Pierre-Auguste Renoir, Almuerzo del grupo de navegantes, 1880-1881. Óleo sobre lienzo, 129,9 cm × 172,7 cm. La colección Phillips, Washington, DC.
Impresionismo en pocas palabras
¿Cómo surgió el impresionismo? Como todas las cosas, ¡comenzó con una idea! Los artistas en cuestión decidieron pintar la realidad que les rodeaba de una forma muy sencilla, dejando de lado los temas históricos y mitológicos más complejos y trillados, temas que muchas veces tendían a asociarse a una cierta búsqueda de la perfección en la apariencia visual y por tanto ejecutiva. . Ahora lo que importaba, como sugiere el nombre del movimiento artístico nacido en Francia hacia 1860, era la representación de la impresión, es decir, cómo un paisaje, pero también un objeto y una persona, aparecían ante la vista en un lapso de tiempo limitado. Para hacer efectivo este propósito, la forma de aplicar el color sobre el soporte cambió drásticamente: las pinceladas ahora eran más ligeras, más libres y los colores más apagados, nacidos de una ejecución exclusivamente al aire libre. A partir de la observación al aire libre era evidente que lo que el ojo percibía era efectivamente diferente de lo que el cerebro entendía, de modo que al captar los efectos ópticos del momento se alejaba definitivamente de las formas idealizadas y de la simetría perfecta, dando voz al mundo tal como se ve realmente. por nuestra mirada. De hecho, también se silenció la perspectiva tridimensional, hecho técnico que llevó al impresionismo a dejar de distinguir los elementos más importantes de una composición de los de menor significado. Todas estas características se convirtieron en críticas de la tradición académica de la época, que, sin embargo, ya no pudo frenar el avance del arte moderno, así como de toda la filosofía asociada a las vanguardias.
Édouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863. Óleo sobre lienzo, 208×264 cm. Museo de Orsay, París.
Édouard Manet: Almuerzo sobre la hierba (1863)
La obra de Édouard Manet, pintor francés que tiende un puente entre el realismo y el impresionismo, fue duramente criticada por su público contemporáneo, que estaba bastante desorientado al ver destellos de la vida real realizados en el lienzo, en los que, a veces, incluso personas en el Los márgenes de la sociedad tomaron forma, tratados de la misma manera que personajes de obras históricas y mitológicas más tradicionales. A lo anterior se sumaba el recelo reservado a su peculiar estilo, que, anticipándose al impresionismo, carecía de claroscuros y matices, ya que yuxtaponía manchas de color que, sólo vistas desde la distancia adecuada, generaban las formas imaginadas por el artista. Finalmente, para hablar del maestro al que muchos reconocen como el padre del impresionismo, he optado por describir El almuerzo sobre la hierba, obra maestra de 1863, que escandalizó profundamente al público del Salón de los Rechazados, ya que presentaba no sólo una mujer desnuda sentada, flanqueada por dos hombres vestidos pero también una técnica pictórica sumaria, en cuanto a la descripción de formas y fondo. Además, la profundidad del espacio se representó de manera innovadora sin recurrir a la perspectiva tradicional, sino a través de sugerencias compuestas por manchas yuxtapuestas de diferentes colores. Es precisamente lo representado en esta obra lo que allanaría el camino para lo que veremos en este top 10: ¡las obras maestras más importantes del Impresionismo!
Claude Monet, Impresión, Amanecer, 1874. Óleo sobre lienzo, 48 cm × 63 cm. Museo Marmottan Monet, París.
