El oro en las obras de arte

La técnica de pintura "Fondo oro"

El oro ha sido protagonista de muchas obras maestras en la historia del arte, creadas a través de la técnica pictórica del "Fondo oro", que, difundida inicialmente en los mosaicos paleocristianos, fue utilizada posteriormente en la producción de pinturas sobre madera, miniaturas y mosaicos. del periodo bizantino. Esta técnica, perfectamente descrita en el tratado de alrededor de 1400 de Cennino Cennini, titulado "Libro dell'arte", se basa en la producción de pequeñas y finas hojas de oro, que los artesanos especializados de la Edad Media realizaban martillando las monedas. , para obtener láminas muy finas de metal. Posteriormente, se preparaba la superficie de la obra, que había quedado lista para recibir el pan de oro, extendiendo una capa de "bolo", una arcilla rojiza disuelta en agua y clara de huevo. Luego, para fijar el oro al soporte de la pintura se utilizaban mordientes a base de agua, como clara de huevo, miel, goma y jugos vegetales. Cabe señalar que, durante la realización de esta técnica, se aplicaba el pan de oro en rectángulos, que, posteriormente trasladados a un pincel, se aplicaban sobre la superficie mediante la presión de las cerdas. Finalmente, el oro se trituraba y pulía sobre el soporte con el bruñidor, un cepillo especial fabricado con piedra de ágata aplanado en la punta.

Procesión de Teodora , siglo VI. Mosaico, Rávena: basílica de San Vitale.

Rávena y el arte bizantino

Una obra maestra que se distingue por su fondo dorado es el magnífico mosaico bizantino titulado Procesión de Teodora , que, conservado en la Basílica de San Vitale en Rávena, Italia, data de alrededor de 520-547. Esta obra representa a la emperatriz Teodora, que, situada en el centro del mosaico, está flanqueada a la derecha por dos figuras masculinas ya la izquierda por siete figuras femeninas superpuestas. Dentro de este grupo de personas, solo Theodora y las figuras más cercanas a ella están orientadas frontalmente al plano del mosaico, mientras que los demás protagonistas están ligeramente alejados de él. En cuanto a la vestimenta, las mujeres de la procesión visten ropas muy ricas y los hombres, probablemente dos dignatarios, visten una túnica con un tablión clámide encima. La emperatriz, en cambio, que se representa con una túnica blanca ribeteada en oro, cubierta por una clámide morada, luce vistosas joyas y un tocado muy elaborado. En cuanto a la forma de representar a los personajes, sus cuerpos son mayoritariamente asimétricos y quedan inmortalizados en poses rígidamente frontales y estilizadas. Además, la ausencia de claroscuros y las marcadas líneas de contorno dan vida a figuras bidimensionales, desprovistas de plasticidad. Además, en cuanto a la forma de representar a los personajes, cabe señalar que la figura de Teodora es de mayor tamaño que las demás, siguiendo las leyes de la perspectiva jerárquica, que va ligada a un tipo de representación simbólica, donde el linaje de los personajes están resaltados. Finalmente, en cuanto al fondo de la obra, este último, dorado y bidimensional, envuelve a los protagonistas de la escena, quienes tienen los pies apoyados sobre una “alfombra” verde. Además, en el entorno también hay una pequeña fuente, una hornacina cubierta por un pequeño ábside en forma de concha y, en la parte superior a la derecha, un paño de rayas. Volviendo al color dorado del fondo, este alude a la espiritualidad, mientras que el púrpura de la clámide de Teodora representa el poder conferido a los emperadores. De hecho, este mosaico, que muy probablemente no representa un hecho real, debe considerarse una obra de propaganda política.

Duccio di Buoninsegna, Majestad de la Catedral de Siena , 1308-11. Témpera sobre tabla, 214 x 412 cm Siena: Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.

Cimabue, Majestad de la Santísima Trinidad , 1290-1300. Temple sobre tabla, 384 x 223 cm. Florencia: Galería Uffizi.

Giotto, Reunión en el Golden Gate , 1303-1305. Fresco, 200 × 185 cm. Padua: Capilla Scrovegni.

Gustav Klimt, Judith , 1901. Óleo sobre lienzo, 84 × 42 cm. Viena: Österreichische Galerie Belvedere.

El fondo dorado de la Edad Media sobre...

Las obras maestras italianas desde la Edad Media hasta principios del Renacimiento se distinguieron por el uso de la técnica del "Fondo oro", que estaba vinculada a un valor simbólico preciso, destinado a aludir a la esfera celestial inalcanzable y sagrada. Ejemplo de lo dicho son las obras de dos pintores toscanos, como la Majestad de la Catedral de Siena de Duccio di Buoninsegna y la Majestad de la Santísima Trinidad de Cimabue. Posteriormente, con el aporte de la investigación artística de Giotto, el fondo dorado y los esquemas bizantinos fueron parcialmente abandonados y la pintura volvió a representar el mundo y, sobre todo, el cielo. De hecho, a partir del siglo XIV, los fondos arquitectónicos y paisajísticos comenzaron a dominar paulatinamente, reduciéndose paulatinamente el porcentaje de la tabla decorada en oro. En el Renacimiento se afirma definitivamente la conciencia de la importancia de los fondos realistas, tanto que la técnica del Fondo Dorado empieza a perder popularidad. A pesar de ello, la técnica nunca desapareció por completo, manteniéndose en uso incluso en el siglo XVI y afianzándose más en las zonas de influencia de la religión ortodoxa, donde se difundió el culto a los iconos. En los tiempos modernos, el fondo dorado ha sido utilizado por muchos artistas, entre los cuales, el más famoso es, sin duda, Gustav Klimt.

