Στον τίτλο

Όταν σκεφτόμαστε τον χρυσό μέσα στην ιστορία της τέχνης, αποδεικνύεται ότι είναι μάλλον εύκολο, αν δεν θεωρείται δεδομένο, να επικεντρωθούμε και να σταθούμε σε μια συγκεκριμένη καλλιτεχνική τεχνική, την οποία, προς το παρόν, θέλω να αφήσω στην άκρη, αναζητώντας να ενισχύσουμε μια άλλη, μάλλον πρωτόγνωρη, αφήγηση, που στοχεύει στην εξήγηση του αντικειμένου της έρευνάς μας, αναφερόμενη αποκλειστικά σε τίτλους εικονιστικών αριστουργημάτων, τα οποία, με τη λέξη χρυσός, αναφέρονται στις ιδιότητες και την εγγενή συμβολική αξία του προαναφερθέντος μετάλλου, χωρίς ουσιαστικά κάνοντας χρήση του. Ακολουθώντας την εν λόγω υπόθεση, ξεκινώ με την ελαιογραφία του γ. 1576-1581 που φτιάχτηκε από τον Jacopo Zucchi και τιτλοφορείται, ακριβώς, Η Εποχή του Χρυσού, ένα αριστούργημα στο οποίο η μικρή μορφή φιλοξενεί πληθώρα χαρακτήρων και λεπτομέρειες που αντλούνται από το μυθολογικό θέμα, παραπέμποντας στην εκδοχή που αφηγείται οι Μεταμορφώσεις του Οβιδίου, η επεξεργασία της οποίας καθίσταται σαφές από την επιγραφή στα ιταλικά, η οποία φαίνεται να υποστηρίζεται παραπάνω από δύο γυμνές γυναίκες εν πτήσει. Η σκηνή, που στο πάνω μέρος της παρουσιάζει στο κέντρο της ένα βουνό από το οποίο ρέουν διάφορα ποτάμια, που αντιπροσωπεύονται από θεούς του ποταμού, ενώ στο κάτω μέρος του στηρίγματος απεικονίζει αρμονία μεταξύ ανθρώπων, ζώων και φυτών, θα χρησιμοποιούσε τη λέξη χρυσός, το θέμα της έρευνάς μας, με έναν μάλλον θετικό, ευημερούντα και ειδυλλιακό τρόπο, καθώς συνδέει αυτό το όνομα με αυτό της Χρυσής Εποχής: μια κατ' εξοχήν μυθική εποχή, στην οποία τα ανθρώπινα όντα ζούσαν χωρίς την ανάγκη για νόμους, ούτε είχαν την ανάγκη να καλλιεργήστε τη γη, καθώς κάθε φυτό ήταν ικανό να αναπτυχθεί αυθόρμητα. Μάλιστα, χωρίς να χρησιμοποιήσει το εν λόγω μέταλλο, αλλά μόνο να αναφέρει τις ευεργετικές του ιδιότητες στον τίτλο, ο πίνακας μας μεταφέρει σε μια μακρινή και πολυπόθητη εποχή, απαλλαγμένη από μίσος μεταξύ ατόμων και πολέμων, που σημαδεύεται από μια αιώνια άνοιξη, στην οποία δεν υπάρχει πρέπει να χτιστούν σπίτια για καταφύγιο. Αν για τον Zucchi, ο χρυσός συνδέεται με μια θαυμάσια περίοδο που τώρα έχει εξαντληθεί, τι πιστεύει ο Μιρό γι 'αυτό; Αυτό μπορούμε να το μάθουμε, ή μάλλον να το συμπεράνουμε, κοιτάζοντας το έργο του Ισπανού σουρεαλιστή καλλιτέχνη με τίτλο, ακριβώς, The Gold of the Azure (1967), ένα αριστούργημα όπου, στην πραγματικότητα, τη φωτεινότητα φέρνει το κίτρινο χρώμα και όχι χρυσός, ένας χρωματισμός που χρησιμεύει ως φόντο για άγνωστα μαύρα, μπλε και κόκκινα σχήματα και γραμμές, σκοπός του οποίου είναι να αρνηθεί να υποκύψει σε οποιαδήποτε σταθερή ερμηνεία. Έτσι, ακόμη και η σχεδόν άσχετη αναφορά στο επίμαχο μέταλλο μετατρέπεται σε μια αυθεντική δήλωση της ποιητικής του ζωγράφου, ο οποίος είναι εξαιρετικά γνωστός για τη δημιουργία ενός λεξιλογίου σταθερών σημείων, που επειδή δεν συνδέονταν με λεξικό. κατά κανόνα, παραμένουν εν μέρει άγνωστα, παρά το γεγονός ότι ο ζωγράφος αποκάλυψε πώς ο καθένας από αυτούς στην πραγματικότητα παρέπεμπε σε μια συγκεκριμένη μορφή.

