representam a arte Pernambucana, entre eles temos, Fédora Monteiro, Aurora de Lima, Severi, Henrich Elliot, Edson de Fiqueiredo, Mário Túlio, Carlos Amorim, Avelino Pereira, Vicente do Rêgo Monteiro, Lula Cardoso Ayres, Francisco Brennand, Inaldo Medeiros, Reynaldo Fonseca, Queralt Prat, Laerti Baldini, Augusto Reinaldo, Elezier Xavier, Aloísio Magalhães, Lenira Regueira, Ariano Suassuna, César Leal, Pierre Chalita, Abelardo da Hora, Roberto Correia, Romero Glasner, Arlinda, Jaques Weyne, Milton Santos, Bernardo Dimenstein, Marcílio Reinaux, Francisco Villa Chan, Paulo Neves, Thereza Costa Rêgo, Montez Magno, Lúcia Helena, Fernando Lúcio, Ivênio Pires, Jõao Câmara, Gil Vicente, Marisa Lacerda, Roberto Lúcio, Flávio Gadelha, Fernando Guerra, Wandeckson Wanderley, Suely Cisneiros, Marcelo Bezerra, etc.

O fechamento do prédio da Escola de Belas Artes de Pernambuco, para a transferência dos cursos para o Centro de Artes e Comunicação por volta de 1978, gerou muitos desentendimentos, onde vários alunos e professores protestaram contra a instalação construída no Centro de Artes e Comunicação, para as artes plásticas, pois num espaço que ocupava quase 60% na antiga Escola passaria então a apenas 10%, neste Centro. Como resultado dos protestos e reclamações, ficou decidido a criação, do “Espaço-Atelier Benfica” em 1979, sendo inaugurado em 1980 pelos professores: Laerti Baldini, Fernando Lúcio, Aurora de Lima e Suely Muniz, tendo como coordenador o professor Isidro Queralt Prat. Por outro lado, a desativação do Bacharelado em Belas Artes, também deixou uma insatisfação muito grande, pois não foi reativado até hoje. Ao contrário do que haviam projetado os criadores da Escola de Belas Artes de Pernambuco, os Cursos que substituíram os da antiga Escola foram, a Licenciatura em Desenho e Plástica e a Licenciatura em Artes Plásticas, cursos que foram idealizados pela ditadura militar do Brasil, por indivíduos que se julgavam profundos conhecedores do Ensino da Arte, eram elementos conduzidos por idéias reacionárias na Educação do País.

A destruição, do grande sonho dos mestres da arte de Pernambuco, não foi um ato apenas, conseqüente de mudanças sociais e políticas do país, foi um ato publicamente criminoso, de falta de responsabilidade, impulsionado por tendências, repugnantes, influenciadas por ideologias estéticas sem base sólida, que na época já prenunciava a decadência do ensino das artes no país. O reflexo dos plagiadores de modelos americanos e vários outros tipos, impostos na educação brasileira, por preguiça de se desenvolver métodos ideais para a estrutura intelectual brasileira, trouxe a conseqüência que já está sendo vista, nas próprias Universidades do país, e em nosso caso, nos cursos dirigidos para as Artes. Após a abertura política no país, também foi escancarada a porta das Instituições Educacionais, para deixar entrar, padrões que não foram experimentados no Brasil. Atualmente, o Ensino da Arte nas Universidades, abre espaço para qualquer tipo de ideologias, sem princípios didáticos maduros. Muitas instituições brasileiras de ensino, aceitam por uma determinada ética sombria, professores sem formação específica para as artes, que chegam até, a levar em consideração como valores de conteúdos didáticos, os movimentos partidários da arte e as tendências aleatórias da moda artística mundial, padrões de bienais, festivais de vanguarda, etc. Desprezando totalmente, a verdadeira missão do professor de arte, que é: “ensinar técnicas e métodos de desenvolvimento artístico, desenvolver a capacidade criativa do aluno e estimular a sua personalidade artística, ajudando-o na evolução de sua própria identidade intelectual”.

Em outubro de 1988, artistas e professores da UFPE, da Associação dos Artistas Plásticos Profissionais de Pernambuco, do Sindicato dos Artistas Plásticos Profissionais de Pernambuco, do Grupo de Artistas Plásticos Pesquisadores de Pernambuco (GAPP), de várias entidades Culturais e pessoas ligadas às artes em geral, realizam um movimento para reabrir o antigo edifício da Escola de Belas Artes de Pernambuco, mas os órgãos oficiais não foram sensíveis à importante solicitação, pois ainda havia “devotos da ditadura” dentro da Universidade Federal de Pernambuco. Claro que, a história da Escola de Belas Artes de Pernambuco apresenta tantos fatos importantes, que até nem caberia neste pequeno relato, mas vale à pena conhecer a verdadeira história da Arte de Pernambuco, que muitas vezes foi camuflada e nunca foi mostrada.

Devemos uma grande homenagem a todos que desta Escola participaram, pela sua significância através dos tempos. Mestres como, Bibiano Silva, com grandes obras em todo o Brasil, Murillo La Greca, um dos maiores muralistas do Brasil e, que mostrou ainda vivo, como queria o seu Museu, Mario Nunes, com seu amor eterno à natureza e à luz, Balthazar da Câmara, um pintor do social e da historia de Pernambuco e muitos outros, deveriam ter o seu lugar de destaque na historia deste Estado; homens de garra e vontade, que deixaram a suas ambições abrirem espaços para a fundação de uma das Escola de Belas Artes mais importantes do Brasil.


