La mujer tumbada en el sofá(2018)Pintura de Jianxing Li
Arte sin fronteras: innovación artística de Asia
El arte del este y sudeste asiático, caracterizado por una amplia gama de estilos y técnicas que han evolucionado a lo largo de siglos, captura una multitud de interpretaciones que van desde la revisión de tradiciones antiguas hasta las formas más modernas de expresión artística. Países como China, Japón, Corea del Sur y Mongolia aportan cada uno sus influencias culturales e históricas únicas, dando forma significativamente y continuando enriqueciendo la escena artística global.
En el panorama artístico actual, estas naciones demuestran ser un terreno fértil para la innovación y la experimentación con medios tanto tradicionales como modernos. Artistas japoneses como Takashi Murakami y Yayoi Kusama, junto a maestros chinos como Ai Weiwei y su poderoso activismo artístico, son sólo algunos de los nombres que han alcanzado fama internacional. A ellos se unen el fotógrafo del sudeste asiático Dinh Q. Lê, conocido por sus obras que exploran la memoria y la identidad colectivas, y el artista visual Arahmaiani, cuyo arte se centra principalmente en cuestiones sociales.
Ahora es el momento de sumergirnos en las obras de diez pintores y escultores en Artmajeur, cuya experimentación artística está redefiniendo lo que significa ser un artista asiático en la escena contemporánea, con enfoques pioneros que no encontrará en ningún otro lugar del mundo del arte.
DESPACIO V (2020)Pintura de Bin Xu
Diálogos serénicos: el mundo etéreo de Xu Bin
Nacido en 1969 en Guang'an, provincia de Sichuan, China, Xu Bin ha canalizado su existencia artística hacia una experimentación continua impregnada de innovación y virtuosismo. Después de obtener su título en el Departamento de Bellas Artes de la Universidad Normal del Suroeste, Xu perfeccionó su oficio principalmente en la pintura al óleo, inspirándose en las vívidas paletas de los maestros del impresionismo y el posimpresionismo como Monet y Seurat. Con el tiempo, interpretó hábilmente los ejemplos de íconos modernistas como Matisse, Picasso, Dalí y Chagall, combinándolos con influencias de las tradiciones figurativas chinas. De esta confluencia de diversas tendencias surgió su voz artística más peculiar y madura.
El repertorio de Xu Bin es un caleidoscopio de colores intensos, como filtrados a través de un velo de sueños, con uso frecuente de tonos rosados y morados para los fondos y la piel de sus figuras. Los verdes y azules también emergen con fuerza, acentuando el aura etérea de sus creaciones. Sus figuras tienen rasgos distintivos, casi como máscaras, con bocas grandes y narices largas, a menudo acompañadas de proporciones corporales exageradas. Cada personaje, extraído de un mundo onírico y sin precedentes, parece navegar entre lo flotante y lo tangiblemente real.
Las obras de Xu, además de capturar la elegancia de las figuras retratadas en diversos contextos, a veces también promueven reflexiones sobre temas sociales apremiantes y metamorfosis culturales, actuando como espejos del presente y ventanas a visiones futuristas de la vida y la tecnología. Cada pieza, independientemente de los temas que aborda, se presenta como una oda a la elegancia, el refinamiento y la singularidad, lo que demuestra el compromiso constante de Xu Bin de dar forma a un arte que sea a la vez reflexivo y personal.
"Slow down V" ejemplifica el estilo distintivo del pintor: la composición, con sus colores vibrantes y oníricos, representa a una mujer tumbada en un acantilado, inmersa en un ambiente sereno y tranquilo. A su lado, un pájaro pensativo se posa como si escuchara atentamente sus palabras. La mujer y el pájaro parecen entablar un diálogo, creando una atmósfera íntima y contemplativa. Al fondo, un barco flota sobre el mar, completando la escena con una sensación de calma y quietud, casi como si el tiempo se hubiera detenido.
