¡Elige tu expresión facial!

LAUGH FOR THE BEST (2021) Pintura de Val Escoubet.

Reflexiones intimistas...

Cuando pienso en mí, me imagino con un rostro inquieto y pensativo, expresión destinada a dar voz a mi mundo interior inexorablemente marcado por la búsqueda constante de la verdad y de la mejor forma, así como el intento perpetuo de vencer el tormento, mi mil dudas, inseguridades y miedos. Afortunadamente, también soy capaz de expresar otros mil sentidos movimientos de cuerpo y alma, aunque, tal vez como tú, creo que tengo una expresión facial predominante, que, resumiendo mi ser, es capaz de desnudarme de inmediato ante los demás. Mientras espero que reflexionéis sobre la cara con la que la mayor parte del tiempo salís de casa, introduciré el tema de forma general y aclaratoria, definiendo al alcance de la mano el significado de expresión facial, es decir, de esa serie. de movimientos o posiciones de los músculos bajo la piel de la cara, capaces de transmitir el estado emocional del individuo que estamos observando, mediante una comunicación no verbal clara, pero silenciosa. Es importante señalar cómo el ser humano, adepto a expresar emociones de forma voluntaria o involuntaria, es capaz de exteriorizar la verdad de su sentimiento, pero, al mismo tiempo, ocultarlo, ya que la evolución de la especie ha llevado al ser humano a tener sentimientos voluntarios. control sobre sus rostros, lo que les permite inhibir expresiones faciales auténticas para asumir, en cambio, una expresión que realmente no se siente. En este punto, mientras camuflo el puchero con una sonrisa, pienso en algo interesante para mí: los humanos pueden fingir su estado de ánimo, pero las obras de arte no tienen por qué hacerlo, ya que los artistas han elegido a sus sujetos como prestadores libres de sus sentimientos. . Llegados a este punto, siete expresiones faciales, como la de sonreír, reír, gritar, llorar y reflexionar, merecen ser exploradas a través del relato honesto de la historia del arte.

SONRISA (2022) Escultura de Segutoart.

El arte de sonreír y reír.

En el tema de la Sonrisa, más allá de la estrella de la Mona Lisa, es imperativo insistir en que, si bien es cierto que para transmitirla se diseñó una obra maestra que pretendía mostrar una expresión serena, nunca será revelada. para nosotros qué sentimientos animaban realmente a los modelos retratados. Tal ambigüedad, que sólo se desvanece en el tipo de retrato psicológico, nos deja en duda respecto a muchas obras de arte que, como el Retrato de un hombre de Antonello da Messina (1465-1476) y el Esclavo turco de Parmigianino (1532), muestran más o menos auténticas sonrisas En cuanto al primer cuadro, el protagonista del retrato está captado de cara a la derecha, mientras que su rostro está ligeramente vuelto hacia el frente del cuadro, posición que permite contemplar una sonrisa confiada, guiñando un ojo, colocada sobre una fisonomía madura, en la que un se ve un fino velo de barba. En cuanto a la identidad de la efigie, por su vestido adornado con un cuello blanco, muchos han pensado que se trataba de un marinero, aunque recientemente los historiadores han reconocido en ella los rasgos de Francesco Vitale da Noia, poderoso tutor y secretario de Fernando el Católico. y obispo de Cefalù (Sicilia), quien, dada su posición, reunía todas las condiciones para ser sorprendido en una carcajada "burlona" frente a quienes le deseaban el mal. Hablando en lugar de la obra maestra de Parmigianino, el título de la obra está vinculado a la presencia de un tocado particular interpretado por la mayoría como un turbante, mientras que, en realidad, la elegancia de la efigie fue simplemente realzada por un peinado típico de las mujeres nobles italianas del siglo XVI. . Incluso en este segundo caso, la efigie adquiere una risa traviesa, probablemente fomentada por la conciencia de su sensualidad, que, ciertamente dada por el atributo de dos grandes ojos verdes, se enriquecía con una preciosa túnica de seda azul con mangas abullonadas, rematada por un velo de rayas doradas y naranjas. Finalmente, la pose ligeramente sesgada probablemente capturó los rasgos de Giulia Gonzaga de Mantua o la poetisa Veronica Gambara.

