Kumi Sugai το 1962, μέσω Wikipedia
Kumi Sugai
Ο Kumi Sugai (1919-1996) ήταν Ιάπωνας ζωγράφος και χαράκτης γνωστός για τη δυναμική του εξέλιξη από τη λυρική αφαίρεση στην αφαίρεση σκληρής αιχμής, αντανακλώντας τη βαθιά του ενασχόληση τόσο με την avant-garde όσο και με τη σύγχρονη τέχνη. Το έργο του, που χαρακτηρίζεται από τη μεταμόρφωση και την καινοτομία του, έχει αφήσει μια διαρκή κληρονομιά στον κόσμο της τέχνης.
Γεννημένος το 1919 στην Ιαπωνία, ο Σουγκάι ξεκίνησε την καλλιτεχνική του καριέρα στον απόηχο του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Για να συντηρηθεί, αρχικά εικονογράφησε σχολικά βιβλία του δημοτικού. Η επίσημη καλλιτεχνική του εκπαίδευση ξεκίνησε με τη ζωγραφική ιαπωνικού στυλ (nihonga) υπό τον Teii Nakamura, μέλος των Nihon Bijutsuin. Το πρώιμο έργο του Sugai επηρεάστηκε από τον Yoshihara Jirō, μια ηγετική φυσιογνωμία της ομάδας Gutai. Η έμφαση του Yoshihara στην υλικότητα του χρώματος και των αφηρημένων μορφών, μαζί με το κοινό ενδιαφέρον για τις παιδικές, αφηρημένες φόρμες, επηρέασαν βαθιά τον Sugai. Αυτή η επιρροή είναι εμφανής στο έργο του Sugai από αυτήν την περίοδο, το οποίο συχνά παρουσίαζε ένα επαναλαμβανόμενο μοτίβο πουλιών και αντανακλούσε την αισθητική των Paul Klee, Joan Miró και Max Ernst. Τα πρώτα επιτεύγματα του Σουγκάι περιλαμβάνουν την κατάκτηση ενός βραβείου στην 4η Έκθεση της πόλης Ashiya, όπου ο Yoshihara υπηρέτησε ως κριτής.
Οι πρώιμοι πίνακές του διαθέτουν μια άμεση και κομψά ελεγειακή ζωντάνια, που παραπέμπουν σε αρχέγονες αφηγήσεις ζωής, θανάτου, αγάπης, απώλειας, νίκης, τραγωδίας και υπέρβασης. Αυτά τα έργα χρησιμεύουν ως πύλες προς τον κόσμο της δημιουργίας μέσα στα μάτια αυτού του μάγου-γραφέα-ζωγράφου. Ο Σουγκάι, ένας από τους μεγάλους αφηρημένους εξπρεσιονιστές της μεταπολεμικής Ιαπωνίας, προηγήθηκε των καλλιτεχνών της Σχολής Γκουτάι στην πορεία τους προς το Παρίσι και υπήρξε ταυτόχρονα εικονομάχος και έμπνευση για τους συγχρόνους του. Ανήκε στην πρώτη γενιά Ιάπωνων καλλιτεχνών του 20ου αιώνα που εξοικειώθηκε με τις δυτικές τεχνικές ζωγραφικής, ενώ παράλληλα εξερεύνησε την τυπογραφία και την ιαπωνική καλλιγραφία, που έγιναν σημαντικά στοιχεία στο μεταγενέστερο έργο του.
Kumi Sugai - The Endless Quest (1962). Χαρακτηριστική, χαρακτική, σε BFK de Rives. 33 x 50 εκ
Το Παρίσι και η Πρωτοπορία
Το 1952, οδηγούμενος από το ενδιαφέρον του για την avant-garde ζωγραφική, ο Sugai μετακόμισε στο Παρίσι. Εγκαταστάθηκε στο Μονπαρνάς, σπούδασε στην Académie de la Grande Chaumière υπό τον Edouard Goerg. Τα αρχικά του έργα στο Παρίσι διατήρησαν ένα παραστατικό ύφος και απηχούσαν την Art Informel, με άδεια αστικά τοπία με γεωμετρικές γραμμές χαραγμένες σε παχιά λαδομπογιά. Ο Σουγκάι συνέχισε επίσης να απλοποιεί τις μορφές ζώων στους πίνακές του.