Claude Monet: Impresión, amanecer (1874)
He aquí otra obra maestra que no es sólo pintura sino también historia tangible del movimiento impresionista, como Impresión, amanecer fue expuesta en 1874 en el antiguo estudio del fotógrafo Nadar, sugiriendo, con su título, el nombre de todo el movimiento artístico. El cuadro en cuestión, realizado al aire libre para captar lo que el maestro vio desde la ventana de su habitación de hotel en Le Havre, reproduce la vista matutina del puerto, con el mar atravesado por algunos barcos y el horizonte mostrando la vida industrial de la contexto urbano. Lo que se describe ya tiene todas las características propias del impresionismo más maduro, hasta el punto de que la vista se representa a través de pinceladas yuxtapuestas, rápidas y libres, listas para dar forma a todos los elementos de la composición. De hecho, sólo observando el conjunto podemos comprender plenamente la naturaleza de los sujetos inmortalizados que, tomados uno por uno, casi pierden su identidad. Esto nos hace comprender las verdaderas intenciones del artista, que ya no eran crear una escena naturalista, sino evocarla a través de sugerencias ambientales. Finalmente, es bueno revelar un secreto, es decir, ¿qué permitió prácticamente a Monet ejecutar la obra maestra antes mencionada? Así pues, es necesario revelar cómo la práctica de la pintura al aire libre, típicamente impresionista, fue posible gracias a la invención en 1841 de John Rand, que creó tubos metálicos para conservar los colores al óleo, que a partir de ese momento podían transportarse fácilmente a cualquier parte.
Edgar Degas, La clase de danza, 1873-1876. Óleo sobre lienzo, 83,5 por 77,2 centímetros. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Edgar Degas: La clase de danza (1873-1876)
Antes de hablar de la obra maestra que nos ocupa, es importante aclarar la identidad del pintor que, inicialmente más cercano al realismo, abordó los temas de la vida moderna en el impresionismo a partir de la década de 1870, a pesar de mantenerse siempre alejado de la pintura al aire libre y de la eliminación del contorno. líneas. Ahora que hemos aclarado qué hace que el maestro francés sea un impresionista atípico, podemos pasar a la descripción de uno de sus lienzos más famosos: La clase de danza. Aunque fue creado en el estudio, parece creado de una sola vez para inmortalizar el vestíbulo de danza de la Ópera de París, al que el artista pudo acceder gracias a la intercesión de su amigo, el director de orquesta. Desde este lugar privilegiado, el pintor captó a una joven bailarina practicando pasos bajo la atenta mirada del célebre coreógrafo Jules Perrot. En cuanto a las otras chicas con tutús, aprovechan el descanso para descansar, tal vez charlar tranquilamente y arreglarse la ropa. Todo parece extremadamente espontáneo y natural porque Degas da una nueva importancia a la vida cotidiana, a veces reproduciéndola con una atención casi obsesiva, siempre dispuesta a sintetizar actitudes y comportamientos en la forma más auténtica de estar en las situaciones.
Pierre-Auguste Renoir, Almuerzo del grupo de navegantes, 1880-1881. Óleo sobre lienzo, 129,9 cm × 172,7 cm. La colección Phillips, Washington, DC.
Pierre-Auguste Renoir: Almuerzo del grupo de navegantes (1880-1881)
Al igual que Monet, Renoir es un auténtico impresionista, autor de una de las obras maestras más famosas del movimiento artístico que nos interesa, a saber: El almuerzo de los navegantes, un lienzo de alrededor de 1880 en el que representa a amigos y conocidos dirigidos por expertos, casi como en un set de filmación. Todo ello configura una escena en la que, bajo un toldo, remeros y otras figuras se reúnen alrededor de una mesa, sobre la que se da a entender que se acaba de consumir una comida. Los sujetos ahora piensan en conversar, disfrutar del ambiente de una tarde cálida pasada en el Sena, un río que, como se ve en la parte superior izquierda, se abre paso literalmente entre las plantas, atravesado por algunos barcos. Sin embargo, los que más resaltan, por estar en primer plano, son una niña jugando con un perrito, observada por un remero, y otro remero apoyado contra la balaustrada de la izquierda. Además, siempre cerca del espectador, también hay dos jóvenes sentados a la mesa, que dan la espalda a las figuras más ruidosas del fondo. Una vez más, la textura del cuadro está formada por amplias pinceladas matéricas, dispuestas a difuminar los contornos de las formas, cuyos detalles se insinúan pero no se describen.
Edgar Degas, La absenta, 1875-1876. Óleo sobre lienzo, 92×68 cm. Museo de Orsay, París.