ALGUMAS REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS:

Atas da Escola de Belas Artes de Pernambuco, Arquivo UFPE
CÂMARA, Aurora Christina Dornellas. A Escola de Belas Artes de Pernambuco: contribuição para a cultura pernambucana. Recife, 1984.
Catálogo da Exposição: Acervo -Escola de Belas Artes de Pernambuco
Diário de Pernambuco, Arquivo Público
Jornal do Commercio, Arquivo Público
Jornal Pequeno, Arquivo Público
Marques, Norma de Oliveira: Escola de Bellas Artes de Pernambuco: aspectos de estudo histórico.UFPE
Revista da Escola de Belas Artes de Pernambuco, Arquivo UFPE

Artigo escrito por: Fernando Lucio, PhD em Arte e Criatividade
Recife, 17 de janeiro de 2007

Na história da evolução da humanidade, sempre existiu uma constante convivência com as artes, das mais rudes as mais sofisticadas civilizações, as artes aparecem na vida dos indivíduos. É nas artes plásticas, onde se consegue ter a maior quantidade de informações sobre as mais antigas culturas, tanto no desenho, como na escrita manual, nas gravuras ou nas esculturas, estão as maiores quantidades de informações culturais dos povos. Nas civilizações, egípcia, persa, fenícia, grega, romana, indiana, tibetana, chinesa, coreana, japonesa, africana, asteca, maia, inca e celta ficaram claros os processos artísticos utilizados pelas antigas sociedades humanas.

Todos os povos antigos fizeram “Arte’, por ser algo de necessidade de sua sobrevivência física e intelectual. Como um ato que estabiliza a estrutura social e a identidade cultural dos indivíduos. Em todas as civilizações existiram os autores e os cultivadores da arte, o que mostra, que o processo, “criador, criação e percepção”, sempre foi universal, e atravessa o tempo, e o espaço. Em todas as culturas, são observados modos de elaboração artística, desenvolvidos pelos artistas, gerando estilos, que apresentam aspectos individuais e coletivos. Os aspectos individuais são gerados pela ação do organismo físico-mental dos artistas e os aspectos coletivos são referencias iconográficas que influenciam os artistas através do contato visual ou através de uma afinidade do mesmo, pelo modo de elaboração de outro artista. A história da criação artística não pode negar a disponibilidade da sensibilidade humana a um referencial icônico do meio (necessidade de arte), pois o ser humano é naturalmente um consumidor de imagens. Sigmund Freud, faz uma relação entre o prazer estético e a libido sexual, como um estimulador primitivo da visão estética, demonstra que a sensibilidade estética é intrínseca ao ser humano, algo que nasceu com ele. Independente das idéias psicológicas, o que é notável, é que, o individuo, quando ainda jovem, tem afinidade com determinadas linguagens artísticas encontradas em seu meio, sejam estas sonoras, corporais ou plásticas, revelando uma pré-disposição sensorial, que o leva a formação de uma identidade intelectual.

A evolução estética no individuo, é idêntica em qualquer época e em qualquer civilização, pois se confrontarmos os desenhos infantis, de crianças do Japão, da África, da Austrália ou da França, observaremos que estas expressam os mesmos sinais arquetípicos, e só passam a apresentar as codificações padronizadas, após o amplo contato com o seu meio social. Daí, podermos concordar, que uma criança egípcia entre 3 e 4 anos de idade, nascida há 5 mil anos antes de cristo, desenhava um rosto com as mesmas características arquetípicas, que desenharia uma criança inglesa hoje, 7 mil anos depois. Este fato, demonstra que a mente, em seu estado sutil inicial, é atemporal e universal, apresenta uma disponibilidade orgânica e não reflete tanto “o processo evolucionista”. Por outro lado, se existir interferências externas no seu estado sensível e espontâneo, ela se comportará mais coletivamente, e aí, já se pode ver alguns sinais de padronização grupal, diminuindo o grau de individualidade na sua expressão gráfica.


Nas artes plásticas, os sinais da personalidade do artista, aumentam ou diminuem de acordo com a influencia de códigos coletivos. Atualmente, vemos que uma “prática mutante” coletiva, está impregnando o comportamento dos artistas, e mais intensamente o comportamento dos artistas das artes da “mais recente vanguarda”. Nota-se também, que as obras de arte, principalmente, as ocidentais ficam presas a certos padrões mutantes e monopolizadores, o que queremos dizer, é que: a arte contemporânea é adotada por alguns, como uma arte que sofre mudanças constantes, que se obriga a ser coletiva, que não tem relação com o passado e mais ainda, afasta a personalidade do autor, e segue uma “regra global de expressão”, que está sempre prestes a mudar. Esta arte de hoje, já vista por muitos, como “caçadora de novos conceitos” ou “charadas visuais”, não demonstra percentuais claros da individualidade do criador, é transformada em atos puramente momentâneos, que são geralmente copiados de “tais padrões em moda”, estimulam um comportamento como os das abelhas e das formigas, repetitivos e submissos aos dogmas das colméias e formigueiros ou seja, dos monopólios intelectuais.