Η ζωή στο Παρίσι ήταν αρχικά μοναχική για τον Σουγκάι, καθώς μιλούσε λίγα γαλλικά. Ωστόσο, έγινε μέλος μιας κοινότητας Ιαπώνων καλλιτεχνών, συμπεριλαμβανομένων των Toshimitsu Imai, Hisao Domoto και του Ιαπωνοαμερικανού γλύπτη Shinkichi Tajiri, ο οποίος συνδέθηκε με την ομάδα CoBrA. Ο Τατζίρι έπαιξε καθοριστικό ρόλο στην πρώιμη παριζιάνικη καριέρα του Σουγκάι προσκαλώντας τον να εκθέσει στο σαλόνι του Σαρλ Εστιέν τον Οκτώβριο του 1953. Ο έμπορος τέχνης John Craven πρόσφερε στον Σουγκάι ένα συμβόλαιο και την πρώτη του ατομική έκθεση στο Παρίσι, καθιερώνοντας περαιτέρω την παρουσία του στην καλλιτεχνική σκηνή. Το έργο του Σουγκάι κέρδισε επίσης αναγνώριση από τον κριτικό Μισέλ Ραγκόν, με αποτέλεσμα να συμπεριληφθεί σε δύο εκθέσεις με τη Nouvelle École de Paris.
Από το ντεμπούτο του στο Παρίσι, ο Σουγκάι κέρδισε πολλά βραβεία και εδραίωσε τη θέση του ως ένας από τους κορυφαίους ζωγράφους αφηρημένης Ιαπωνίας, φτάνοντας στο απόγειο της δημοτικότητάς του στα μέσα της δεκαετίας του 1960. Σήμερα, ωστόσο, συνδέεται συχνότερα με τις μεταγενέστερες λιθογραφίες και τους γεωμετρικούς πίνακές του σε έντονα βασικά χρώματα, που είναι πιο άφθονα από τα υπέροχα έργα της εποχής του στο Παρίσι. Είναι τα σπάνια και πολύτιμα αφηρημένα λάδια που ζωγράφισε η Sugai τις δεκαετίες του 1950 και του 1960 που παραμένουν πιο αγαπητά από τα μουσεία και τους συλλέκτες, που σπάνια εμφανίζονται στην ανοιχτή αγορά λόγω της έλλειψής τους.
Εξέλιξη του στυλ
Στα μέσα της δεκαετίας του 1950, το έργο του Σουγκάι άρχισε να μετατοπίζεται από τις εικονιστικές σε πιο αφηρημένες μορφές. Τα τέλη της δεκαετίας του 1950 και οι αρχές της δεκαετίας του 1960 τον είδαν να παράγει μεγάλους, ζωηρά χρωματικούς καμβάδες στους οποίους κυριαρχούσαν τα μπλοκ, καλλιγραφικά γεωμετρικά σχήματα. Τίτλοι αυτών των έργων, όπως oni, samurai και raishin, παραπέμπουν στην ιαπωνική λαογραφία. Παρά τη συνθετική τους απλότητα, αυτοί οι πίνακες διατήρησαν μια παχιά, υφή ποιότητα.
Το 1955, ο Σουγκάι άρχισε να πειραματίζεται με τη χαρακτική, παράγοντας την πρώτη του λιθογραφία. Αυτό το νέο μέσο, σπάνιο στην Ιαπωνία αλλά δημοφιλές στη Γαλλία, σηματοδότησε μια σημαντική επέκταση της καλλιτεχνικής του πρακτικής. Οι λιθογραφίες του του 1957 εικονογράφησαν το ποιητικό βιβλίο του Jean-Clarence Lambert La Quête sans fin. Ο Σουγκάι αποτόλμησε επίσης τη γλυπτική στα τέλη της δεκαετίας του 1950, δημιουργώντας έργα όπως το Objet, ένα πινέλο τοποθετημένο σε μια πλίνθο, τυλιγμένο με χρώμα και αφηρημένα. Το 1960 του απονεμήθηκε το βραβείο του Εθνικού Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης στο Τόκιο στη Διεθνή Μπιενάλε Χαρακτικής.
Αναγνωρισμένος ως μέρος των κινημάτων «Nouvelle École de Paris» και «Nouveau Réalisme», άρχισε να απομακρύνεται από την «abstraction lyrique» το 1962. Περνώντας από κυρίως μονόχρωμα καλλιγραφικά οργανικά μοτίβα σε γεωμετρικές εικόνες, η αφηρημένη τέχνη του χαρακτηρίζεται πλέον ως « -άκρη."
