Μπορούμε να μιλήσουμε για την Αναγέννηση;

Η θεματολογία με κατακλύζει, το μεγαλείο των ζωγράφων της Αναγέννησης με τρομάζει σε σημείο να νιώθω καταβεβλημένος. Το θέμα είναι πολύ υψηλό, σχεδόν θεϊκό, καθώς και εκτενές και αξιοσημείωτο με κάθε λεπτομέρεια. Ωστόσο, θα προσπαθήσω να επιλέξω μόνο δέκα καλλιτέχνες από την ιστορική περίοδο που μας ενδιαφέρει, πλούσιους σε άλλους άξιους ζωγράφους, αλλά και σημαντικούς γλύπτες και αρχιτέκτονες, τους οποίους επιφυλάσσομαι για άλλη ευκαιρία να συζητήσω. Έτσι, απαντώντας στην ερώτηση του τίτλου και μετά από όλα αυτά τα προοίμια, νομίζω ότι είναι δυνατόν να μιλήσουμε για την Αναγέννηση, παρά την έντονη έναρξη μιας ιδιόμορφης μελαγχολίας που με ωθεί με αυτό το ερώτημα: τι απέγινε όλο αυτό το αρχαίο μεγαλείο της ανθρωπότητας; Παραμερίζοντας θλιβερές συζητήσεις, ετοιμάζομαι να εισαγάγω πρώτα την έννοια της Αναγέννησης και μετά κάποια αριστουργήματα της εποχής που πιθανότατα γνωρίζετε ήδη...

Η Αναγέννηση εν συντομία

Αυτό το εισαγωγικό μέρος σχεδιάστηκε μόνο για να παρουσιάσει τους καλλιτέχνες που θα είναι οι πρωταγωνιστές των 10 κορυφαίων, καθώς η Αναγέννηση και η ιστορία της σίγουρα αξίζει ένα μεγαλύτερο κείμενο για να εξηγήσει προσεκτικά όλες τις ιδιαιτερότητές της. Όταν μιλάμε για την Αναγέννηση, χρειάζεται απλώς να σκεφτούμε μια περίοδο άνθησης, μια εποχή αναγέννησης, που έλαβε χώρα μετά από τους πιο σκοτεινούς αιώνες. Στην πραγματικότητα, το εν λόγω χρονικό πλαίσιο, που ξεκίνησε στη Φλωρεντία του 14ου αιώνα και τελείωσε γύρω στα μέσα του 16ου αιώνα, σηματοδότησε την αφύπνιση των τεχνών, καθώς και της επιστήμης, των μαθηματικών, των τεχνολογικών ενδιαφερόντων, της φιλοσοφίας, της πολιτικής και πολλά άλλα. Στον πυρήνα αυτών των στάσεων εκτίμησης της ανθρώπινης διάνοιας και ικανότητας ήταν ο Ανθρωπισμός, μια φιλοσοφική σκέψη που στόχευε να τοποθετήσει τον άνθρωπο και το έργο του στο κέντρο του σύμπαντος, ένα πλαίσιο που προηγουμένως επισκιαζόταν από την κυρίαρχη παρουσία της Καθολικής Εκκλησίας, διαποτισμένη από μια αίσθηση αμαρτία και η συντριπτική ιδέα του μη αναστρέψιμου του ανθρώπινου πεπρωμένου. Ο ανθρωπισμός συνοδεύτηκε από την επιστροφή στην Κλασική Αρχαιότητα, δηλαδή την τάση αναζήτησης και επανερμηνείας των ελληνικών και ρωμαϊκών ιδεωδών, πάντα έτοιμοι να μιμηθούν την ομορφιά, την αρμονία, τη συμμετρία ή τις τέλειες αναλογίες στην τέχνη τους. Για την επιδίωξη αυτών των στόχων, το πνεύμα της εποχής δημιούργησε νέες τεχνικές καινοτομίες όπως ο Νατουραλισμός, το Κοντραπόστο, το Κιαροσκούρο και η Γραμμική Προοπτική, που οδήγησαν σε θεμελιωδώς ρεαλιστική παραστατική παραγωγή. Αυτές οι τάσεις υπέστησαν παραλλαγές με την πάροδο του χρόνου, καθώς η τέχνη της Αναγέννησης κατηγοριοποιείται σε διαφορετικές χρονικές γραμμές ή φάσεις: την Πρωτο-Αναγέννηση, την Πρώιμη Αναγέννηση, την Υψηλή Αναγέννηση, καθώς και άλλες περιοχές εκτός Ιταλίας, που συλλογικά αναφέρονται ως Βόρεια Αναγέννηση. Τώρα, ξεκινά το top 10, που παρουσιάζεται με χρονολογική σειρά: με τους καλλιτέχνες με βάση τις ημερομηνίες γέννησής τους!