Pero, ¿qué podrían estar discutiendo la mujer y el pájaro? ¿Quizás el amor, dada la intimidad y la serenidad que impregnan la escena? No podemos saberlo con certeza, pero la atmósfera delicada y su comportamiento amable y reflexivo nos hacen pensar que, efectivamente, podría tratarse de amor.
Aoi Song, la rueda. Pintura de Ma Guo Dong
El dualismo de la imaginación: comparando a Bin Xu y Ma Guo Dong
La comparación entre "Slow down V" de Bin Xu y "Aoi Song, the wheel" de Ma Guo Dong resalta dos mundos artísticos únicos y distintos, donde ambos pintores dan forma a personajes extraídos de su imaginación. Mientras Bin Xu nos transporta a un universo onírico y paralelo, Ma Guo Dong parece narrar episodios que recuerdan a cuentos o “viñetas de cómic”. Además, aunque Ma Guo Dong, al igual que Bin Xu, utiliza colores vibrantes, persigue un enfoque más narrativo, concreto, dinámico, vivo y aventurero, destinado a tomar forma a través de la creación de una estética que combine el simbolismo cultural con el lenguaje visual contemporáneo.
Sin embargo, ambos artistas logran infundir significados profundos a sus creaciones, hasta el punto de que la comparación entre Bin Xu y Ma Guo Dong revela dos enfoques diferentes pero complementarios de la creación artística, donde la imaginación es el hilo conductor entre las experiencias visuales y las reflexiones sobre la realidad.
Por último, en cuanto a Ma Guo Dong, el pintor chino contemporáneo conocido por sus creaciones únicas y vibrantes, se graduó en el Departamento de Diseño Artístico de la Facultad de Medicina de Taishan, en la ciudad de Taian (China). A través de su estilo distintivo y referencias culturales chinas, explora temas de vida, luz y esperanza, impartiendo significados profundos y vitalidad a sus obras. Su arte, caracterizado también por la fusión e integración de elementos simbólicos, ha sido expuesto en diversas ocasiones y coleccionado por galerías y artistas de renombre internacional.
La rana(2016)Escultura de Dongbeom
ODA A LA GALARÍA (2022)Escultura de Zhao Yongchang
Temas animales en la escultura contemporánea: una comparación entre Dongbeom Lee y Zhao Yongchang
La tradición escultórica del este y sudeste asiático tiene profundas raíces y se ha desarrollado a lo largo de los siglos, manteniendo una fuerte conexión con el simbolismo y la espiritualidad. Hoy en día, esta herencia continúa influyendo en los artistas contemporáneos que combinan técnicas tradicionales con nuevas formas de expresión. Ejemplos emblemáticos de este tipo de arte son las obras de Dongbeom Lee y Zhao Yongchang: "La rana" y "Oda a la galantería". Ambas esculturas representan animales de maneras que reflejan las distintas visiones e influencias culturales de los artistas.
A partir de "La Rana" de Dongbeom Lee, la obra utiliza una figura geométrica con colores que recuerdan a Mondrian, concebida para "atrapar" y sostener en su interior a un animal, transformándolo en una escultura con base. La rana se coloca con la cabeza más baja que el cuerpo, como si hubiera sido "capturada" en el acto de sumergirse en un estanque. Esta disposición crea un fuerte vínculo con el soporte de piedra, sugiriendo una interacción dinámica entre la forma y el elemento natural-animal, provocando también una reflexión sobre el equilibrio entre lo artificial y lo natural.
Por otro lado, la escultura de Zhao Yongchang "Oda a la galantería" explora otro tipo de "entrelazamiento": el que existe entre el cuerpo de un niño y un caballo-dragón. En esta obra, el gran animal se somete a la figura humana, en alusión a cuentos mitológicos donde muchas veces la fuerza y el coraje de la bestia ceden ante la racionalidad y justicia de los humanos. La escena captura así un momento dinámico y poderoso, que refleja temas ancestrales de heroísmo y aventura.