Edgar Degas: La absenta (1875-1876)
¡Aquí está Degas, sí, él otra vez! Al fin y al cabo, era imposible no incluir en el ranking su Absinthe Drinkers, una obra que, además de documentar una triste realidad de la época, se inspiró en la novela "L'Assommoir" de Émile Zola, de la que el pintor vio algunos adelantos. . De hecho, el escritor confesó al artista cómo le había hablado de la degradada condición en la que vivía el proletariado parisino, bien personificada en la obra maestra por dos amigos de Degas. Sin embargo, una vez terminado el cuadro, estos dos individuos se quejaron de cómo podría dañar su reputación, por lo que el pintor decidió declarar públicamente que las dos figuras no eran realmente alcohólicos. En la obra, sin embargo, los dos clientes están sentados en mesas de café, sobre las cuales se colocan bebidas alcohólicas, aunque los representados casi parecen dejarlas allí, tal vez porque, ya borrachos, parecen estar invadidos por pensamientos más profundos, proyectando sus miradas directamente al vacío. ¿Qué tal un cóctel esta noche?
Claude Monet, Estanque de nenúfares, Armonía rosa, 1900. Olio su tela, 89,5×100 cm. Museo de Orsay, París.
Claude Monet: Estanque de nenúfares, armonía rosa (1900)
Era imposible no hacer referencia de nuevo al más popular de los impresionistas, sin duda Claude Monet, autor del famoso Estanque de nenúfares, Armonía rosa, fechado en 1900. En esta obra aparece ante el espectador la imponente figura de un puente arqueado, listo para cruzar un estanque de nenúfares. Toda la escena está iluminada por los rayos del sol, penetrando cuidadosamente cada hoja, mientras las flores revelan su color predominante: ¡el rosa! En primer plano encontramos la orilla, caracterizada por la presencia de una vegetación densa y alta, que, en algunos lugares, se funde con las hojas colgantes de los sauces. Una vez más, se habla de la luz que se filtra creando zonas de sombra y zonas de luz, dispuestas a crear una rica alternancia de tonalidades que se extienden sobre el agua y las orillas. ¿Dónde está el tema del paisaje de Monet? En Giverny, en la residencia del artista, donde cuidaba personalmente las distintas plantas del jardín, que quería transformar en un teatro verde, siempre dispuesto a convertirse en objeto de su arte, donde también tenía el mencionado japonés -Puente estilo construido.
Gustave Caillebotte, calle París; Día lluvioso, 1877. Óleo sobre lienzo, 212,2 cm × 276,2 cm. Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos.
Gustave Caillebotte: calle París; Día lluvioso (1877)
La calle París de Gustave Caillebotte; Rainy Day cuenta y documenta la reestructuración de la capital francesa, que tuvo lugar a finales del siglo XIX según el proyecto de Georges-Eugène Haussmann, dispuesto a manifestarse en la representación de un gran cruce cerca de la estación Saint-Lazare, que reemplazó una antigua zona montañosa con calles estrechas y sinuosas y edificios en ruinas. Esta nueva cara de París está recorrida por los protagonistas de la obra, una pareja de transeúntes que caminan cogidos del brazo, resguardados de la lluvia bajo un paraguas y que se cruzan con otro transeúnte, que encuentra un lugar junto a la fachada de un edificio en la derecha. A la izquierda, caminan otras personas, también equipadas con paraguas, evitando poco a poco algunos carruajes, que encuentran su razón de ser bajo la presencia de grandes edificios, probablemente dispuestos a reflejarse en los múltiples reflejos que crea el pavimento de bloques de piedra húmedos. Ciertamente, estos últimos toman el color del cielo nublado, cuyo horizonte está dominado por la presencia de un edificio esquinero de mayor tamaño, que aparece aislado en el centro de la escena. Finalmente, cabe destacar otro, pero silencioso, protagonista del cuadro: me refiero a la farola verde que se alza silenciosa detrás de las figuras de los dos protagonistas principales.
Mary Cassatt, The Boating Party, 1893. Óleo sobre lienzo, 90 cm × 117,3 cm. Galería Nacional de Arte, Washington, DC.