Η Αποβολή από τον Κήπο της Εδέμ, πριν και μετά την αποκατάσταση. Masaccio, Εκδίωξη από τον κήπο της Εδέμ, 1424.25. Αφρέσκο. Παρεκκλήσι Brancacci στην εκκλησία Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία.

1.Masaccio: Εκδίωξη των προγόνων από την Εδέμ (1424-25)

Να πώς περιγράφει ο Giorgio Vasari την τέχνη του Masaccio: «Τα πράγματα που έγιναν πριν από αυτόν [πριν από τον Masaccio] μπορούν να ονομαστούν ζωγραφισμένα και τα δικά του, ζωντανά, αληθινά και φυσικά». Μετά από αυτόν τον έπαινο, μπορούμε να περιγράψουμε ένα από τα πιο διάσημα έργα του ζωγράφου που γεννήθηκε το 1401, που είναι η Εκδίωξη των Προγόνων από την Εδέμ, μια τοιχογραφία στο παρεκκλήσι Brancacci της εκκλησίας Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία. Σε αυτό το έργο τέχνης, ο Αδάμ και η Εύα, που έλαβαν τον καρπό της γνώσης, έχουν αμαρτήσει ανεπανόρθωτα παρακούοντας τον Θεό. Ωστόσο, ο Masaccio απεικονίζει τη στιγμή που κυριολεκτικά εκδιώκονται από τον Επίγειο Παράδεισο, εμφανιζόμενοι γυμνοί, φοβισμένοι και δυστυχισμένοι, οδηγούμενοι έξω από το κατώφλι της τοιχοποιίας από ένα χερουβείμ που κρατούσε ένα σπαθί. Ο Τοσκανός καλλιτέχνης φαίνεται ότι παρέμεινε κάπως πιστός στη βιβλική αφήγηση, αν και υπάρχουν ορισμένες λεπτομέρειες που αποκλίνουν από τα λόγια της Γένεσης. Στην πραγματικότητα, στη βιβλική ιστορία, οι πρωταγωνιστές θα ήταν ντυμένοι, υπάρχουν πολλοί άγγελοι και δεν αναφέρεται η ύπαρξη μιας πόρτας που θα σηματοδοτούσε το τέλος του Παραδείσου και την αρχή του θνητού κόσμου.

Andrea Mantegna, The Lamentation over the Dead Christ, περίπου 1470-1474 ή περίπου 1483. Τέμπερες σε καμβά, 68 cm × 81 cm. Pinacoteca di Brera, Μιλάνο.

2. Andrea Mantegna: The Lamentation over the Dead Christ (περίπου 1470-1474 ή περίπου 1483)

Φτάσαμε ήδη στον Mantegna, έναν ζωγράφο, χαράκτη και μικρογράφο από τη Δημοκρατία της Βενετίας, γεννημένος το 1431, συγγραφέα του εμβληματικού Dead Christ, ενός αριστουργήματος που στεγάζεται στην Pinacoteca di Brera στο Μιλάνο. Γιατί είναι τόσο σημαντικός αυτός ο άψυχος Ιησούς; Άλλωστε, η ιστορία της τέχνης είναι γεμάτη παρόμοια θέματα... Πράγματι, όχι, πριν από τον Mantegna, κανείς δεν είχε απεικονίσει αυτή τη σκηνή με τέτοιο δράμα, δίνοντας ζωή σε έναν Υιό του Θεού που είναι εξαιρετικά ανθρώπινος και στον θάνατο, στην πραγματικότητα παίρνει τα χαρακτηριστικά ενός ψυχρού σώματος που στρώνεται από τον σταυρό. Δεν είναι πλέον απλώς μια αναπαράσταση μιας θεότητας που περιμένει την ανάσταση, επειδή το άψυχο σώμα στηρίζεται βαριά σε μια πλάκα από κόκκινο μάρμαρο, που αναγνωρίζεται ως η παραδοσιακή Πέτρα του Χρίσματος που χρησιμοποιείται για την προετοιμασία του σώματος για ταφή. Εμείς οι θεατές μπορούμε επίσης να εστιάσουμε στις μικρές λεπτομέρειες της τέμπερας, όπως τα τραύματα στα νύχια, που ίσως παρατηρούνται και από τις τρεις θλιμμένες φιγούρες στα αριστερά του πίνακα, αναγνωρίσιμες, παρά τις ρυτίδες και τα τραχιά σημάδια του Mantegna, όπως οι φιγούρες της Madonna, Ο Άγιος Ιωάννης και η Μαρία η Μαγδαληνή.

