¡Felices vacaciones!

Estamos a principios de agosto y las ciudades por fin se vacían, la gente se despide y aplaza la charla hasta septiembre, cuando el hormigón urbano dejará de burbujear como el asfalto, dejando que continúe todo lo que ha sido interrumpido por la llegada de las vacaciones inminentes, tan necesarias y tan deseadas. Durante nuestras estancias en el extranjero, o en cualquier lugar de vacaciones más o menos próximo, pensaremos, mientras nos relajamos un poco, en lo que momentáneamente hemos dejado en nuestro lugar de pertenencia, sobre todo si la llegada de las vacaciones ha interrumpido el desarrollo de alguna situación, que era particularmente cercana a nuestro corazón, congelándolo en un futuro hipotético, próspero y esperanzador. ..¡Mirad! Esta es la forma en que generalmente percibimos el viaje entre nosotros, los pobres mortales comunes, lo que me hace preguntarme, llegados a este punto, cómo, por otro lado, lo experimentaron los más grandes "dioses" de la historia del arte, cuestión que Puedo responder con tres variantes posibles, que ilustraré a través de la construcción de una narrativa figurativa. De hecho, los artistas, que solían desplazarse para estudiar pintura, entrando en contacto con otros maestros, movimientos o corrientes, realidades culturales y paisajes, podían seguir un itinerario muy concreto, como el impuesto del Grand Tour, o trasladarse libremente, concentrándose en capturar, tanto a otros viajeros como a los lugares que fueron objeto de sus traslados.

COMPARTIMENT VOYAGEURS (2020)Grabado por Nathalied.

" VIAJE " (2020) Fotografía de Emmanuel Passeleu.

El concepto de Grant Tour aparece explicado pictóricamente por la obra maestra de Emil Brack titulada, precisamente, Planning the Grand Tour, dentro de la cual dos personajes, siguiendo la tradición, se esfuerzan por estudiar un mapa de Italia para planificar su viaje cultural hacia el destinos más populares de Roma, Venecia, Nápoles y Florencia. Precisamente estos últimos destinos fueron los más populares para este tipo de viajes que, generalizados a partir del siglo XVIII, estaban destinados a perfeccionar tanto los conocimientos como las habilidades artísticas, dirigiendo la atención hacia los grandes centros de la arquitectura clásica, renacentista y barroca. , escultura y pintura, para visitar también algunas de las pocas instituciones del circuito Grand Tour como la Galería de los Uffizi, inaugurada en 1765, y los Museos Vaticanos, fechados entre 1769 y 1774. Es posible ubicar junto a este tipo de viaje más tradicional e histórico, viajes dictados por la necesidad práctica, así como por intereses puramente personales, tal como la investigación artística de Augustus Leopold Egg, un artista británico de la época victoriana que, en busca de alivio del asma, visitó con frecuencia el sur de Inglaterra y Francia, capturando la imagen icónica representada por una de sus obras maestras más conocidas, a saber, The Travelling Companions (1862), una pintura destinada a representar a dos mujeres elegantes que, sentadas una frente a la otra otros dentro de un vagón de primera clase, toman la apariencia de una visión de espejo. La simetría de las efigies se refleja en los rasgos del carruaje, aunque estas similitudes dejan de existir por la observación atenta de ciertos detalles, como, por ejemplo, el hecho de que una mujer está absorta en la lectura, mientras que la otra se pierde en la lectura. dormir. Siempre en el tema de los viajes en tren, es imposible no pensar en El vagón de tercera clase de Honoré Daumier, en el que el tema del viaje se vuelve funcional a otro tipo de narrativa, que, preocupada puramente por lo social, pinta la vida de trabajadores de las metrópolis industriales emergentes. Es precisamente este contexto, que no se celebra en sus innovaciones tecnológicas sino que se exalta en las penurias de los viajeros menos pudientes, el que expresa un punto de vista marcadamente opuesto a las imágenes predominantes de la época, generalmente dirigidas a promover lo naciente y moderno. medios de transporte como símbolo de progreso beneficioso. En este punto es bueno resaltar cómo los artistas, sin embargo, no solo se movían para captar a otros viajeros, sino también para contarnos sus lugares de destino, permitiéndonos movernos sin billete, a través de una narrativa figurativa compuesta por una sucesión de pinceladas. , que, en el caso de Vista de Arles, Huertos en flor (1889) de Vincent van Gogh, coinciden en describir la vista de la ciudad francesa del mismo nombre atrapada por un canal, cuya orilla, llena de álamos, domina el centro de la ciudad, del que podemos vislumbrar las torres de San Trófimo, el Colegio de San Carlos y el Cuartel de Calvino. Para visitar Toledo, sin embargo, podemos referirnos a la obra de El Greco titulada Vista de Toledo (1596-1600), que representa un paisaje con tonos bastante oscuros y vibrantes de azules, negros, blancos y verdes, en el que se realiza el contraste más evidente. entre los destellos brillantes del cielo y la seriedad de la tierra, con el objetivo de contar los estados de ánimo de la ciudad, en la que el pintor vivió y trabajó durante la mayor parte de su vida, describiéndola de manera emblemática más que documental. Finalmente, dejaremos a los viajes ingleses de Monet la tarea de describir una de las atracciones más famosas de la ciudad de Londres, a saber, el Parlamento, hábilmente captado por la serie homónima de obras ejecutadas entre el otoño de 1899 y los primeros meses de 1900 y 1901, en el que el Palacio de Westminster, captado desde el punto de vista de la ventana de Monet o desde una terraza del St Thomas' Hospital, a menudo se capta sumergido en la niebla con un perfil apenas intuible. Después de estos grandes maestros de la historia del arte, la historia de la "pintura sobre la marcha" continúa a través del análisis de algunas obras creadas por los artistas de Artmajeur, a saber, las de Pavel Korzukhin, Svetlana Lebedeva y Natalia Shchipakina.