E a Beleza? Seria um comportamento ultrapassado, dos gregos e dos romanos? Sim, se apenas fossemos contar o tempo em que foram produzidas, pela evolução dos dogmas e as mutações espontâneas das idéias humanas. Porém, gregos e romanos, sempre foram referencias para o mundo ocidental, os europeus e suas colônias. E o resto? As civilizações orientais? E as nativas, que não sofreram interferências da evolução ocidental em sua base cultural? Desapareceram? Ou os ocidentais sempre quiseram dominar o mundo da arte? A “Beleza” no resto do mundo, nunca foi presa a evolução ocidental (diga-se: a européia e suas colônias), e a grande parte dos registros culturais da pré-história, não foi nem sequer encontrada na Europa. Estes povos não ficaram condicionados aos dogmas estéticos ocidentais. Somente agora, há alguns anos, com a chegada da globalização dos sistemas de comunicação via Internet, é que começamos a ver, as padronizações estéticas chegando ao resto do mundo. Que imensa falta de liberdade, irão ter os povos não ocidentais daqui pra frente!

Na Índia, no Paquistão, na China, na Rússia, na Coréia, e tantos outros paises, os artistas não estão regidos pela paranóia do regime mutante da “Arte Contemporânea”, que impõe a “moda estética”, como norma inseparável da criação de idéias artísticas do momento atual. Estes valores, ainda não contaminaram muitas culturas orientais, porque a arte para elas, tem um parâmetro mental e espiritual, é atemporal e necessário ao ritmo da própria vida. É na arte, que muitas destas culturas, desenvolvem os seus símbolos religiosos, seus cânones comportamentais, da vida diária e não há sentido para eles usarem a arte como negação da harmonia, pois a arte, a filosofia e a religião dançam a mesma música na sua natureza, regidas pelas forças universais. Desta forma, torna-se patético, querer impor padrões de conceitos de “arte contemporânea ocidental”, a muitas culturas antigas do mundo.


O que está acontecendo na arte do momento contemporâneo, é que a liberdade ficou comprometida, o padrão imposto pelo sistema mutante globalizado, reduziu a individualidade do criador, ele não expressa a sua imaginação pessoal, torna-se um plagiador constante do ambiente, dos variados tipos de atos e formas, indevidamente considerados estéticos. Ele age como se não necessitasse do imaginário da mente, ele atua no ambiente, sem intenção de construir signos, ou seja de manipular a matéria para gerar formas atraentes. Apenas age, como se estivesse no puro realismo do viver cotidiano, sem ser praticamente notado, e logicamente sem estimular conceitos, o que é uma utopia filosófica para os seus criadores, que a chamam de “conceitual”. Por exemplo: ficar diante de pessoas e cortar pedaços do próprio cabelo, urinar no chão, rasgar a própria roupa, ficar despido em publico, fumar um cigarro usado, defecar numa bandeja, comer excrementos, cortar a barriga com uma lamina, vomitar, etc. todos são atos óbvios da vida humana, pode ou não despertar interesse do observador (publico). Estes atos, são considerados pelos artistas conceituais performistas, como novas expressões estéticas, mas na verdade não altera a vida do homem comum, o máximo que pode acontecer é alguém chamar a polícia ou iniciar um processo jurídico, quando se sentir molestado pelo ato destes ditos artistas. Torna-se uma masturbação, pois não existe o outro, ele se contorce em busca de aceitação, mas na maioria das vezes, o público não o nota.


Na “arte contemporânea”, a forma está sendo desconectada do conteúdo, o observador se perde na leitura da obra, e cria idéias desconexas, perde o interesse de analise, e não se formam as mensagens para serem absorvidas pelo raciocínio, não há emoção, pois ele não se transporta para o sonho, o que é normal com a imagem estética, tanto na pintura, na escultura, na dança, no teatro e na poesia, quando a imaginação do público reage, dialogando com sua própria mente; e mais ainda, nesta arte também existe, uma agressão a naturalidade comportamental, afastando o indivíduos da possível relação com o pensamento do autor. A “arte contemporânea”, tida como estilo novo de vida, jamais conseguirá transmitir inteiramente conteúdos, pois em sua maioria, são signos incompletos, quando têm conteúdo (significados), lhes falta forma (significantes), e quando tem forma lhes falta conteúdo, e quando não possui sinais, o publico vai embora e a esquece. Nos últimos anos, a ditadura de expressão chamada “Arte contemporânea”, afetou uma grande parte dos jovens, pois ela cria um canal de fuga irreal, uma referência de auto-determinação que parece segura, que entorpece a cada ano os adolescentes, como um “ópio substituto das drogas usuais”, usadas na tentativa de encontrar uma identidade intelectual. A arte atual (dito conceito imaterial), como modelo psico-social de formação humana, já está sendo usada em várias escolas e universidades, não como um estilo de expressão, algo de livre escolha, mas como uma seita avassaladora da condução do comportamento dos jovens, causando a alienação da consciência. Por outro lado, o gosto pessoal poderá desaparecer, por longo período, e existirão gerações de robotização comportamental, que virão impiedosamente, e apesar de tudo, em grande parte, não é culpa dos movimentos de arte e dos impulsos a novas tendências, mas de uma profunda perda de auto-confiança que já permeia os indivíduos no século 21.