Perugino, The Marriage of the Virgin, 1500–1504. Λάδι σε ξύλο, 234 cm × 185 cm. Musée des Beaux-Arts, Caen.

3. Περούτζινο: Γάμος της Παναγίας (1501-1504)

Ο Ιταλός ζωγράφος που γεννήθηκε το 1448 είναι γνωστός με διάφορους τρόπους, όπως ο Pietro di Cristoforo Vannucci, ο Pietro Perugino και ο il Perugino, αλλά και ως ο «θείος ζωγράφος». Αυτή η τελευταία ονομασία μεταδίδει αμέσως το διαμέτρημα του καλλιτέχνη για τον οποίο μιλάμε, ο οποίος διηύθυνε ταυτόχρονα δύο εργαστήρια, το ένα στη Φλωρεντία και το άλλο στην Περούτζια, και εκπαιδεύτηκε υπό τον Verrocchio, μαζί με τον Botticelli και τον Leonardo da Vinci! Ο καλλιτέχνης, που θεωρείται ένας από τους μεγαλύτερους εκφραστές του Ουμανισμού, είναι ο συγγραφέας του περίφημου Γάμου της Παναγίας, που τώρα στεγάζεται στο Musée des Beaux-Arts στην Καέν. Οι ληστείες του Ναπολέοντα το 1797 έφεραν πράγματι την ελαιογραφία σε ξύλο στη Γαλλία, όπου αφηγείται ένα χαρμόσυνο γεγονός από τη χριστιανική παράδοση, ανάμνηση του γάμου της Παναγίας και του Αγίου Ιωσήφ. Στο έργο του καλλιτέχνη, ένας ναός χρησιμεύει ως το σκηνικό αυτού του επεισοδίου, με στόχο να συνθέσει τα αναγεννησιακά ιδανικά αντί να αναφέρεται πιστά σε ένα κλασικό μοντέλο. Η σύνθεση του πίνακα θυμίζει την παλαιότερη τοιχογραφία του Περουτζίνο, την Παράδοση των Κλειδιών, στην οποία ένα μεγάλο οκταγωνικό κεντρικό κτίριο τοποθετείται στο τέλος ενός προοπτικού δαπέδου σκακιέρας, σχεδιασμένο να ενισχύει τη σκηνή του πρώτου πλάνου, ενώ τηρεί το ιδανικό γεωμετρικό ορθολογισμό της εποχής, που χρησιμοποίησε ομοίως ο Ραφαήλ στον Γάμο της Παναγίας του.

Ghirlandaio, Adoration of the Shepherds, 1485. Τέμπερα σε πάνελ, 167×167 cm. Βασιλική Santa Trinita, παρεκκλήσι Sassetti, Φλωρεντία.

