El busto: comparando historias

Mahé, A las horas en que los cuerpos son atravesados por la luz , 2022. Óleo sobre lienzo, 40 x 40 cm.

Bustos: arte romano y Modigliani comparados

Para comprender las peculiaridades del busto, género representativo predominantemente escultórico, pero también pictórico y fotográfico, se propone una aproximación directa al tema, encaminada a involucrar al lector en el análisis de un ejemplo concreto de la citada tipología de retrato. extremadamente eficaz, así como más estimulante y atractivo. Por lo tanto, traigo como ejemplo una obra maestra muy conocida conservada en los Museos Capitolinos de la "Ciudad Eterna", a saber, el Bruto Capitolino, un busto de bronce con ojos de marfil y pasta de vidrio que, descubierto en Roma durante el siglo XVI, ya estaba en ese momento identificado como la representación de Lucius Junius Brutus, el mítico fundador de la República Romana, así como el antepasado de Marcus Junius Brutus, es decir, el asesino de Julio César. Según las fuentes más fiables, esta escultura fue legada a la capital de Italia por Rodolfo Pio da Carpi, un erudito y coleccionista italiano que había acumulado una rica colección de artefactos antiguos en el siglo XVI. Más tarde, el Capitolino Brutus partió de Roma hacia la Ville Lumière, ciudad a la que llegó durante la campaña napoleónica de finales del siglo XVIII, un período en el que el general Bonaparte utilizó los significados culturales y políticos asociados con el arte romano antiguo para reforzar su imagen como líder europeo. . De hecho, la misma escultura mencionada formó parte del desfile triunfal de París, evento organizado por Napoleón tras su invasión del norte de Italia, durante el cual se exhibían los botines de arte al son de una canción que expresaba conceptos decididamente imperialistas como "Roma ya no es Roma. Ahora está en París". Afortunadamente, la obra fue devuelta a Roma hacia 1814, es decir, tras la derrota de Napoleón y la prodigiosa intervención de Antonio Canova, uno de los más célebres artistas italianos de la época, a quien el Papa Pío VII invistió con la tarea de recuperar las obras maestras saqueadas en los centros culturales de los Estados Pontificios.

Bruto capitolino (busto con adiciones), c. 300-275 a.C. Bronce. Roma: Museos Capitolinos.

Amedeo Modigliani, Busto de mujer joven , 1911. Óleo sobre lienzo, 55 x 38 cm.

Volviendo al busto, la representación realista del personaje indica, además de un preciso refinamiento fisonómico, un fuerte deseo de expresar las connotaciones psicológicas de la efigie, como la seriedad y la tensión típica del patricio romano. Además, es precisamente este interés por la representación más minuciosa del dato real, acompañado de una gran atención al detalle, lo que relaciona decisivamente la obra maestra con el retrato helenístico de principios del siglo III a. Por lo tanto, el Bruto Capitolino podría datar de este último período, una época de gran expansión cultural y política en la historia romana. El género del busto, sin embargo, no terminó con el arte antiguo, tanto que es posible comparar, aunque sea un tanto atrevido, el estilo realista romano y el equilibrio compositivo con un punto de vista sumamente personal, alargado y estilizado, a saber, que de Amedeo Modigliani, florido intérprete del citado tipo de retrato, que analizó en obras maestras como Busto rojo (1913), Busto de mujer (c. 1906-19), Busto de mujer desnuda (1907) y Busto de una mujer joven (1911). En cuanto a este último cuadro, lo más probable es que la obra represente un intenso retrato de la poetisa rusa Anna Achmatova, esposa del literato Nikolai Stepanovič Gumilëv y gran amiga del pintor de Leghorn, quien la retrató en varias ocasiones. En cuanto al estilo del busto, la figura retratada, a diferencia de la de Brutus, se presenta mediante un interesante entrelazado geométrico, representado por la superposición del cuello cilíndrico sobre la cabeza ovalada, rematada por un peinado que recuerda mucho al mundo antiguo. Además, el modo de ejecución de los ojos, disimulados por la extensión de un tono oscuro, insinúa un rasgo distintivo de la investigación anatómica de Modigliani, destinado a aludir a su negativa a pintar las pupilas de personajes cuyas almas el artista desconocía. En consecuencia, el tema de la "ceguera" separa el mundo antiguo del moderno, en el que el hombre, al darse cuenta de su propia complejidad, también puede negarse a concebir la representación realista como una explicación exhaustiva de su ser.

Tetiana Bogdanova, Tortitas de arándanos , 2020. Óleo sobre lienzo, 60 x 40 cm.

Bogdan Dide, Luna , 2022. Acrílico/oleo sobre lienzo de lino, 92 x 73 cm.

El género del busto: algunas nociones

Pasando finalmente a las definiciones más clásicas, el busto es una representación escultórica, pictórica o fotográfica de la parte superior de la figura humana, destinada a reproducir la cabeza y el cuello, pero también el pecho, los hombros y, en casos más raros, las manos y brazos. En particular, cuando la parte superior del pecho también se incluye en la obra, se denomina específicamente medio busto, mientras que si la escultura incluye solo la cabeza, se denomina cabeza. Aunque el busto tiene su origen en la Grecia helenística y alcanzó su mayor popularidad en el mundo romano antiguo, ha sufrido variaciones interpretativas a lo largo de los siglos, re-presentándose incluso en la época contemporánea, época en la que, gracias a las más modernas tecnologías, se ha también tomó forma en una versión 3-D. El culto moderno de los bustos también se puede encontrar en la rica colección de obras escultóricas de Artmajeur, ejemplificada por la investigación artística de Katerina Pilnikova, Priscilla Vettese y Cécile Duchêne Malissin.