GENERACIÓN ANDROGINA (2016) Dibujo de Lucian Szekely-Rafan.

HAPILY EVER SMILE (2022) Pintura de Vitalina Desbocada.

Volviendo al año 2016, enriquezcamos la narrativa del pasado con la de la historia del arte contemporáneo, en la que la sonrisa de la Generación andrógina dibujada por el artista de Artmajeur Lucian Szekely-Rafan se debe, no a la destreza física o la facilidad económica del personaje retratado, sino a su conciencia más profunda, que, legítima hija de la emancipación de nuestro siglo, es capaz de ser capaz de distanciarse de las etiquetas asociadas al género o al origen de las personas, para aceptar la riqueza de los múltiples matices del ser humano , potenciando su capacidad para aceptarlos, vivirlos y comprenderlos en su plenitud. Para pasar de la sonrisa tímida y con la boca cerrada a la risa más descarada, es necesario mencionar una obra, encaminada a manifestar un concepto a medio camino entre las dos expresiones exteriores felices, concretado a través de una expresión de satisfacción, que, silenciosamente concebida para agregar la exhibición "vistosa" de los más o menos treinta y dos dientes humanos, se hizo explícito en el Amor vincit omnia de Cupido de Caravaggio (1602-1603). Este último cuadro, una de las obras más famosas del maestro italiano, representa el amor vencido al capturar la imagen del modelo Francesco Boneri, alumno y probablemente amante del artista. Es precisamente esta última hipotética relación la que justificaría el erotismo y la sonrisa traviesa de Cupido, figura que parece invitar al espectador a unirse a él en el lienzo para ofrecerle una demostración concreta de todo el poder del amor. Tal acusación sensual ha sido incluso interpretada como una suerte de declaración de la homosexualidad de Merisi, encaminada a demostrar, de hecho, la libertad de expresión de la época, que se encuentra, en este caso particular, en la personalidad del comisario de la obra, a saber, el marqués Vincenzo Giustiniani, banquero, coleccionista de arte e intelectual italiano, conocido precisamente por su importante colección de pinturas de Caravaggio. Pasando a la risa propiamente dicha, es imposible no pensar en Rembrandt riendo (1628), obra concebida para dar voz a los intereses del maestro holandés del mismo nombre, quien quedó sumamente fascinado por la rica expresividad humana, tanto que utilizó, en múltiples ocasiones, a sí mismo como objeto de investigación emocional. Siempre en relación con la pintura de 1628, muestra al pintor bajo la apariencia de un soldado relajado que, estallando en carcajadas, engancha al espectador, que no sabe si el artista se ríe con él o de él. Dejando a un lado la "burla ambigua" de Rembrandt, podemos imaginar al pintor a principios de la década de 2000, quien, luchando con un incipiente Facebook, decide, en lugar de consumir sus adorados tonos, hacer una publicación con un emoji riendo, actualizando su estado de ánimo con el término felicissimo. , felice, pieno di gioia, etc., con el fin de analizar las expresiones humanas también desde un punto de vista social, es decir, contando ávidamente los likes bajo su despreocupada publicación. Si bien lo más probable es que un gran talento hubiera sido aplastado por la mediocridad del lenguaje de las redes sociales, otros artistas contemporáneos encuentran en los modos de expresión de este último una gran fuente de inspiración, tal como lo demuestra el emoji realizado por la artista de Artmajeur Vitalina Desbocada, cuyo trabajo celebró tales símbolos pictográficos en variantes múltiples, precisas e "hiperrealistas".

SCREAM 15/22 (2022) Pintura de Ilgvars Zalans.