4. Ghirlandaio: Adoration of the Shepherds (1485)

Ο Domenico Bigordi, γνωστός ως Ghirlandaio (1448- 1494), ήταν ζωγράφος που δραστηριοποιήθηκε κυρίως στη Φλωρεντία, τον τόπο όπου γεννήθηκε και διακρίθηκε σε εκείνη την περίοδο ακμής που κυβέρνησε ο περίφημος Lorenzo ο Μεγαλοπρεπής. Η Λατρεία του χρονολογείται σίγουρα το 1485. Πώς μπορώ να το πω; Δείτε μόνοι σας ένα από τα δύο κορινθιακά κιονόκρανα που τοποθετούνται για να στηρίξουν την οροφή της καλύβας κάτω από την οποία στέκονται τα ζώα, τα οποία, σαν να ήταν άνθρωποι, φαίνονται να συλλογίζονται τη Μαντόνα και το παιδί μπροστά τους. Λοιπόν, έχετε δει το έτος να εξηγείται με ρωμαϊκούς αριθμούς; Λοιπόν, υπάρχουν άλλα πράγματα που μπορώ να σας δείξω, γιατί, στην τετράγωνη σύνθεση, που εκτελείται σύμφωνα με την παραδοσιακή εικονογραφία, βρίσκουμε αρκετές αναφορές στον αρχαίο κόσμο, όπως π.χ. Εκτός από τους παραπάνω κίονες, η αψίδα του θριάμβου και η ρωμαϊκή σαρκοφάγος που χρησιμοποιείται ως φάτνη. Επιπλέον, η λατινική επιγραφή στο τελευταίο, που προορίζεται να υπαινίσσεται το γεγονός της γέννησης του Χριστού, είναι εξίσου ακριβής με τη χειρονομία που κάνει ο Ιωσήφ για να παρατηρήσει τη μακρύτερη πομπή, σχολαστικότητα που επιβεβαιώνει τη μεγάλη προσοχή του πλοιάρχου στην εκτέλεση, πιθανώς και λόγω προσεκτικής παρατήρησης της φλαμανδικής παράδοσης.

Λεονάρντο ντα Βίντσι, Μόνα Λίζα, 1503-1505. Λάδι σε πάνελ λεύκας, 77 cm × 53 cm. Λούβρο, Παρίσι.

5. Λεονάρντο ντα Βίντσι: Μόνα Λίζα (1503-1505)

Συχνά, ο Δάντης στη Θεία Κωμωδία λιποθυμά, λιποθυμά σε δύσκολες καταστάσεις, όπου το σώμα του δεν αντέχει αυτό που αντιλαμβάνεται το μυαλό του. Θεέ μου, όταν έγραψα το όνομα του Λεονάρντο, ένιωσα κάπως έτσι, καθώς ο κύριος που γεννήθηκε το 1452 θεωρείται μια από τις μεγαλύτερες ιδιοφυΐες της ανθρωπότητας, απόλυτα ικανός να ενσαρκώσει πλήρως το πνεύμα της εποχής του, με στόχο την επίτευξη των υψηλότερων εκφράσεων του ανθρώπου στους τομείς της τέχνης και της γνώσης. Ο πιο διάσημος πίνακας του, και μάλιστα ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο, είναι η Μόνα Λίζα, ένα αριστούργημα που τράβηξε το ενδιαφέρον και του Σίγκμουντ Φρόιντ. Ο Φρόιντ, αντί να πιστεύει ότι η γυναίκα που απεικονίζεται ήταν η Λίζα Γκεραρντίνι, υποστήριξε ότι ο κύριος είχε απαθανατίσει τη μητέρα του, μια φιγούρα που είχε φύγει πρόωρα από τη ζωή του. Μάλιστα, ο ζωγράφος, νόθο παιδί συμβολαιογράφου και υπηρέτη, πέρασε τα πρώτα του χρόνια με τη μητέρα του Κατερίνα, πριν πάει να ζήσει με τον πατέρα του και τη νέα, νεαρή σύζυγό του. Επιπλέον, η μητέρα του καλλιτέχνη πέθανε όταν ήταν μόλις πέντε ετών, γεγονός που, σύμφωνα με τον ψυχαναλυτή, είχε μόνιμη επίδραση στην ανάπτυξη της προσωπικότητας του Λεονάρντο. Αυτή η υπόθεση υποστηρίζεται δυνητικά από το τοπίο πίσω από τον πρωταγωνιστή του αριστουργήματος, που φαίνεται να παραπέμπει στο παιδικό περιβάλλον του Λεονάρντο, κοντά στον ποταμό Άρνο.

Michelangelo, Δημιουργία του Αδάμ, γύρω στο 1511. Τοιχογραφία, 280 cm × 570 cm. Οροφή της Καπέλα Σιξτίνα.