Αργότερα χρόνια και μεταμορφωτικές αλλαγές
Το 1962 ήταν μια κομβική χρονιά για τον Σουγκάι, σηματοδοτώντας μια σημαντική αλλαγή στο στυλ του. Απομακρύνθηκε από την άτυπη υλικότητα για να αγκαλιάσει μια σκληρή, γεωμετρική αφαίρεση, χρησιμοποιώντας ματ επιφάνειες και ακρυλικό χρώμα. Η γοητεία του με τα αυτοκίνητα και την αστική ζωή, ιδιαίτερα μετά την απόκτηση μιας Porsche το 1960, επηρέασε βαθιά τη νέα του αισθητική. Το έργο του Σουγκάι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου παρουσίαζε σαφώς οριοθετημένες γεωμετρικές φόρμες και μνημειακές μορφές. Δημιούργησε περίπου πενήντα έργα μεταξύ 1964 και 1968, το καθένα από τα οποία περιελάμβανε τη λέξη «Auto» στον τίτλο, αντανακλώντας το πάθος του για την ταχύτητα και τα οδικά σήματα.
Το 1969, ο Σουγκάι επέστρεψε στην Ιαπωνία για πρώτη φορά μετά από 18 χρόνια για να δημιουργήσει μια τοιχογραφία μήκους 16 μέτρων και ύψους 3,6 μέτρων με τίτλο Φεστιβάλ του Τόκιο για το Εθνικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Τόκιο. Αυτή η τοιχογραφία ήταν το μεγαλύτερο έργο της καριέρας του και σηματοδότησε τις πρώτες του ατομικές εκθέσεις στην Ιαπωνία. Η μετέπειτα καριέρα του περιελάμβανε την παραγωγή έργων σε σειρές και την εστίαση σε λιθογραφίες από τη δεκαετία του 1970 και μετά. Ο Σουγκάι επέστρεφε συχνά στην Ιαπωνία, όπου γίνονταν αναδρομικές εκθέσεις του έργου του.
Εκθέσεις και συλλογές
Το έργο του Σουγκάι έλαβε πολλές διακρίσεις, όπως το Γκραν Πρι στη Διεθνή Τριενάλε Έγχρωμης Εκτύπωσης του Γκρένχεν το 1961, το Γκραν Πρι στη Διεθνή Μπιενάλε Εκτύπωσης της Κρακοβίας το 1965 και το Βραβείο Τιμής στη Διεθνή Μπιενάλε Εκτύπωσης του 1972 στη Νορβηγία. Το 1996, λίγο πριν πεθάνει στις 14 Μαΐου στο Κόμπε, τιμήθηκε με το βραβείο Shiju-Hosho από τον Αυτοκράτορα της Ιαπωνίας για την υψηλή πολιτιστική του αξία. Η τέχνη του παρουσιάζεται σε αναγνωρισμένες συλλογές παγκοσμίως και η καριέρα του, που χαρακτηρίζεται από συνεχή εξέλιξη και εξερεύνηση, υπογραμμίζει τη σημαντική επιρροή του τόσο στην ιαπωνική όσο και στη διεθνή τέχνη.
Τα έργα του έχουν παρουσιαστεί σε μεγάλες εκθέσεις παγκοσμίως, όπως το "Japon Des Avant Gardes 1910-1970" στο Le Centre Pompidou (1986), το "Contemporary Art/Postwar" στο The Museum of Modern Art, Kamakura (1979) και το "Development of Μεταπολεμική Ιαπωνική Τέχνη: Abstract and Non-Figurative» στο Εθνικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Τόκιο (1973). Οι αξιοσημείωτες ατομικές εκθέσεις περιλαμβάνουν το "Kumi Sugai" στο Νομαρχιακό Μουσείο Τέχνης του Hyogo και στο Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης του Τόκιο (2000) και αναδρομικές στο Μουσείο Seibu, Τόκιο (1983) και The Ohara Museum of Art, Okayama (1984). Ο Sugai έλαβε επίσης αναδρομικά στη μέση της καριέρας του στο Kunstnernes Hus, Όσλο (1967) και στο Μουσείο Städtisches, Λεβερκούζεν (1960) και είχε παρουσιάσει ατομικά στη γκαλερί The Kootz, Νέα Υόρκη (1959–1964), Galerie Creuzevault, Παρίσι (1958). και 1963), και Palais des Beaux-Arts, Βρυξέλλες (1954). Οι δημόσιες παραγγελίες του περιλαμβάνουν μια τοιχογραφία για το Εθνικό Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Τόκιο (1968–69) και μια τοιχογραφία για το αθλητικό κέντρο στο Αννόβερο για τους Ολυμπιακούς Αγώνες του 1972. Το έργο του συμπεριλαμβάνεται σε μεγάλες θεσμικές συλλογές παγκοσμίως, όπως το Μουσείο Solomon R. Guggenheim, το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης και το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Σαν Φρανσίσκο, το Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης μεταξύ άλλων.
Selena Mattei