ΧΩΡΙΣ ΤΙΤΛΟ191212 (2019) Πίνακας του Tsunshan.

ΧΡΥΣΕΣ ΣΥΝΑΝΤΗΣΕΙΣ (2022) Πίνακας της Alena Sobolevskaia.

Στην τεχνική

Αφού δείξαμε πώς εμφανίστηκε ο χρυσός σε ορισμένους τίτλους διάσημων πινάκων, χωρίς φυσικά να έχουμε ασχοληθεί εξαντλητικά με το εν λόγω θέμα, ας προχωρήσουμε στην ανάλυση ορισμένων αριστουργημάτων, τα οποία, όντως, υποδέχονται μέσα τους επιχρυσωμένες επιφάνειες, εκτελεσμένες με συγκεκριμένη τεχνική, η οποία θα εξηγηθεί συνοπτικά στη συνέχεια. Για να κάνω αυτό που εξηγήθηκε θα ξεκινήσω γεωγραφικά, αλλά και χρονολογικά, από την Ολλανδία, συνεχίζοντας στην Ιταλία και τελειώνοντας στην Αυστρία, χώρες όπου τα τεχνάσματα των έργων που θα περιγραφούν πρώτα και, αργότερα, θα αναλυθούν ομόφωνα στην τεχνική τους της εκτέλεσης προήλθε. Μιλώντας για την Ολλανδία, φέρνω ως παράδειγμα την Τριάδα του Henri Bellechose και Ιστορίες του Αγίου Διονυσίου (1416), τέμπερα και χρυσό σε πάνελ που απαθανατίζει δύο σκηνές από τις τελευταίες ημέρες του εν λόγω αγίου, με στόχο να διαμορφωθεί σε περίπτωση κοινωνίας και αποκεφαλισμός, με κεφαλή στο κέντρο της απεικόνισης της Τριάδας, όπου ο Θεός Πατέρας κρατώντας το σταυρό του γιου του γίνεται μάρτυρας της εμφάνισης του κολόβα του Αγίου Πνεύματος. Γυρίζοντας συνοπτικά στο Πολύπτυχο του Ελέους του Ιταλού Piero della Francesca, το λάδι, η τέμπερα και το χρυσό έδαφος στο πάνελ απεικονίζουν, στο πιο συναρπαστικό κεντρικό μέρος, μια Παναγία που ανοίγει τον μανδύα της προσφέροντας καταφύγιο και προστασία στους ανθρώπους που την λατρεύουν, κυριολεκτικά οι πιστοί απεικονίζονται με ιεραρχικά μικρότερο τρόπο. Από τον ιερό χρυσό, κατανοητό ως τέλειο σκηνικό για την απόδοση της διαχρονικότητας, του φωτεινού και αφηρημένου, της θεϊκής διάστασης, προχωράμε στο κοσμικό πλαίσιο του Klimt, που ξεκαθαρίζεται, μεταξύ άλλων, στο αριστούργημα του 1902 με τίτλο Beethoven Frieze, στην οποία ο ζωγράφος επιδίωξε να δώσει μορφή στην Ένατη Συμφωνία, συνθέτοντας ένα έργο του οποίου οι τρεις ζωγραφισμένοι τοίχοι αποτελούν μια συνεκτική αλληλουχία, η οποία, από τη σύγκρουση μεταξύ ευτυχίας και εχθρικών δυνάμεων, οδηγεί στον θρίαμβο της Ωδής στη Χαρά. Τέλος, η ίδια η Ολλανδία, η Ιταλία και η Αυστρία μας συνοδεύουν στην αποκάλυψη της εν λόγω τεχνικής ζωγραφικής χρυσού: το χρυσό φόντο, που στοχεύει να υλοποιηθεί με την τοποθέτηση ενός πολύ λεπτού φύλλου χρυσού (φύλλο χρυσού) στο φόντο των πινάκων, μια πρακτική που έχει τις πιο διάσημες ρίζες της στα ψηφιδωτά διαδόθηκε από την παλαιοχριστιανική εποχή, η οποία αργότερα έγινε ζωγραφική και η οποία σταδιακά παραμερίστηκε κατά τον 14ο αιώνα, μια εποχή που, χάρη στις καινοτομίες του Giotto, άρχισαν να γίνονται πιο ρεαλιστικά αρχιτεκτονικά και τοπία υπόβαθρα. να προτιμηθεί, γεγονός που προκάλεσε σταδιακή μείωση του ποσοστού του διακοσμημένου σε χρυσό πάνελ. Σε αυτό το σημείο, η ιστορική αφήγηση της τέχνης ακολουθεί άλλους δρόμους, εξελίσσοντας στην ανάλυση τριών πινάκων από ορισμένους καλλιτέχνες του Artmajeur, συμπεριλαμβανομένων επιχρυσωμένων μερών...