Entonces se hace evidente cómo, en ambas obras, la elección de representar animales con la cabeza más baja que el cuerpo no sólo pretendía crear una conexión visual con el elemento ambiental de pertenencia sino también estimular una reflexión más profunda, destinada a hacernos cuestionar. el papel real de los seres vivos en el contexto en el que operan. Esto culmina en reflexiones destinadas a hacernos pensar de manera dualista sobre la oposición entre lo natural y lo artificial, la fuerza y la sabiduría, la libertad y el control.
NECESIDAD INCONDICIONADA DE ARMONÍA (2013)Pintura de Nomin
HIJA DE LA NOBLEZA CHINA (2023)Pintura de Huixi Yu
YU003 (2023)Pintando por colgar
Retratos femeninos: una comparación entre Mongolia y China
Para comparar a tres artistas asiáticos de Mongolia y China, elegí examinar su corpus de obras sobre temas femeninos, contrastando sus diferentes enfoques sobre el tema. Esta comparación arroja luz sobre las técnicas y visiones culturales distintivas de Nomin, Huixi Yu y Hang, y ofrece una visión rica y matizada de la representación de las mujeres en el arte contemporáneo.
Empezando por el artista mongol Nomin Bold, que utiliza una interpretación personal del surrealismo para representar un retrato femenino dual ("Necesidad incondicionada de armonía", 2013), probablemente con la intención de aludir al dualismo entre el bien y el mal. Las dos figuras, una roja con cuernos y otra azul con una aureola, están ricamente detalladas y decoradas con figuras fantasiosas, transmitiendo un sabor ligero, amigable y despreocupado. Es importante destacar que es la posición erguida y la simetría de los dos representados lo que irradia una sensación de equilibrio y armonía, a pesar del contraste resaltado entre sus naturalezas opuestas.
El artista chino Huixi Yu presenta una visión expresionista titulada "Hija de la nobleza china", que reproduce los rasgos de una mujer de la tradición pasada de su país. Esto se logra mediante una combinación de pinturas acrílicas, marcadores acrílicos y pintura al óleo, medios artísticos que también adoptan formas lineales peculiares, especialmente dispuestas alrededor del cuello y la cara del modelo, evocando la presencia de "filamentos de tela" similares. Por último, la figura de pie, retratada con una actitud de gracia y reserva, deja abierto a la interpretación del observador el carácter "minimalista" del entorno.
La obra de Hang "Yu003", también artista chino, adopta un enfoque "expresionista", donde la figura femenina se divide en campos de color, con la intención de crear un efecto de mosaico. Este tipo de representación, en parte afín al cubismo, sirve para reflejar el mundo interior del sujeto, representándolo con formas y colores capaces de evocar emociones y pensamientos ocultos. A diferencia de las otras dos obras, la mujer está representada acostada, en un ambiente interior bien definido. Este contraste de postura y contexto resalta un momento de mayor intimidad y vulnerabilidad, claramente destinado a ofrecer una visión más personal e introspectiva de la figura femenina.
Yo, yo (2022)Pintura de Jianxing Li
El realismo chino y el arte de Jianxing Li
La obra de Jianxing Li "I, me" es una representación cautivadora de dos niños sentados en sillas, vestidos con ropa deportiva, en un ambiente escolar. La pintura captura un momento de tranquila introspección, que se vuelve aún más intenso gracias al uso magistral del color realista y la composición meticulosamente detallada. Los rostros serios y pensativos de los niños exudan una profundidad de pensamiento que invita al espectador a reflexionar. La disposición simétrica de sus posturas, combinada con el ordenado entorno circundante, sugiere una sensación de armonía y tranquilidad. Jianxing Li utiliza tonos suaves y luz difusa para crear una atmósfera serena y contemplativa, casi como si el tiempo se hubiera detenido para permitir que estos jóvenes se sumergieran en sus pensamientos.
Pero ¿dónde se origina este cuidadoso acercamiento a la verosimilitud del tema pictórico? Para entender esto, debemos mirar la rica herencia del realismo chino, una tradición profundamente arraigada en la historia artística del país. Este estilo se caracteriza a menudo por una descripción detallada y precisa de la vida cotidiana y las experiencias humanas, que ha experimentado una gran popularidad y un desarrollo concreto en el siglo XX. De hecho, influenciados por los maestros europeos, los artistas chinos han desarrollado gradualmente un lenguaje visual único que combina elementos tradicionales con técnicas modernas, creando obras que reflejan fielmente la cultura y la sociedad contemporáneas.