Los gritos del arte

La historia del arte nos enseña una de sus muchas lecciones valiosas cuando tratamos de buscar en ella obras destinadas a inmortalizar sujetos que gritan. En efecto, antes de finales del siglo XIX, es decir, del icónico Grito de Munch (1893-1910), parece bastante laborioso encontrar ejemplos de la culminación de la expresión dramática provocada por un acontecimiento interno, es decir, de carácter introspectivo y psicológico. , más que relacionado con una clara manifestación histórica, mitológica, religiosa, etc. Arquetípicos de lo que se acaba de decir son Il compianto sul Cristo morto (1463-1490) de Niccolò dell'Arca, Studio di volti per la Battaglia di Anghiari (1504 - 1505) de Leonardo da Vinci y L'Anima dannata (1525) de Miguel Ángel, todos obras cuya desgracia se originó externamente en el cuerpo y la mente de las efigies. Hablando de la primera obra maestra italiana, ese grupo escultórico compuesto por siete figuras de terracota, conservado en la iglesia de Santa Maria della Vita de Bolonia, representa, en el centro, a Cristo muerto, cuya figura, yaciendo con la cabeza reclinada sobre una almohada, está rodeada de otras figuras, entre las que destaca el grito desgarrado de María Magdalena, sentimiento que también parece tener eco en la furiosa fuerza del viento que agita nerviosamente sus propias vestiduras. Si en este caso fue la muerte de Jesús lo que conmovió las almas, en el mencionado Grito de Munch la causa del estallido emocional de la efigie fue simplemente su fuerte sentimiento, es decir, la sensibilidad que lo llevó a la percepción de los gritos de una naturaleza. , rodeada de una atmósfera rojiza salpicada de nubes cargadas de sangre. Esta última aproximación intimista al arte, así como al arte de gritar, se vuelve a proponer en la pintura titulada Scream 15/22 del artista de Artmajeur Ilgvars Zalans, quien ha creado una "versión contemporánea" de la obra del maestro noruego, en la que la perspectiva El encuadre se centra exclusivamente en el sujeto que grita, el cual, privado de su fondo, resuena en nuestro imaginario con mayor fuerza y tiempo de repetición.

LA LLAMADA (2022) Pintura de Jamie Lee.

Duda, reflexión y llanto...

A menudo, antes de estallar en un llanto dramático, ya sea silencioso y solitario o descarado y ruidoso, nos hemos tomado un momento de pura y muda reflexión, durante el cual hemos calculado, dentro de la maquinaria de nuestro cerebro, qué dramas y consecuencias son realmente atribuibles a una determinada situación o evento, ya sea real, fantástico o visionario, que nos parecía cercano, inminente, peligroso y amenazante. Pensando en personajes reflexivos del arte, además del conocido Pensador de Rodin, me vienen a la mente las expresiones absortas, más o menos dramáticas, del protagonista de El bar del Folies Bergere y los retratos alcohólicos más desafortunados de El bebedor de absenta de Picasso. (1901), El bebedor de ajenjo de Manet (1858-1859), Bebiendo ajenjo de Jean-François Raffaelli (1881), etc. Tras esta breve reseña, en la que múltiples trabajos han relacionado esta última bebida con la más reflexiva, y quizás incluso algo deprimida estado de ánimo, es posible imaginarse mirando una botella de absenta como si tuviéramos los ojos de los citados "borrachos", es decir, a través de la contemplación de la Absenta distorsionada por favor del artista Artmajeur Serhii Voichenko, cuya intención es tal vez nos hacen reflexionar sobre cómo, muy a menudo, los estados más trágicos de nuestra mente van inexorablemente acompañados por los nefastos excesos del alcohol. La narración continúa, esta vez en total sobriedad, mostrando una de las consecuencias más extremas del estado de reflexión: el llanto. Estos últimos, dentro de la narrativa de la historia del arte, se vincularon inicialmente a hechos predominantemente históricos, religiosos, mitológicos, etc., y, posteriormente, a hechos más bien personales. Respecto a esto último, es imposible no pensar en el arrebato inmortalizado por Lichtenstein en La niña que llora (1963), una litografía que, realizada al estilo de las tiras cómicas, pretendía narrar, junto a otras del mismo maestro, el drama de las mujeres enredadas en relaciones amorosas tóxicas, en las que domina una figura masculina autoritaria, provocando su infelicidad. Sin embargo, si el motivo de las lágrimas de la niña no se hace explícito en Niña llorando, es claramente visible en la obra relacionada del artista de Artmajeur Jamie Lee, que, titulada La llamada, muestra cómo la causa del sufrimiento es atribuible a la persona. hablando en el otro extremo del receptor.