DREAM (2019) Πίνακας του Viktor Horiaiev.

Viktor Horiaiev: Όνειρο

Είναι Κυριακή πρωί και, μετά από ένα γεμάτο περιπετειώδες και αλκοολικό Σάββατο βράδυ, ξυπνάμε μέσα σε ένα είδος μυστικιστικής οπτασίας, στο οποίο το χρυσό μας κρεβάτι μας τυλίγει στο δικό του φως, για να μας αποκαλύψει, ίσως, αυτό που κάναμε το προηγούμενο νύχτα, μέσα σε προφανή κενά μνήμης και, ίσως, κάποια ασυγχώρητη μετάνοια. Παρά αυτές τις αμφιλεγόμενες σκέψεις, η πρωταγωνίστρια του εν λόγω έργου φαίνεται αρκετά ήρεμη, σαν να έχει επιτύχει τη γαλήνη που μόνο μια θεϊκή λάμψη μπορεί να της προσδώσει, τόσο που είναι φανερά απορροφημένη στο να ατενίζει τα χρυσά της σεντόνια. πόσα χρήματα θα μπορούσε να βγάλει αν τα πουλούσε στον πλησιέστερο αγοραστή χρυσού. Πέρα από τις ανοησίες, ξέρετε πόσο ταιριάζει ο χρυσός με το θέμα του κρεβατιού και κατά συνέπεια με τον ονειρικό κόσμο; Ο χρυσός, ένα πολύτιμο και ανθεκτικό μέταλλο που πάντα συνδέθηκε με τις έννοιες της αθανασίας, της αιωνιότητας και της βασιλείας, καθώς και με τις ελίτ ηθικές ιδιότητες της αγνότητας, της πίστης, του θάρρους, της επιείκειας, της φιλανθρωπίας, της δικαιοσύνης και του σθένους, είναι σίγουρα ένας καλός οιωνός. αν μας φαίνεται σε όνειρο, καθώς παραπέμπει σε επιτυχία, επίτευξη στόχων και ευημερία. Επιπλέον, το χρώμα του ήλιου και του Απόλλωνα υποδηλώνει την αρετή του ονειροπόλου, όπως, για παράδειγμα, την ηθική αίσθηση και την αγάπη, παρουσιάζοντας τον εαυτό του και ως καλό οιωνό για την επιθυμητή ανάληψη ηγετικών θέσεων του ίδιου, καθώς και επίτευγμα φήμης. Με την αρνητική έννοια, από την άλλη πλευρά, ένα χρυσό όνειρο θα μπορούσε να συνδεθεί με μια αίσθηση νοσταλγίας για τα παλιά χρόνια της νιότης ή με ένα είδος άγχους που καλλιεργείται για εκείνες τις πολυπόθητες αλλά ακόμα ανεκπλήρωτες επιθυμίες.

ΑΓΑΠΩ ΤΗΝ ΠΡΩΤΟΤΥΠΗ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗ. ΧΡΥΣΟ ΔΙΑΚΟΣΜΗΤΙΚΟ ΦΥΛΛΟ ΧΡΥΣΟ (2023) Πίνακας της Irina Bast.