6.Michelangelo: Creation of Adam (γύρω στο 1511)

Ορίστε, Μιχαήλ Άγγελο! Μια προσωπικότητα τόσο λαμπρή όσο και ανήσυχη, με το παρατσούκλι Θεϊκός Καλλιτέχνης και αναγνωρισμένη ως ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους όλων των εποχών ακόμη και από τους συγχρόνους του, τον Μιχαήλ Μπουοναρότι, ζωγράφο, γλύπτη, αρχιτέκτονα και ποιητή, γεννήθηκε στο Καπρέζε (Αρέτζο, Τοσκάνη). στις 6 Μαρτίου 1475. Το έργο που θα αναδείξει το αθάνατο ταλέντο του είναι η Δημιουργία του Αδάμ, μια τοιχογραφία στην Καπέλα Σιξτίνα, ένα από τα πιο διάσημα και εμβληματικά έργα στην ιστορία της τέχνης. Παίρνει μορφή στην απεικόνιση του Θεού που κρέμεται μέσα σε ένα φωτοστέφανο που φέρουν οι άγγελοι, με το χέρι Του να συναντήσει αυτό του Αδάμ, ο οποίος βρίσκεται στα αριστερά και εμφανίζεται σε ένα λιβάδι. Ποιο είναι το νόημα αυτού που βλέπουμε; Το φόντο, που δεν απεικονίζει λεπτομέρειες, μας βυθίζει στο πλαίσιο της δημιουργίας του Αδάμ, και συνεπώς της ανθρωπότητας, αναφερόμενος συγκεκριμένα στη στιγμή που ο Θεός Πατέρας απλώνει το χέρι Του για να αγγίξει σωματικά τον νεαρό, μεταδίδοντας τη σπίθα της ζωής στον αυτόν. Σε αυτό το σημείο, ολοκληρώνω με ένα ενδιαφέρον στοιχείο: μια παρόμοια χειρονομία με αυτή που απεικονίζεται παραπάνω μπορεί να βρεθεί στον Ευαγγελισμό του Σάντρο Μποτιτσέλι στο Cestello, όπου ο Αρχάγγελος Γαβριήλ απλώνει το χέρι του προς την Παναγία, δημιουργώντας δραματικές και θεατρικές κινήσεις, χτισμένες γύρω από την διαγώνιο που δημιουργήθηκε από τα μπράτσα των δύο πρωταγωνιστών.

Titian, Venus of Urbino, 1538. Λάδι σε καμβά, 119 cm × 165 cm. Ουφίτσι, Φλωρεντία.

7. Τιτσιάνο: Αφροδίτη του Ουρμπίνο (1538)

Σε αυτήν την πρώτη δεκάδα, κάθε καλλιτέχνης είναι μια συγκλονιστική εμπειρία για μένα, πάρα πολύ μεγαλείο σε ένα μόνο άρθρο. Αλλά πριν λιποθυμήσω ξανά, μπορώ να μιλήσω για τον Τιτσιάνο; Ναι, ο Tiziano Vecellio, γνωστός απλώς ως Τιτσιάν, ήταν Ιταλός ζωγράφος γεννημένος το 1488, εξέχουσα μορφή της βενετικής σχολής, του οποίου τα στιλιστικά στοιχεία συνοψίζονται εν μέρει στο διάσημο αριστούργημα, την Αφροδίτη του Ουρμπίνο. Το λάδι σε καμβά, παρά την τέλεια ισορροπημένη σύνθεσή του, διατηρεί τη φυσικότητα των μορφών, εστιάζοντας ιδιαίτερα στην πρωταγωνίστρια, μια γυμνή Αφροδίτη ξαπλωμένη σε λευκό σεντόνι, κρατώντας το μπούστο της με το δεξί της χέρι και στηρίζοντας το χέρι της σε δύο μαξιλάρια. Η γυναίκα κοιτάζει κατευθείαν τον παρατηρητή, ενώ με το αριστερό της χέρι καλύπτει την ηβική της περιοχή και με το δεξί κρατά μερικά τριαντάφυλλα, μερικά από τα οποία έχουν πέσει στο κόκκινο κρεβάτι. Στο δωμάτιο αναγεννησιακού στιλ, εκτός από το μικρό σκυλάκι κοντά στη θεά, στο βάθος διακρίνονται δύο υπηρέτριες που ανασύρουν ρούχα από ένα σεντούκι. Ωστόσο, το αριστούργημα μπορεί να γίνει κατανοητό απλά αναφερόμενος στον προστάτη του, τον Guidobaldo, ο οποίος σκόπευε να χρησιμοποιήσει τον πίνακα ως υπενθύμιση και πρότυπο έγγαμου βίου για να το αφιερώσει στη σύζυγό του, Giulia da Varano. Μάλιστα, ορισμένα στοιχεία του καμβά μιλάνε ξεκάθαρα ως προς αυτό: τα τριαντάφυλλα συμβολίζουν την ομορφιά, η οποία, σε αντίθεση με την αιώνια πίστη που συμβολίζει ο σκύλος, ξεθωριάζει με το πέρασμα του χρόνου. Ως εκ τούτου, αντί για σωματική ικανότητα, κατά τη διάρκεια μιας μακράς ιστορίας αγάπης, θα είναι η στάση σεβασμού που ευνοείται να υποστηρίζουμε πάντα τους συζύγους...