Não se sabe, se vale à pena rever a história, para encontrarmos onde começou esta farta idiotice estética, pois são aproximadamente 50 anos de apelos desesperados pela mudança, de atitude artística, como se isto fosse a salvação das almas desorientadas. Marcel Duchamp, um dia, fez o seu protesto, nem mesmo considerando obra prima, e que apenas, em vez de o colocar na Rua, o colocou numa galeria de arte, em um nicho de força intelectual, pois se o tivesse feito em praça pública, teria sido esquecido para sempre. Sobre a força do objeto tornado símbolo, o próprio Duchamp afirmou, depois do fato consumado: “I threw the urinal in their face and now they come and admire it for its beauty”, “Eu enfiei o urinol na cara deles e agora eles vêm e o admiram por sua beleza”. E Já perto do final da vida, ele declarou: “não tenho muita certeza se o conceito de readymade não foi a única idéia realmente importante saída de minha obra”. A questão é que, no momento do pós-guerra, na recessão social americana, e na busca por soluções racionais da vida na época, o fato foi consumido e ficou eternizado. Aí é que mora o conflito: seria tão fácil se eternizar, em um país sem mídia e sem recursos políticos poderosos? Claro que, o tipo da catedral é que faz o santo ficar conhecido e forte. Ferreira Gullar em entrevista ao Jornal de Brasília (30/07/1993), explica: “Quando Duchamp enviou um urinol a um salão estava realizando um gesto de alto inconformismo e denunciando uma série de imposições que envolviam a arte naquele momento. O urinol não é obra de arte. Quando ele fez isto o seu gesto era rebeldia, mas hoje seria puro conformismo. As instituições já assimilaram este gesto. Esta atitude de denúncia e de arte sem linguagem já se exauriu”.


No Brasil é muito fácil se ver os efeitos desta avalanche de expressões conflitantes, que até nem deveriam ser chamadas de arte, pois, ela não ativa a emoção do publico. Procede-se quando a mensagem do autor se evapora por não haver estimulação da percepção dos indivíduos, o objeto criado se confunde com todos do ambiente diário, e por final, é despercebido e esquecido. E se não fosse a arte da fotografia e da gravação de imagens, dela, nada sobraria. A fonte de Duchamp tornou-se dogma no Brasil, pois é um modelo para não se usar a sensibilidade e o intelecto, apenas venerar e imitar, “algo”. Acontecem fatos incríveis com estas produções conceituais, como neste exemplo: um mendigo ao passar em frente a uma galeria de arte contemporânea, se deparou com uma velha mala na porta, e como ele não tinha mais que uma sacola de plástico, sentiu-se feliz com o achado, levou-a na mão. Mas logo escutou – pega o ladrão! Então, ele a largou e saiu correndo, e todos na rua cercaram a velha mala. Logo após, passaram os lixeiros, e a colocaram no caminhão de lixo. O autor, gritou da janela: – a mala é minha! Mas, de nada adiantou, a obra se foi. Era apenas um objeto sem diferença no cotidiano ambiental, e como estava estragado, teve o seu fim, assim como o conceito do autor. Na verdade, nada aconteceu, pois não havia Arte.


Atualmente, existe uma insistência infernal para se apagar o nome “artes plásticas” da expressão artística no Brasil, por causa das aventuras estéticas contemporâneas no mundo. Mas não é um problema, em certos casos, pode ser uma solução. Pois, as artes plásticas nunca irão se acabar, pois quem as produz sabe o que faz. Os tratados atuais de expressão tendem a intitular as artes plásticas, de apenas, “artes visuais”, mas isto já é obvio, e não altera nada, só que, ser visual é um requisito verdadeiro e já o era, desde a sua primeira criação, assim como na fotografia, no design, na arquitetura, no teatro, no cinema, na poesia, etc. A arte plástica será sempre uma expressão independente, pois não pertence aos tipos de expressão que se apresentam na “arte contemporânea”, que se afinam com: o teatro de rua, o circo, o cinema, a televisão, a ambientação, o vídeo-clip de roque, o auto-flagelo em público, matar animais em publico, a fotografia, a pornografia, o ritual de sadismo, a oratória política, etc. e estas não são ações das “artes plásticas”, daí soluciona-se o problema.


O que fica claro, é que as aventuras das Bienais (partindo de Veneza em direção a São Paulo) transformaram a expressão semântica, “artes visuais” numa nomenclatura oficial, para vários tipos de criações artísticas, incluindo até as artes plásticas, principalmente aqui no Brasil. O que se nota, é que o brasileiro se apegou com carinho, às ditaduras, é omisso e passivo por natureza, engole regras sem experimentar antes, e ainda, só chora quando o leite já foi derramado. As instituições públicas impregnadas de seguidores desta “nova seita”, criaram um canal aberto para estes aventureiros, e estão regulamentando um novo nome para uma profissão milenar (Artista Plástico). Só que, se formalizam uma institucionalização de maneira imposta, para um nome de uma profissão e sua atividade conseqüente, e assim se age contra a liberdade de expressão, ferindo a “Declaração Universal dos Direitos Humanos”. Fica aqui um alerta, para os seguidores da “nova seita da expressão artística”, da moda atual: quando se institucionaliza, uma profissão aleatoriamente, sem uma permissão legal da parte interessada, de forma incoerente com a realidade, corre-se o risco de se tornar um abuso aos direitos de liberdade, e uma tendência a se tornar um ato público controverso e até criminoso. Num futuro próximo, quando chegarem novas ordens políticas, alguém poderá ser responsabilizado por estas aventuras, em favor da escravidão da sensibilidade pública.


ALGUMAS REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS:

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GULLAR, Ferreira.: Argumentação contra a morte da arte. Rio de Janeiro. Edit.Revan. 1997.
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JUNG, C. G.: Arquetipos e inconsciente colectivo. Barcelona. Edit. Paidós. 1981.
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READ, Herbert: La Redención del Robot. Bueno Aires. Edit. Proyección. 1996.
SKINNER, B. F.: O Mito da Liberdade. Rio de Janeiro. Edit. Bloch. s.d.
SOLON RIBEIRO – Site – Matéria Publicada: “Marcel Duchamp - 120 Anos Depois”: Julia Lopes.


Autor: Fernando Lúcio, PhD em Arte e Criatividade.
Recife, 11 de agosto de 2009

O que nos levou a escrever este artigo sobre as repetições na arte das últimas décadas, foi a observação constante nas produções artísticas visuais nas mostras e bienais internacionais de diversos paises, da América, Europa e principalmente do Brasil. Chamamos de repetição a constante “clonagem” de conteúdos, formas e gestos artísticos nestes últimos 20 anos na Arte Contemporânea. Compreendemos que a ausência ou diminuição do individualismo na criação artística (atualmente), contribui para a assimilação e condicionamento de códigos coletivos em grande escala, o que representa uma utopia para o processo de “criatividade”. Considerando que a individualidade é um momento de libertação, um estado de comportamento em que o indivíduo expressa a sua legítima identidade em relação ao outro. Observamos que no ato da comunicação de gestos e pensamentos, acontece explicitamente o“estado individual”, como indicativo de originalidade comportamental nas atitudes verbais e corporais.

Podemos salientar que por individualidade entende-se uma ação pessoal que identifica a criatura, como por exemplo, na maneira de falar, nas expressões corporais, na forma de caminhar, na forma de escrever, etc. Lawrence A. Pervin e Michael Lewis, definiram como característica da personalidade o conjunto de propriedades estruturais e dinâmicas do indivíduo que organizam a experiência e modelam as atitudes e reações do indivíduo no ambiente vital. Para Carl Jung (1875-1961), a personalidade possui aspectos particulares da alma e o modo como ela funciona no mundo. O desenvolvimento da personalidade depende de uma distinção de valores coletivos, que são personificados pela pessoa e a ela são incorporados. Uma mudança de ambiente poderá alterar a personalidade e deixar o caráter bem definido e diferente do anterior. O caráter social atua diretamente na personalidade do indivíduo e ele perde a individualidade tornando-se entidade coletiva.

As evidências cientificas nos mostram que a individualidade nem sempre se expressa totalmente na atitude humana, muitas vezes apresenta-se de forma camuflada. A autenticidade da “pessoa” pode se quebrar ao se abrir janelas para um condicionamento de códigos comportamentais externos. Jung, também nos diz que o inconsciente é parte do instinto, e o maior perigo que ele apresenta é a tendência a ser sugestionável e quanto mais inconsciente mais sugestionável será o indivíduo. Sendo assim, qualquer atitude comportamental do indivíduo que denuncie uma imitação ou repetição de atitude e gestos, pode ter a sua causa na ausência de consciência. Por outro lado, B. F. Skinner (1904-1990), explica que o processo de repetição comportamental ou imitação, pode ser comparado ao instinto de rebanho, uma coisa própria dos seres vivos, pois a luta pela sobrevivência conduz ao comportamento repetitivo. O “medo” estimula os seres vivos a uma busca de proteção pessoal e quando existe uma maior quantidade de indivíduos, se induz a sensação de segurança vital e aumenta espontaneamente o comportamento “imitativo”. Fig. 01a e Fig. 01b


Os indivíduos adotam padrões comportamentais e os mantêm como guia na sobrevivência, até o momento em que não surge um outro padrão, que lhe transmita maior segurança, pois é fundamental para os indivíduos inseguros a existência de pontos de referencia. Este fato nos demonstra que cada indivíduo na sua evolução pessoal, poderá estar constantemente buscando mecanismos que lhe deixem mais seguros. O medo do desconhecido é um motivo para a camuflagem da individualidade, assim como certos animais são capazes de mudar a cor e a textura corporal para não serem percebidos pelos predadores, as pessoas que não conseguem expressar a sua individualidade, procuram estar sempre camufladas por padrões comportamentais de outras pessoas ou da coletividade, pois isto, lhe da a sensação de ter uma identidade estável.


Skinner, demonstra que o comportamento condicionado do homem representa uma perda de liberdade, e que existe um controle de comportamento e um reforço que estimulam a continuidade do processo. Explica que as boas notas, as medalhas, os prêmios, as críticas e elogios, são reforçadores da conduta social e cultural, característica da utilização de modelos monopolizadores. O ambiente social e cultural também são controladores, criam modos de vida e comportamento social, gerando costumes e maneiras, sistema de valores e idéias que funcionam como uma cadeia de comunicação que se reforça através de muitos contingentes mantidos pelo grupo, podendo se transformar em normas resistentes ao tempo e ao espaço.


Na Sociedade Contemporânea a maioria das pessoas não notam que existem vários conflitos que são estimulados por “semióticas” diversas, através dos meios de comunicação e pela manipulação sistemática do poder, e estes chegam até a causar distúrbios sociais e políticos nos povos. Na arte hoje, o processo de manipulação dos modelos estéticos, pode ser decorrente de interesses de galerias de artes, de cotações das obras de artistas famosos, de influências políticas de grupos de artistas, de prêmios oferecidos para se manter um monopólio estético, de museus que mantêm as suas coleções como referências de boa arte, patrocinadores partidários, lavagem de dólares, etc. (é o que acontece nas Bienais). Estes condicionantes diminuem a possibilidade de libertação da originalidade artística e reduz as possibilidades de se criar novas formas de manifestação artística. Muitos elementos de manipulação estética são hoje em dia confundidos e mantêm inversões de valores, pois muitos situam a deficiência da originalidade nas técnicas artísticas tradicionais e não na repetição constante dos padrões monopolizadores. Fig 02a e Fig. 02b


A Arte Contemporânea persiste no condicionamento estético, seguindo a busca por um controle de modelos artísticos e um padrão que talvez seja bem mais manipulador da individualidade artística que as influencias acadêmicas do passado, pelo espaço físico e mental que ocupa atualmente no mundo. Em outras épocas as pequenas sociedades com pouco mais de 1500 habitantes eram condicionadas por modelos de uma Escola local, hoje existem milhões de simpatizantes da arte em cada grupo social, que se orientam por padrões sugeridos por “ditadores de uma estética intitulada contemporânea”, por diversas ramificações acima citadas, por conceitos e formas de julgamento institucionalizado para manter as correntes criadas pelos grupos dominantes. É bem possível que muitos artistas tenham desistido de desenvolver seus índices estéticos individuais e espontâneos, para seguir o “rebanho”, como no selvagem instinto de sobrevivência, sem tomar consciência de que sua criatividade e originalidade estão sendo manipuladas. A individualidade artística, é reflexo da identidade pessoal, mas quando o grau de interferências externas ultrapassa o espírito do artista, podemos considerar que a sua criação possui ampla influencia de estímulos impessoais, havendo variados efeitos sobre a originalidade na sua expressão. No momento Contemporâneo a imitação artística não se processa diretamente da natureza ambiental como faziam os mestres do passado, os padrões são imitados e copiados, mas não como antes, agora existe um controle reforçador que leva os artistas a se afiliarem a partidos estéticos monopolizadores que ordenam formas e modelos para que os iniciantes da arte se reforcem e dêem continuidade a um rebanho padronizado. A percepção artística contemporânea perdeu a originalidade de valores estéticos, não por falta de capacidade mas pela falta de consciência da sua própria identidade (Artista-Autor). Hoje podemos ver conteúdos estéticos substituídos na maioria das vezes por expressões condicionadas, repetidas como cabeças de ovelhas num rebanho e longe de possuir um teor de originalidade. Fig.03a e Fig.03b


Roman Jakobson (1896-1982), diz que todas as artes possuem um sistema de convenções artísticas, que servem de base às suas elaborações. As “convenções” são influentes e talvez obrigatórias para os artistas e para a sociedade, e muitas vezes impostas por um padrão dominante no contexto cultural e na determinada época. A originalidade é muitas vezes limitada pelo código artístico dominante, que resultam na criação de regras para o sistema contemporâneo em função de um modelo inovador.

Hoje, a “Arte Contemporânea”, não é considerada por muitos uma “produção do momento atual” e sim uma tendência (moda) que se intitula desta forma, talvez para fugir dos “ismos” anteriores, porém, leva automaticamente a um conflito semântico, gerando uma compreensão dúbia do termo: “Contemporâneo”, sendo assim, neste caso poderia significar tudo que se produz entre os artistas vivos, nos dias de hoje. A “Arte Moderna”, “Atual”, “de Vanguarda” ou “Contemporânea” será sempre referente às ultimas criações partidárias estéticas. Em nosso caso, não foi de nosso interesse discutir estas participações partidárias, mas apenas avaliar os processos resultantes destes movimentos monopolizadores e seus efeitos da criação artística atual.


Os modelos iconográficos dos romanos evidenciaram sempre os arquétipos gregos, os renascentistas nunca puderam negar a grande identificação com os moldes romanos e ninguém pode afirmar que o estilo grego-romano não dominou a Europa e mantém a sua sombra até os dias atuais. As configurações artísticas das culturas passadas são espelhos dos códigos deixados por seus invasores culturais ao passo das suas existências. O poder e a influencia na Arte ocorre igualmente através dos tempos, o uso da força ou o uso de mecanismos psicológicos de poder, executam processos de monopolização na historia das culturas até os dias de hoje, porém a ordem dos fatores pode mudar variadas vezes, enquanto, antes se temia as influências das grandes academias, hoje se teme os indicadores estéticos que procedem das “grandes bienais, dos salões de arte e críticos tendenciosos bem pagos, que possuem acesso aos meios de comunicação de massas”. Como citamos anteriormente, a insegurança faz o indivíduo buscar o “rebanho”, o pavor ao poder (imperialismo estético das bienais) leva os “inexperientes” à procura de identidade, mas se esta identidade não evoluir com o crescimento pessoal, poderá formar uma carapuça, que iludirá e construirá uma falsa personalidade artística. Na Arte Contemporânea já se observam efeitos diversos dessas forças monopolizadoras de padrões estéticos, elas podem estar dentro e fora das instituições, arquitetando reforços psicológicos e políticos para não cair dos seus pedestais, porém, o que a historia sempre provou: é que os “Impérios não são eternos”. A criação artística supõe algo original do indivíduo, da sensibilidade do “autor”, mas se este autor passa a ser apenas intérprete de padrões e conteúdos que ele mesmo não desenvolveu, ele pode cair no “Poço da Inconsciência” e nunca tomar conhecimento de que está sendo um mero “títere da hipocrisia cultural”.