Irina Bast: Λατρεύω την πρωτότυπη ζωγραφική

Το έργο της Irina Bast έδωσε αφορμή για μια νέα και άνευ προηγουμένου ερμηνεία του φιλιού του Klimt, όπου, ωστόσο, το γεγονός που καθιστά σαφές ο τίτλος του αριστουργήματος του 1907-08 δεν συμβαίνει, καθώς τα αυθεντικά ομοιώματα in Love Η ζωγραφική απλώς φέρνει κοντά τα πρόσωπά τους στην πράξη της γέννησης μιας τρυφερής αγκαλιάς, που προφανώς δεν περιλαμβάνει την ανάπαυση των χειλιών στην επιφάνεια του δέρματος της αγαπημένης. Η πηγή έμπνευσης για τη χρήση της τεχνικής των φύλλων χρυσού, ωστόσο, παραμένει άγνωστη στην περίπτωση του καλλιτέχνη από το Artmajeur, ενώ, όσον αφορά τον Αυστριακό μάστορα, είναι γνωστό πώς για να ζωντανέψει ένα αριστούργημα ικανό αντιπροσώπευσης ενός συμβόλου της περιόδου της Απόσχισης, άντλησε παραδείγματα από τα βυζαντινά ψηφιδωτά της Ραβέννας, από τη μελέτη των οποίων προέκυψε η προαναφερθείσα ζωγραφική, στην οποία τα θέματα φέρνουν το σώμα τους πιο κοντά σε ένα φωτεινό, αφηρημένο και, κατά συνέπεια, διαχρονικό φόντο. Στο πλαίσιο αυτό, όπου ο τρισδιάστατος χώρος ακυρώνεται, τα ομοιώματα αποκτούν δισδιάστατη όψη, ενώ, μαζί με το γκαζόν και τις ρόμπες, δομούνται μέσα από υπερδιακοσμημένα πεδία, η μορφή των οποίων ορίζεται μέσα από αντιθέσεις χρώματος και φωτεινότητας. . Σχετικά με το νόημα του αριστουργήματος, ωστόσο, αποτυπώνει τη στιγμή που το αρσενικό και το θηλυκό σύμπαν αλληλοδιεισδύουν, καθιστώντας συγκεκριμένο τον θρίαμβο της ενωτικής δύναμης του έρωτα, με στόχο τη συνένωση δύο πρωτίστως διαφορετικών κόσμων, ενωμένα σε ένα φωτεινό χρυσό δοχείο, στο να κάνει τη δύναμη της αγάπης συγκεκριμένη και θεϊκή.

LUMINOUS SILENCE (2017) Πίνακας της Adriana Plucha.

Adriana Plucha: Φωτεινή σιωπή

Αναφερόμενοι στα λόγια του καλλιτέχνη στο Artmajeur, τα έργα που αποτελούν μέρος της σειράς The gardens of the world, συμπεριλαμβανομένων, ζωγραφικής και γλυπτικής, προσφέρουν στον θεατή, στην περίπτωση της φωτεινής σιωπής μέσω της χρήσης χρυσού, το επίτευγμα της ηρεμίας. Αυτή η πολυπόθητη κατάσταση του νου επιτυγχάνεται μέσω μιας τέχνης, η οποία ενθαρρύνει την άσκηση σιωπηλού στοχασμού, ικανή να προκαλέσει γόνιμο εσωτερικό διαλογισμό, που ενισχύεται από αυτόν τον περίεργο συνδυασμό μινιμαλισμού, χρώματος και λεπτότητας, έτοιμος να τονίσει τον αυθορμητισμό της φύσης και των τοπίων που ερευνώνται . Βεβαίως, οι κύριες πηγές έμπνευσης για την υλοποίηση αυτού του είδους θεμάτων αντλήθηκαν από την ασιατική κουλτούρα, ιδιαίτερα τα ιαπωνικά prints και τη ζωγραφική, γνωστά για τα μονοχρωματικά τους χρώματα και την έντονη προσοχή στη λεπτομέρεια. Αυτές οι επιρροές αποκτούν νέα μορφή μέσω της χρήσης μιας πολύ προσωπικής τεχνικής φυσικής τέμπερας, η οποία, βασισμένη σε ένα συνδετικό με βάση το αυγό, βλέπει την επιδέξια χρήση του νιφάδες χρυσού, καθώς και την περιστασιακή χρήση φύλλου ασημιού και πλατίνας. Τέλος, αν αντιπαραθέσουμε τη Φωτεινή σιωπή με την πιο δυτική αφήγηση της ιστορίας της τέχνης, το χρυσό υπόβαθρο σίγουρα θα έφερνε στο νου τη διαχρονική πνευματική εικονογραφία, ενώ το φυτικό θέμα, από μόνο του, θα μπορούσε να επιστρέφει στην προοπτική που περικόπτεται σύμφωνα με την οποία: Περίπου 127 χρόνια νωρίτερα, ο Βαν Γκογκ απεικόνισε το ανθισμένο κλαδί αμυγδαλιάς του (1890).