Mary Cassatt: La fiesta del canotaje (1893)
¿Podemos hablar de Impresionismo sin celebrar a sus mujeres más ilustres? Yo diría que no en absoluto, así que me apresuro a mencionar a Mary Cassatt, pintora y grabadora estadounidense nacida en 1844, autora de The Boating Party. Esta obra maestra, creada en Antibes (Riviera Francesa, Francia), representa a una mujer, un niño y un hombre en un velero sin mástil pero con casco tipo canoa y tres asientos, un ambiente representado con el uso del color amarillo. que destaca sobre el azul más oscuro y amplio del mar. De hecho, Cassatt utiliza colores tanto atrevidos como más sombríos para generar contrastes, que alcanzan su punto máximo en la comparación entre el barco vibrante y la figura azul del remero. A pesar del tratamiento de los colores, que pretende encajar en el estilo habitual del artista, lo que difiere es la temática de la obra, que, si bien incluye la familiar de madre e hijo, también incluye, en el insólito espacio del barco, al personaje masculino. figura, a menudo pasada por alto por el pintor. En cualquier caso, los roles dentro de la obra maestra parecen estar firmemente establecidos, hasta el punto de que el hombre se centra exclusivamente en el trabajo (ahora remando), y la mujer vela constantemente por el niño. Siguiendo esta interpretación surge la idea de ver el remo como una línea divisoria entre el mundo masculino y el femenino, el segundo de los cuales está indisolublemente asociado por la artista a la naturaleza, la creatividad y la renovación, ámbitos en los que destaca la importancia del papel de la madre dentro de la sociedad. es indiscutible.
Berthe Morisot, La cuna, 1872. Óleo sobre lienzo, 56 cm × 46 cm. Museo de Orsay, París.
Berthe Morisot: La cuna (1872)
Berthe Morisot fue una pintora impresionista francesa, conocida por ser una de las fundadoras del movimiento, así como creadora de múltiples obras maestras de la historia del arte, como La cuna. Este cuadro, fechado en 1872 y expuesto en la primera exposición impresionista celebrada dos años después, muestra a una mujer joven de perfil, sentada junto a una cuna en la que duerme un bebé. La madre no es sólo una modelo, sino una de las dos hermanas del artista, Edma, inmortalizada con la sobrina de Berthe, la pequeña Blanche. Este doble retrato fue concebido para abordar conscientemente el tema de la maternidad, uno de los temas favoritos del pintor, que disfrutaba representando escenas íntimas que siempre revelaban el vínculo de amor existente, especialmente entre madres e hijas. Para hacer explícita esta eterna conexión también están los pequeños detalles de la composición, como los rostros de los dos protagonistas, unidos por una diagonal compositiva, así como el gesto de la madre de proteger al pequeño, tanto con la mirada como con un velo. , y finalmente, el hecho de que ambos sujetos tienen los brazos doblados.
Claude Monet: Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo, 1875. Lienzo al óleo, 100 cm × 81 cm. Galería Nacional de Arte, Washington, DC.
Claude Monet: Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo (1875)
Ayuda, no puedo dejar de mencionar a Monet, pero claro, ¿te atreverías a no hablar excesivamente de él mientras hablas de las obras maestras más famosas del impresionismo? Personalmente, he decidido concluir mi clasificación con una de las pinturas más conocidas del más famoso de los impresionistas: ¡Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo (1875)! Esta obra, junto con su "homóloga" Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo, se conserva en el Museo de Orsay y destaca por el tema que explora. De hecho, el pintor francés fue bastante conocido por sus paisajes, ciertamente más favorecidos que la exaltación de la figura humana, que, en este caso, toma la forma de Suzanne Hoschedé, la esposa del pintor impresionista estadounidense Theodore Earl Butler. El interés por este tema en particular surgió en un contexto específico: el maestro observaba a Suzanne mientras ésta subía una colina en la Île aux Orties, lugar y situación donde se reproducían interesantes juegos de luces en el vestido de la niña. Esta misma visión dio origen a un cuadro que presenta una figura con vestimenta típica burguesa de la época, buscando sombra del sol con una sombrilla mientras está inmersa en un paisaje bucólico, en el que la naturaleza aparece exuberante. Finalmente, el artista lo hace aún más especial dándole una monumentalidad peculiar, lograda a través de una perspectiva baja, lista para elevar la imagen de Hoschedé, cuyo rostro, sólo "delineado", está en sombra, al igual que la mayor parte de su cuerpo capturado. desde atrás.
Olimpia Gaia Martinelli