Katerina Pilnikova, Overjoyed ceramic , 2018. Escultura de cerámica, 26 x 21 x 10 / 2,50 kg.

Katerina Pilnikova: Cerámica encantada

Refiriéndose a las palabras de Pilnikova, Overjoyed ceramic representa a un joven en estado de euforia, frase que nos remite obligatoriamente al principio expuesto por un controvertido artista contemporáneo, a saber, Jeff Koons, quien sostiene con firmeza que el verdadero valor del arte es "emocional". más que monetaria, es decir, inherente a esa capacidad de transmitir un sano optimismo. Ciertamente, el trabajo gozoso del artista de Artmajeur cumple con ese requisito que, ligado indeleblemente al mensaje positivo que transmite la actitud del protagonista, podría atribuirse al mismo sentimiento destinado a animar Bourgeois Bust , una escultura neopop del citado Koons. De hecho, el último busto de 1991, que representa al mismo artista en compañía de su ex esposa Ilona Staller, fue creado por el maestro para la exposición Made in Heaven, un evento que exploró el concepto de amor, un sentimiento a menudo responsable de la más altos estados de euforia. Por tanto, es posible imaginar la efigie de la cerámica Overjoyed como una veterana de un encuentro amoroso al estilo del Busto Burgués , es decir, cargada de tal tensión erótica que deja huellas en retrospectiva, permitiendo experimentar esa alegría y satisfacción, que muchas veces sólo el enamoramiento otorga a la humanidad.

Priscilla Vettese, Escultura de Diana Pop , 2022. Escultura, pintura en spray / acrílico / rotulador / stencil / resina sobre otro soporte, 30 x 16 x 11 cm / 3000,00 g.

Priscilla Vettese : Escultura de Diana Pop

La obra Pop de Priscilla Vettese representa una reinterpretación inédita y original, realizada en "formato" de busto, de la icónica escultura del Louvre titulada Diana de Versalles , una copia romana en mármol del siglo I-II d.C., ejecutada a partir de un original griego en bronce atribuido a Leocare (c. 325 a. C.). Esa obra maestra de mármol, probablemente descubierta en Tivoli, Italia, se encuentra ahora en el museo de París, ya que fue donada por el Papa Pablo IV al rey Enrique II de Francia en 1556. Este último exhibió la obra inicialmente en el castillo de Fontainebleau y luego en el Louvre, museo al que volvió el mármol tras un breve interludio en el Palacio de Versalles, lugar del que probablemente heredó parte de su nombre. En cuanto a la descripción de la escultura, La Diana de Versalles representa a la diosa de la caza de pie, mirando ferozmente a la derecha, concentrada en observar la flecha extraída de su carcaj, mientras con la mano izquierda sostiene un arco ya incompleto colocado sobre un corzo inmortalizado en el acto. de correr Frente a esta imagen fuertemente narrativa, la obra del artista Artmajeur resulta más concisa e inmediata, pues persigue el objetivo de transformar la obra maestra en una suerte de celebridad mediática, teniendo como conformación figurativa un formato más fácilmente reproducible, multiplicado y, en consecuencia, comercializable y "venerable" por las masas.

Cécile Duchêne Malissin, Fragile Souvenir XI , 2022. Acrílico sobre lienzo, 65 x 54 cm.

Cécile Duchêne Malissin: Recuerdo frágil XI

Fragile Souvenir XI es un retrato que pretende sintetizar un caso límite del género del torso porque, además de retratar las manos y los brazos, deja entrever partes de las caderas, que, sin embargo, quedan hábilmente ocultas por la floreciente vegetación. La estrecha relación entre el protagonista de la obra y la naturaleza, representada como una especie de fusión entre las dos esencias, recuerda una obra maestra en la que se realiza la misma simbiosis, a saber, Vertumno (1590) de Giuseppe Arcimboldo. Hablando de la pintura italiana, Arcimboldo creó la obra cuando regresó a su Milán natal, es decir, después de pasar unos buenos veinticinco años en la corte de los Habsburgo. A pesar de este movimiento, el artista se mantuvo al servicio de Rodolfo II, a quien representó precisamente bajo la apariencia de Vertumno, un dios de las estaciones destinado a reunir las frutas y verduras de todas las épocas del año, previamente recogidas en las obras de Las cuatro estaciones . Precisamente en consonancia con el estilo de estos últimos: la nariz de Rodolfo II está convertida en una pera, las mejillas son dos enormes melocotones y el cabello es una mezcla de frutas y espigas doradas. Finalmente, tal obra, al igual que Verano, Otoño, Invierno y Primavera , persigue la intención de celebrar el poder de la casa de los Habsburgo, representando su dominio no solo sobre las familias rivales, sino sobre toda la creación, incluidas las frutas y verduras. En consecuencia, la obra del artista Artmajer también podría aludir a la soberanía ejercida por el hombre sobre la naturaleza, representada en el extremo inferior del cuerpo de la efigie.