Piero della Francesca, Βάπτιση του Χριστού, 1445. Τέμπερα σε πάνελ, 167 cm × 116 cm. Εθνική Πινακοθήκη, Λονδίνο.

8. Piero della Francesca: Βάπτιση του Χριστού (1445)

Στο κέντρο της σύνθεσης, βρίσκουμε τον Ιησού, ενώ στα δεξιά, ο Ιωάννης ο Βαπτιστής παίρνει τη θέση του. είναι οι κύριες φιγούρες αυτού του αριστουργήματος, που περιβάλλεται από αγγέλους και μια πιο μακρινή ανδρική φιγούρα, που εμφανίζεται μπροστά σε μια ομάδα Ελλήνων ιερέων. Η σκηνή της βάπτισης, που βρίσκει τσιμεντένιο χώρο πάνω από το κεφάλι του Υιού του Θεού, στα χέρια του Ιωάννη, έχει μελετηθεί επιδέξια, παρόλο που μπορεί να φαίνεται κάπως τυχαία. Ο καλλιτέχνης, στην πραγματικότητα, τήρησε ακριβείς μαθηματικούς κανόνες, με στόχο να δώσει στον πίνακα μια αίσθηση ηρεμίας και γαλήνης, κυρίως λόγω μιας ιδιόμορφης γεωμετρικής κατασκευής, την οποία ο Piero περιέγραψε επίσης στην πραγματεία "De quinque corporibus regularibus". Όλη αυτή η μελέτη γίνεται εμφανής όταν αναλύουμε τη σύνθεση, προσπαθώντας να βρούμε μέσα της τη μορφή ενός τετραγώνου, του οποίου το σχήμα εκτείνεται από τη βάση του στηρίγματος μέχρι ακριβώς πάνω από το περιστέρι. Στη συνέχεια, θα μπορούσε να τοποθετηθεί ένα ημικύκλιο στο πάνω μέρος του έργου, το οποίο, αν χωριστεί στη μέση, θα αποκαλύψει τον Ιησού ως το αδιαμφισβήτητο κεντρικό πρόσωπο, μαζί με το χέρι του Ιωάννη και του προαναφερθέντος ζώου. Πώς διαβάζονται ερμηνευτικά όλα αυτά σε όσα έχουν περιγραφεί μέχρι τώρα; Ακόμα και σε αυτήν την περίπτωση, πίσω από ένα απλό μήνυμα, κρύβεται ένα πιο περίπλοκο και συμβολικό, έτοιμο να αποκαλυφθεί στα διάφορα στοιχεία που αντιπροσωπεύονται, όπως, για παράδειγμα: το καταπράσινο δέντρο, ο μαραμένος θάμνος, το περιστέρι και οι άγγελοι . Η πρώτη αναφέρεται στον πλούτο της ζωής των πιστών, η δεύτερη στη φτώχεια των αβάπτιστων, η τρίτη στο Άγιο Πνεύμα και η τελευταία στην Τριάδα... Όσο για τον καλλιτέχνη, Piero di Benedetto de' Franceschi, κοινώς γνωστός ως Piero della Francesca, γεννημένος στο Sansepolcro το 1412, ήταν Ιταλός ζωγράφος και μαθηματικός, σίγουρα μια από τις πιο εμβληματικές μορφές της ιταλικής Αναγέννησης, που ανήκε στη δεύτερη γενιά ζωγράφων-ανθρωπιστών.

Ραφαήλ, Η Σχολή των Αθηνών, 1510. Τοιχογραφία, 500 cm × 770 cm. Αποστολικό Παλάτι, Πόλη του Βατικανού.