Amuleto de viaje de Pavel Korzukhin

Si las pinturas de la mayoría de los movimientos y corrientes artísticas nos han hecho viajar aprovechando los medios de transporte más comunes para llegar a destinos reales, o al menos de fácil acceso, es tarea del Surrealismo abandonar este enfoque de las salidas, para llevarnos, como en el caso de Travel amulet, a las capas superiores poco exploradas de la atmósfera, desplazándonos en un nada convencional barco-mongol con forma de concha marina. Este último envoltorio protector, generalmente atrapado en la arena del mar, finalmente ha podido despojarse de su peso, así como de su hábitat terrestre, llegando a desvincularse de todas las formas de normalización que se le atribuyen, para tomar parte en la narrativa pictórica de un personaje onírico, en el que una barca retiene inútilmente uno de sus remos. En efecto, este último ahora es conducido, más que por las corrientes marinas, por una brisa ligera e imperceptible, que permite a la concha observar de arriba hacia abajo una luna creciente, destinada a tomar la forma de una sonrisa, tal vez estimulada por ese sentimiento de libertad atribuible al mundo de los sueños y la imaginación, que se manifiesta bien en el Surrealismo. Refiriéndose en cambio a las palabras de Pavel Korzukhin, la obra manifiesta una composición lírica, con el propósito de dar forma al tema de las andanzas marinas, destinadas, como es habitual en el arte del pintor, a exteriorizar las paradojas de la vida moderna, explicándolas a través de las formas estéticas y técnicas de un cuadro, en el que el total eclecticismo estilístico y la mezcla mutuamente excluyente de imágenes son corregidos por la visión armoniosa del autor.

VIAJE (2020) Pintura de Svetlana Lebedeva.

Viajes de Svetlana Lebedeva

¿Qué hace que la pintura de Lebedeva sea innovadora? La forma en que se capta un avión, tema que probablemente fue observado por la artista, en el momento en que quizás ella misma estaba sentada en su interior, donde, desde la ventana, podía estudiar su ala, que estaba atrapada en el momento del despegue, durante el cual el avión acelera para flotar verticalmente en el cielo, antes de asumir una posición horizontal. Asimismo, sin embargo, no se puede descartar que el aeroplano en cuestión esté a punto de aterrizar, permitiéndonos vislumbrar la superficie terrestre, que pronto volverá a ser pisada por nuestros pies. Dentro de la narrativa de la historia del arte, sin embargo, llama la atención la existencia de un movimiento pictórico, que hizo de la capacidad de vuelo del avión su mayor fuente de inspiración: hablo de "Aeropittura" (Aereo-pintura), una declinación del Futurismo nacida en la década de 1910 y se consolidó tras la Primera Guerra Mundial, época en la que la inspiración se inspiraba en el mito de la máquina y la modernidad, culminando en el dinamismo, el vuelo y la velocidad del aeroplano. Lo dicho puede resumirse en la obra Dinamismo de tren, barco, avión (1930) de Giulio D'Anna, pintor y editor italiano nacido en 1908, que eligió "Aeropittura" para satisfacer su necesidad personal de evasión y aspiración hacia esos viajes que logró, por desgracia, solo en su imaginación, ya que nunca realizó esa tan soñada experiencia directa de vuelo, mencionada por primera vez en la pintura fechada en 1928 y titulada Visual Exhilaration.

BARCELONA. PRIMAVERA (2023)Pintura de Natalia Shchipakina.

Primavera de Barcelona de Natalia Shchipakina

Las obras maestras de la historia del arte analizadas anteriormente nos han llevado, a través de la acción de viajar, a conocer los destinos visitados por algunos de los maestros más conocidos de todos los tiempos, pero sin hacernos creer que era el deseo del artista introducirnos en contacto con una realidad diferente a la nuestra. De hecho, en las obras mencionadas, como las de Van Gogh, Monet y El Greco, el objetivo principal era hacernos partícipes de un mensaje, de una visión o de nuevas técnicas expresivas, más que llevarnos fielmente al descubrimiento de un lugar, tomando prestado un lenguaje realista, destinado a activar un modo de guía turística estéril. Lo que acabamos de describir, es decir, la exteriorización de una visión personal y libre, sin fines meramente emulativos, se repite en la representación posimpresionista de Barcelona de Shchpakina, destinada a describir toda una parte de la ciudad representando únicamente su símbolo, para rendir el resto a través de la aparición de unas figuras geométricas, que aparecen aquí y allá con la tarea de dar vida a una indistinta masa de casas. Tal planteamiento no lo reserva la pintora sólo a la capital catalana, ya que plasmó con rasgos estilísticos afines muchos de los destinos de viaje más conocidos, uniendo el deseo de conocer lugares lejanos con la vocación de verlos como aparecen exclusivamente a los ojos del artista, que admite mirar al ejemplo de Claude Monet, Vincent van Gogh, Isaac Levitan, Auguste Renoir, es decir, a maestros que habían superado con creces la simple reproducción del dato real, para preferir el representación de la atmósfera, la luz, la interioridad y las emociones.