Destacando algunos ejemplos famosos: el pintor Liu Xiaodong produce pinturas que capturan momentos de la vida cotidiana, a menudo explorando temas de cambio social y cultural; Chen Yifei es conocido por sus retratos y paisajes realistas, caracterizados por una gran atención al detalle y un uso magistral de la luz; y Wang Yidong, que se centra en temas rurales y tradicionales, utiliza un realismo detallado para explorar la belleza de la vida sencilla. Así, estos artistas, incluido el ya mencionado Jianxing Li, contribuyen a mantener vibrante y dinámico el realismo chino.
En la mitad de la vida4(2023)Pintura de Lu Shou Hui
ASIMETRÍA DE LA NATURALEZA (2022)Pintura de Shuren
Arte abstracto chino y mongol
El arte abstracto en China y Mongolia ha seguido caminos distintos, reflejando las diferentes tradiciones culturales e históricas de cada país. En China, el movimiento comenzó a desarrollarse seriamente en el siglo XX, a partir de las vanguardias europeas, aunque sus raíces se remontan a las técnicas de pintura con tinta de las dinastías Tang (618-907) y Song (960-1279). En Mongolia, sin embargo, la abstracción es un fenómeno más reciente, aunque la tradición artística del país, influenciada por el nomadismo y el budismo, siempre ha favorecido una representación simbólica y estilizada de la realidad. No fue hasta la década de 1990, con el fin del régimen comunista y la apertura de Mongolia al mundo, que los artistas mongoles comenzaron a experimentar con nuevas formas de expresión, incluida la abstracción.
Respecto a los pintores de Artmajeur, "En medio de la vida4" de Lu Shou Hui, parte de la serie "Edad Media", es una representación abstracta y simbólica de los desafíos de la mediana edad. De hecho, el artista explica que el proceso de creación del cuadro fue similar al de manipular un trozo de arcilla. En esta superficie, las manos dejan huellas profundas y permanentes, destinadas a simbolizar las fuerzas invisibles que moldean el paso del tiempo en la piel de una persona. De manera similar, las cicatrices y deformaciones de la arcilla también representan las ansiedades, el desamparo y el dolor que caracterizan la última fase de la vida.
En cuanto a la técnica, Lu Shou Hui utiliza herramientas de pintura tradicionales chinas, como el pincel y la tinta, que combina con elementos del expresionismo abstracto occidental, como las líneas del arco iris de la composición. Sin embargo, es imposible pasar por alto la presencia de agujas, que atraviesan las formas, metaforizando una vez más la ansiedad, la desesperación y el dolor que a menudo asedian a las personas de mediana edad.
"Asimetría de la naturaleza" de Shuren, por otro lado, representa un desnudo estilizado en una alineación simétrica con la naturaleza, donde el cuerpo humano femenino parece de alguna manera "diferente" o, para ser más precisos, abstracto. Shuren, una pintora mongol contemporánea, es conocida por su pasión por retratar mujeres, capturando la belleza y la profundidad de sus almas. Sus primeras obras a menudo representaban figuras femeninas rotundas, imbuidas de un sentido de fuerza, a pesar de sus ojos tristes y distantes.
Recientemente, sin embargo, el estilo de Shuren ha evolucionado hacia una visión de la vida más colorida y alegre, donde las mujeres transmiten un mensaje de resiliencia y belleza efímera, sugiriendo que, aunque puedan experimentar momentos de intensa agitación, la serenidad siempre regresará.
Es evidente que ambas obras exploran temas profundos mediante el uso de la abstracción, pero abordan puntos de vista y cuestiones bastante diferentes. Estos enfoques, aunque distintos, son complementarios, ya que reflejan diversos aspectos de la experiencia humana en la tierra.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur
