Kumi Sugai en 1962, vía Wikipedia
Kumi Sugai
Kumi Sugai (1919-1996) fue un pintor y grabador japonés reconocido por su dinámica evolución desde la abstracción lírica a la abstracción de vanguardia, lo que refleja su profundo compromiso con el arte de vanguardia y contemporáneo. Su obra, marcada por su transformación e innovación, Ha dejado un legado perdurable en el mundo del arte.
Nacido en 1919 en Japón, Sugai se embarcó en su carrera artística tras la Segunda Guerra Mundial. Para mantenerse, inicialmente ilustró libros de texto de escuela primaria. Su educación artística formal comenzó con pintura de estilo japonés (nihonga) con Teii Nakamura, miembro del Nihon Bijutsuin. El trabajo temprano de Sugai estuvo influenciado por Yoshihara Jirō, una figura destacada del grupo Gutai. El énfasis de Yoshihara en la materialidad de la pintura y las formas abstractas, junto con un interés compartido en las formas abstractas e infantiles, impactaron profundamente a Sugai. Esta influencia es evidente en la obra de Sugai de este período, que a menudo presentaba un motivo recurrente de aves y reflejaba la estética de Paul Klee, Joan Miró y Max Ernst. Los primeros logros de Sugai incluyen ganar un premio en la 4.ª Exposición de la ciudad de Ashiya, donde Yoshihara sirvió como juez.
Sus primeras pinturas poseen una vitalidad elegíaca inmediata y elegante, que evoca narrativas primordiales de vida, muerte, amor, pérdida, victoria, tragedia y trascendencia. Estas obras sirven como puertas de entrada al mundo de la creación dentro de la mente de este mago-escritor. Pintor. Sugai, uno de los grandes expresionistas abstractos del Japón de posguerra, precedió a los artistas de la Escuela Gutai en su camino hacia París y fue a la vez un iconoclasta y una inspiración para sus contemporáneos. Perteneció a la primera generación de artistas japoneses del siglo XX que se convirtieron en se familiarizó con las técnicas de pintura occidental, al tiempo que exploraba la tipografía y la caligrafía japonesa, que se convirtieron en elementos importantes en su obra posterior.
Kumi Sugai - La búsqueda sin fin (1962). Grabado sobre papel BFK de Rives. 33 x 50 cm
París y la vanguardia
En 1952, impulsado por su interés en la pintura de vanguardia, Sugai se trasladó a París. Se instaló en Montparnasse y estudió en la Académie de la Grande Chaumière con Edouard Goerg. Sus obras iniciales en París conservaron un estilo figurativo y se hicieron eco del art informel, con Paisajes urbanos vacíos con líneas geométricas dibujadas en pintura al óleo espesa. Sugai también siguió simplificando formas animales en sus pinturas.
Al principio, la vida en París fue solitaria para Sugai, ya que hablaba poco francés. Sin embargo, se convirtió en parte de una comunidad de artistas japoneses, entre ellos Toshimitsu Imai, Hisao Domoto y el escultor japonés-estadounidense Shinkichi Tajiri, que estaba asociado con el grupo CoBrA. Tajiri jugó un papel clave en la temprana carrera parisina de Sugai al invitarlo a exponer en el salón Octobre de Charles Estienne en 1953. El comerciante de arte John Craven le ofreció a Sugai un contrato y su primera exposición individual en París, consolidando aún más su presencia en la escena artística. Su obra también obtuvo el reconocimiento del crítico Michel Ragon, lo que llevó a su inclusión en dos exposiciones con la Nouvelle École de Paris.
Desde su debut en París, Sugai cosechó numerosos premios y consolidó su posición como uno de los pintores abstractos más importantes de Japón, alcanzando la cima de su popularidad a mediados de la década de 1960. Sin embargo, hoy en día se lo asocia más comúnmente con sus litografías de períodos posteriores y sus obras geométricas. pinturas en brillantes colores primarios, que son más abundantes que las sublimes obras de su época en París. Son los raros y preciosos óleos abstractos que Sugai pintó en los años 1950 y 1960 los que siguen siendo más apreciados por los museos y coleccionistas, y rara vez aparecen en el mercado abierto debido a a su escasez.
Evolución del estilo
A mediados de la década de 1950, la obra de Sugai comenzó a pasar de formas figurativas a formas más abstractas. A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, produjo lienzos grandes y de colores vivos dominados por formas geométricas caligráficas en bloques. Los títulos de estas obras, como oni, samurái, y pasas, evocan el folclore japonés. A pesar de su simplicidad compositiva, estas pinturas conservaron una calidad densa y texturizada.
En 1955, Sugai comenzó a experimentar con el grabado y produjo su primera litografía. Este nuevo medio, poco común en Japón pero popular en Francia, marcó una expansión significativa de su práctica artística. Sus litografías de 1957 ilustraron el libro de poesía de Jean-Clarence Lambert La quête sans fin. Sugai también se aventuró en la escultura a finales de los años 50, creando obras como Objet, un pincel montado sobre un pedestal, envuelto en pintura y abstracto. En 1960, recibió el premio del Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio en la Bienal Internacional de Grabado.
Reconocido como parte de los movimientos 'Nouvelle École de Paris' y 'Nouveau Réalisme', comenzó a alejarse de la 'abstracción lírica' en 1962. Pasando de motivos orgánicos caligráficos principalmente monocromáticos a imágenes geométricas, su arte abstracto ahora se caracteriza como "duro". -borde."
Años posteriores y cambios transformadores
1962 fue un año decisivo para Sugai, ya que marcó una transformación significativa en su estilo. Se alejó de la materialidad informal para adoptar una abstracción geométrica de bordes duros, utilizando superficies mate y pintura acrílica. Su fascinación por los automóviles y la vida urbana, en particular después de adquirir Un Porsche en 1960 influyó profundamente en su nueva estética. La obra de Sugai durante este período se caracterizó por formas geométricas claramente delineadas y formatos monumentales. Creó alrededor de cincuenta obras entre 1964 y 1968, cada una de ellas con la palabra "Auto" en el título, lo que refleja su pasión por el Velocidad y señales de tráfico.
En 1969, Sugai regresó a Japón por primera vez en 18 años para crear un mural de 16 metros de largo por 3,6 metros de alto titulado Festival de Tokio para el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio. Este mural fue la obra más grande de su carrera. y marcó sus primeras exposiciones individuales en Japón. Su carrera posterior consistió en producir obras en serie y centrarse en litografías a partir de la década de 1970. Sugai regresó con frecuencia a Japón, donde se realizaron retrospectivas de su obra.
Exposiciones y colecciones
El trabajo de Sugai recibió numerosos galardones, incluido el Gran Premio en la Trienal Internacional de Impresión en Color de Grenchen de 1961, el Gran Premio en la Bienal Internacional de Impresión de Cracovia de 1965 y el Premio de Honor en la Bienal Internacional de Impresión de Noruega de 1972. En 1996, poco después de su muerte, Sugai recibió el Premio de Honor en la Trienal Internacional de Impresión de Grenchen de 1961. Antes de su muerte el 14 de mayo en Kobe, fue honrado con el premio Shiju-Hosho por el Emperador de Japón por su alto mérito cultural. Su arte figura en prestigiosas colecciones de todo el mundo y su carrera, marcada por una continua evolución y exploración, subraya Su importante impacto en el arte japonés e internacional.
Sus obras se han exhibido en importantes exposiciones en todo el mundo, entre ellas "Japon Des Avant Gardes 1910-1970" en el Centro Pompidou (1986), "Arte contemporáneo/posguerra" en el Museo de Arte Moderno de Kamakura (1979) y "Desarrollo de Arte japonés de posguerra: abstracto y no figurativo” en el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio (1973). Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentran “Kumi Sugai” en el Museo de Arte de la Prefectura de Hyogo y el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio (2000), y retrospectivas en el Museo Seibu, Tokio (1983) y en el Museo de Arte Ohara, Okayama (1984). Sugai también recibió retrospectivas a mitad de su carrera en el Kunstnernes Hus, Oslo (1967) y el Städtisches Museum, Leverkusen (1960), y realizó exposiciones individuales en The Kootz Gallery, Nueva York (1959-1964), Galerie Creuzevault, París (1958 y 1963) y el Palacio de Bellas Artes de Bruselas (1954). Entre sus encargos públicos se incluyen un mural para el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio (1968-69) y un mural para el centro deportivo de Hannover para los Juegos Olímpicos de 1972. Su obra está incluida en importantes colecciones institucionales a nivel mundial, como el Museo Solomon R. Guggenheim, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo de Bellas Artes de Boston, entre otros.
Selena Mattei