9. Ραφαήλ: Η Σχολή των Αθηνών (1510)

Θεωρούμενος ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες όλων των εποχών, ο Raphael Sanzio (1483-1520), ζωγράφος και αρχιτέκτονας, είναι ο δημιουργός ενός από τα πιο γνωστά έργα στην ιστορία της τέχνης: Η Σχολή της Αθήνας, μια τοιχογραφία σε lunette στο δωμάτιο του Segnatura στα Ανάκτορα του Βατικανού (Πόλη του Βατικανού). Το αριστούργημα απεικονίζει ένα κλασικό κτίριο με δάπεδο διακοσμημένο με κανονικά τετράγωνα, έτοιμο να φιλοξενήσει μια σκάλα, όπου τοποθετούνται διάφορα αρχαία αρχιτεκτονικά στοιχεία. Το σύνολο έχει συλληφθεί ως ένα υπέροχο σκηνικό, με, εκτός από τον γαλάζιο ουρανό στο βάθος, αξιόλογους χαρακτήρες, επιστήμονες και διανοούμενους που ήταν σύγχρονοι του δασκάλου, καθώς και ανήκαν στον κλασικό κόσμο. Στο κέντρο της τοιχογραφίας, μάλιστα, τοποθετούνται οι μορφές του Πλάτωνα και του Αριστοτέλη, έτοιμες να κάνουν ξεκάθαρο το νόημα ολόκληρης της σύνθεσης: να γιορτάσουν τον ρωμαϊκό πολιτισμό και τον παπισμό ως κληρονόμο του αρχαίου μεγαλείου. Συγκεκριμένα, σύμφωνα με το πρόγραμμα του Πάπα Ιούλιου Β', το Δωμάτιο του Σεγκνατούρα προοριζόταν να αντιπροσωπεύει τη φιλοσοφία, ενσωματώνοντας τις αξίες του καλού, του αληθινού και του ωραίου, τα μόνα μονοπάτια μέσω των οποίων ο άνθρωπος μπορεί να φτάσει στον Θεό.

Botticelli, The Birth of Venus, 1476-1487. Τέμπερες σε καμβά. 172,5 cm × 278,9 cm (67,9 × 109,6 ίντσες). Ουφίτσι, Φλωρεντία.

10.Μποτιτσέλι: Η γέννηση της Αφροδίτης (1476-1487)

Ολοκληρώνουμε αυτόν τον μη εξαντλητικό απολογισμό με τη δέκατη θέση, που πήρε σταθερά ο Μποτιτσέλι, ο οποίος δεν ήθελε και δεν μπορούσε να αποκλειστεί. Ο Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, γνωστός με το καλλιτεχνικό του όνομα Sandro Botticelli, γεννημένος τον Μάρτιο του 1445 στη Φλωρεντία, ήταν ζωγράφος της Αναγέννησης, που γιορτάστηκε κυρίως για τη Γέννηση της Αφροδίτης, μια τέμπερα σε καμβά που θαυμάζεται στην γκαλερί Uffizi (Φλωρεντία). Το έργο, το δέκατο σε μια κατάταξη που πηγαίνει μόνο με τη σειρά της αρχαιότητας των δασκάλων, έχει στο κέντρο του τη μορφή της θεάς που στέκεται πάνω σε ένα κοχύλι, έτοιμη να κατευθυνθεί προς τις ακτές της Κύπρου, όπου μια από τις Ώρες, ή μια των Χαρίτων, την περιμένει, προσφέροντας ένα κεντημένο ιμάτιο. Όλα αυτά γίνονται δυνατά από τον άνεμο, τον οποίο προσωποποιεί ο Ζέφυρος, του οποίου η ανάσα, προερχόμενη από τα αριστερά, επιτρέπει στην Αφροδίτη να κινηθεί, ενώ ο ίδιος απολαμβάνει την αγκαλιά της νύμφης Χλόρις. Ο πίνακας δημιουργήθηκε για να απεικονίσει την αφήγηση του Οβίδιου στις Μεταμορφώσεις, αν και έρχεται σε αντίθεση με τον δικό του τίτλο επειδή, αντί να απεικονίζει τη γέννηση της θεάς, αντιπροσωπεύει το ταξίδι της. Γιατί τότε να αναφερθούμε στις Μεταμορφώσεις; Η Γέννηση της Αφροδίτης, καθώς και η Primavera του Μποτιτσέλι, επινοήθηκαν μέσα στον νεοπλατωνικό πολιτισμό της Φλωρεντίας, που αγκαλιάστηκαν από πολλούς διανοούμενους, προωθώντας την άποψη της αγάπης ως ζωτικής σημασίας αρχής γεμάτη από τη δύναμη της ανανέωσης στη φύση.