Alena Masterkova, Icono de nuestra señora de la ternura , 2007. Mosaico sobre madera, 82 x 62 cm.

Alena Masterkova: Icono de nuestra señora de la ternura

El color dorado, utilizado para fondos o detalles, también caracteriza muchas obras creadas por los artistas de Artmajeur, quienes, en ocasiones, se inspiraron en las grandes obras maestras de la historia del arte, mientras que, en otros casos, utilizaron de forma innovadora esta preciosa y luminosa tonalidad. . Un mosaico que, que se distingue por el uso de esmaltes dorados, probablemente se inspiró en las madonas con niños de los iconos ortodoxos, fue realizado por la artista rusa Alena Masterkova. En este sentido, cabe destacar cómo los iconos, que se popularizaron en Rusia hacia el año 988, se difundieron bajo la influencia del arte bizantino, convirtiéndose en una auténtica escuela del género. La iconografía de este período siguió fielmente las reglas y géneros aceptados por el arte bizantino, mientras que a partir del siglo XVII, influida por las pinturas y grabados de la Europa católica y protestante, comenzó a distinguirse por una representación menos bidimensional y estática, pero más naturalista y tridimensional. La obra de Masterkova, remite claramente a la tradición bizantina, ya que se caracteriza por figuras hieráticas y bidimensionales, que, enmarcadas clásicamente, emanan una intensa energía espiritual.

Danco, Alegoría a Gustav Klimt I , 2020. Óleo sobre lienzo de lino, 70 x 50 cm.

Danco: Alegoría a Gustav Klimt I

La obra de Danco, artista de Artmajeur, representa un homenaje más a la historia del arte, ya que representa una reinterpretación moderna y muy original de la Judith de Gustave Klimt. De hecho, como en la obra del maestro austriaco, el rostro de la niña pintado por Danco está enmarcado por una espesa cabellera de voluminosa cabellera negra, que, sin embargo, en este caso, han sido decoradas con diseños dorados. Además, mientras que en el fondo de Klimt triunfan el oro y el negro, que juntos forman unos árboles frutales, en la obra del artista de Artmajeur encontramos una decoración abstracta en la que priman el bronce, realizado mediante el uso de hojas, y el rojo. Dentro de las dos pinturas, se pueden encontrar otros detalles preciosos en el collar y el vestido, que en la obra de Danco no deja entrever ninguna desnudez. Además, el cuadro del artista Artmajeur también carece de la cabeza de Holofernes, por lo que el cuadro deja de contar la historia popular de Judit, quien, como símbolo de la fuerza femenina y el espíritu de sacrificio, ha sido retratada en muchas obras maestras. Como resultado, el trabajo de Danco se convierte en una mera celebración de la belleza femenina moderna bañada por los reflejos del bronce. Finalmente, a pesar de todas estas diferencias, en ambos cuadros la protagonista se convierte en símbolo de una sensual figura femenina, mirando decididamente de frente, hacia el espectador, con una expresión casi de desafío.

Kamil Zaitz, Mente de oro , 2021. Acero inoxidable, Metales y Alambre, 40 x 17 x 17 cm.

Kamil Zaitz: Mente de oro

El cráneo, el tema de la obra de arte realizada por el artista de Artmajeur, Zaitz, a menudo se ha representado en las obras maestras más famosas de la historia del arte como símbolo de vanitas. La expresión latina vanitas vanitatum , derivada de vanus y que significa transitorio, indica en la pintura un tipo de naturaleza muerta caracterizada por la presencia de objetos, que son indicadores simbólicos de la precariedad de la existencia, la inexorabilidad del paso del tiempo y la naturaleza efímera de la vida. Bienes mundanos. Esta iconografía, de intención moralizante, se desarrolló durante la Edad Media, cuando la Iglesia había lanzado una severa advertencia, recordando cómo las riquezas acumuladas en la tierra, desprovistas de valor, conducían a la perdición. En consecuencia, para persuadir a los pecadores a la redención, los eclesiásticos habían instado a la representación pictórica de bienes suntuarios, acompañados de objetos que aludieran a la muerte. La obra de Zaitz representa, muy probablemente, esta tradición figurativa de una manera muy personal e innovadora, realizando la calavera, que es el símbolo de la vanitas por excelencia, en acero de color dorado, una tonalidad indisolublemente ligada a la eterna e inalcanzable esfera sagrada celeste. En consecuencia, la escultura del artista de Artmajeur parece ser un verdadero oxímoron, en el que se unen la vida y la muerte eternas.