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Artigo escrito por: Fernando Lúcio, PhD em Arte e Criatividade.
Recife, 25 de agosto de 2008

Fernando Lúcio de Lima Barbosa é Desenhista, Pintor, Gravador, Escultor, Ceramista, Tapeceiro, Muralista, Artista Digital, Professor de Artes Plásticas, Especialista em Criatividade, Arte-terapia, Iconografia, Semiótica da Arte, Gestalt, Pesquisador da Ciência das Artes cadastrado pela UNESCO, UCM e MEC da Espanha e do Brasil.

Escola de Belas Artes de Pernambuco, 1973/1978.
Licenciatura em Artes Plástica, Universidade Federal de Pernambuco, 1979/1983.
Especialização em Artes Plástica, Universidade Federal de Pernambuco, 1987/1988.
Doutorado (PhD) em Belas Artes, Universidade Complutense de Madrid, Espanha, 1996/2000.

Alguns de seus mestres: Mario Nunes, Murillo La Greca, Pierre Chalita, Elezier Xavier, Baltazar da Câmara, Laerte Baldini, Lenira Regueira, Queralt Prat, João Batista, Aurora de Lima, Julián Gil Martinez, Antonio Ramos Notário, Dimitri Papagueorguiu e outros.

É professor do Centro de Artes e Comunicação da UFPE desde 1979, Autor do "Projeto Bibiano Silva" - Fundarpe, 1982/2000 e Criador do "GAPP", Grupo de Artistas Plásticos Pesquisadores de Pernambuco, 1988/1990.

Fundou juntamente com os professores Laerte Baldini e Aurora de Lima os “Atelieres do Benfica”, na rua Benfica, 157, Madalena, no ano de 1980, onde foi coordenador por vários anos consecutivos, Departamento de Teoria da Arte e Expressão Artística da UFPE. Foi fundador e presidente do Sindicato dos Artistas Plásticos Profissionais de Pernambuco (SINAPP-PE), primeiro sindicato da categoria no Brasil, 1989/1999. Membro do Círculo de Belas Artes de Madri, Espanha - 1996/1999. Membro da Academia de Artes, Letras e Ciências de Olinda, 2005. Atualmente é vice-presidente do (SINAP-PE), Sindicato dos Artistas Plásticos de Pernambuco.

Curador de exposições Nacionais e Internacionais, como: “Evidencias das Artes Plásticas em Pernambuco IV”, Aliança Francesa, Recife, 1989; “Coletiva de Artistas Pernambucanos”, Aliança Francesa de João Pessoa, 1990; “I Salão da Estética Livre de Pernambuco", Centro de Convenções de Pernambuco, 1992; "Exposição de Artes da I Semana do Brasil”, em Madri, Espanha, 1998; "Pintores Iberoamericanos Intemédio”, em Madri, Espanha, 2000; "El Retablo del Signo”, em Madri, Espanha, 2000, entre outras.

Catalogado em: “Artistas de Pernambuco”, Recife, 1982; “Catálogo Pernambucano de Arte”, Recife, 1987; “Artes Plástica Brasil", nos vols.VI à XII, 1993 a 2003, São Paulo; "Cadastro Arte Mayor de Pernambuco", nos vols. I e II, Recife, 1995 e 1997; "Artes e Artistas de Madri", 2001; "Arte Castellana, de Madri", 2001. Publicações de sua obra em livros: “Remolinos del Tiempo”, Madri, 1999; “Mercosur y Unión Europea: De la Cooperación al Libre Comercio”, Rio de Janeiro, 2001; “Guía de Fuentes Bibliográficas y de Recursos para la Investigación en Internet de las Relaciones entre el Mercosur y la Unión Europea”, Rio de Janeiro, 2001, “O Livro do Esquecimento”, 2003, Recife.

Revistas: “A Semana no Recife”, "Afinal"; "Quadra; "Veja"; “LIR” (Brasil); "Guía del Ocio"; "Arte y Naturaleza"; "Semanário Nacional Independiente" (Espanha); "Giornali di Sicilia" (Itália), etc.

Prêmios: "Salão Arte Brasil", Portugal, 1991; "Pintura Mural" no Salão de Arte Contemporânea de Pernambuco, "Arte em Vitrine", Recife e outros.

Ministrou variados Cursos e Conferencias sobre Artes no Brasil e na Europa, entre eles: “Dinâmica da Criatividade”, Centro de Arte e Comunicação UFPE, 1995; “Técnicas de Percepção e Desenho”, Casa do Brasil - Madri, Espanha, 1997; “Dinâmica da Criatividade como Terapia Artística”, Faculdade de Belas Artes da Universidade Complutense de Madri, Espanha, 1998; “Arte e Loucura”, Rodrigues Galeria de Arte, Recife, 1995; “Imaginação e Criação”, Auditório da Casa do Brasil de Madri, Espanha, 1997; "Relações Artísticas entre Latinos Americanos e Espanha na Atualidade”, na Universidade Complutense de Madri, Espanha, 1999; “A Dinâmica da Criatividade como Terapia Artística”, II Congresso de Arte Infantil da Espanha, Madri, 2000.

Sua obra se encontra em acervos diversos, em: Portugal, Itália, França, Estados Unidos, Colômbia, Japão, Coréia, Cuba, Brasil e Argentina. Já realizou 30 Exposições Individuais e 175 coletivas, no Brasil e no Exterior, entre elas: "II Salão Arte Global", Recife, PE - 1975, “III Exposição Ítalo-Brasileira de Artes Plásticas, da Prima Setimana Della Dante Alighieri”, Centro Cultural Dante Alighieri, Recife, PE – 1981; "Knoeldler Contemporany Art", Nova York, EUA - 1981; “VIII Salão Nacional de Artes Plásticas do Ceará” - Casa da Cultura Raimundo Cela, Fortaleza, CE – 1982; “Prêmio Pirelli Pintura Jovem”, Museu de Arte de São Paulo, São Paulo, SP – 1983; “França vista por Artistas Pernambucanos”, Aliança Francesa de Pernambuco, Recife, PE - 1988; “Salão de Arte Contemporânea de Pernambuco – Edição 89”, Centro de Convenções de Pernambuco, - Olinda, PE – 1989; “Coletiva de Artistas Pernambucanos”, Aliança Francesa da Paraíba, - João Pessoa, PB – 1990; "Salão Arte Brasil", Albufeira, Portugal - 1991; "Pinturas y Esculturas de Artistas Brasileños", Sevilla, Espanha - 1991; “Cores do Brasil”, Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, São Paulo, SP – 1997; “Taller Art Company”, Parque Ferial Juan Carlos I, Madri, Espanha -1997; "Salón del Castillo, San Martín de Valdiglesias", Madri, Espanha - 1998; "Salón Nacional de Ávila”, Ávila, Espanha - 1998; "Fragmentos", Casa do Brasil de Madri, Espanha - 1998; “Paisajes”, Futonia Art & Design, - Madri, Espanha – 1998; "Naturaleza e Ilusiones", Casa do Brasil de Madri, Espanha - 1999; “Pinturas y Grabados”, Espacio Cultural Gandaia, Madri, Espanha - 1999; "Seis Artistas Latinoamericanos Contemporáneos", Casa do Brasil de Madri, Espanha - 2000; "Feria Internacional de Arte de Valencia", Valencia, Espanha - 2000; “Colores”, Galeria Artemix, Madri, Espanha - 2000; “Exposición de Artes Plásticas 2000”, Galeria de arte “”, Madri, Espanha – 2000; "Esposizione di Arte", Galleria Potti, Sicília, Itália - 2001; “Exposición de Abril”, Galería Castellana 150, Madri, Espanha – 2001; “Exposición de Mayo”, Galería Castellana 150, Madri, Espanha - 2001; "Las Grietas del Símbolo", Granada, Espanha - 2001; "Diez x Uno, Artistas Brasileños" - Granada, Espanha - 2002; “Caminos”, Mar Hotel, Recife, PE – 2002; “Relembrando Degas”, Rodrigues Galeria de Artes, Recife, PE - 2002; “Homenagem a Fernando Pessoa”, Rodrigues Galeria de Artes, Recife, PE -2003 ; “Natureza e Harmonia”, Espaço Maison Harmony, Recife, PE - 2003; “ Luzes”, D’Angelo Galeria de Artes, Recife, PE - 2003; “ Seqüências”, Museu Murillo La Greca, Recife, PE – 2004; “Surrealismo II: Max Ernst entre amigos” Rodrigues Galeria de Artes, Recife – PE, 2005; “Modigliani: Pintura Poesia”, Rodrigues Galeria de Artes, Recife – PE, 2006; “ O Sentido da Luz I”,ABA Art Gallery Aflitos, Recife, PE - 2006; “ O Sentido da Luz II”, ABA Art Gallery Boa Viagem, Recife, PE – 2006; “Verde que te quero Verde II”, Rodrigues Galeria de Artes, Recife – PE – 2007, “Fragmentos da Natureza’, Espaço de Artes Inez Fonseca, Recife – PE – 2008, etc.


...Fernando Lúcio, uma juventude impressionada pelo realismo da injustiça social e pelo lirismo da paisagem nordestina. (Pierre Chalita, 1978 - Maceió – AL)

...A nosso ver o jovem artista Fernando Lúcio – está conquistando galhardamente o árduo caminho da verdadeira arte. (Vicente Murillo La Greca, 1981 - Recife – PE)

...Os exemplos estão aí, como João Câmara, que chegou menino na Escola, Ismael Caldas, Fernando Lúcio e tantos outros”. (Lula Cardoso Ayres, 1983 – Recife – PE)

...A nosso entender, o que há de mais importante na sua pintura é que o seu compromisso maior entre o homem e a natureza jamais foi rompido”. (Orley Mesquita, 1983 – Recife – PE)

...Fernando Lúcio tem a propriedade de trazer o moderno embutido no tradicional numa união tão perfeita como a dor e a alegria estão contidas numa lágrima. (Jacques Weyne, 1990 – Recife – PE)

...Fernando Lúcio grande pintor, poeta do ritmo e das cores com afeto (Alberto Duvall, 1998 – Madri – Espanha)

...Os esforços em beneficio da Arte sempre trazem, múltiplas recompensas. Você teve todas... (Eraldo Thadeu, 1998 – Madri – Espanha)

...Cada quadro se converte assim, em uma reflexão sobre o sentimento humano. (Lissette Matalón, 2001 – Madrid – Espanha)