From Ecology to Intimacy: Discover Art Basel 2024
Η Art Basel, η κορυφαία διεθνής έκθεση τέχνης, επιστρέφει στη Βασιλεία το 2024, συνεχίζοντας την παράδοσή της στην προβολή σημαντικής σύγχρονης τέχνης από όλο τον κόσμο. Αυτή η έκθεση, που ιδρύθηκε το 1970, έχει γίνει ένα κρίσιμο γεγονός που συνδέει καλλιτέχνες, γκαλερί και συλλέκτες, ενώ προωθεί επίσης συζητήσεις για πολιτιστικά και κοινωνικά ζητήματα. Στην έκδοση του 2024, το Art Basel επεκτείνει τα όρια των παραδοσιακών καλλιτεχνικών παρουσιάσεων συμπεριλαμβάνοντας σημαντικά θέματα όπως η οικολογία, η οικειότητα, η ιστορία, η πολιτική, η παγκοσμιοποίηση και η τεχνολογία, δημιουργώντας μια ολοκληρωμένη και ποικιλόμορφη πολιτιστική εμπειρία.
Ένα από τα σημαντικότερα σημεία της φετινής διοργάνωσης είναι το τμήμα Parcours, το οποίο σκηνοθετεί για πρώτη φορά η Stefanie Hessler, το οποίο μετατρέπει την Clarastrasse στη Βασιλεία σε μια καθηλωτική δημόσια έκθεση τέχνης με συγκεκριμένες εγκαταστάσεις που εξερευνούν τον οικολογικό μετασχηματισμό και το παγκόσμιο εμπόριο. Αυτό δείχνει πώς η τέχνη μπορεί να επηρεάσει και να αντανακλά πολιτιστικές και περιβαλλοντικές αλλαγές. Στον τομέα Unlimited, σε επιμέλεια του Giovanni Carmine, παρουσιάζονται εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας και φιλόδοξα έργα που ξεπερνούν τα συμβατικά όρια των art fair booth, προσφέροντας στους καλλιτέχνες την ευκαιρία να εκφράσουν ελεύθερα το όραμά τους χωρίς τους τυπικούς χωρικούς περιορισμούς των γκαλερί.
Το πρόγραμμα Conversations, που γιορτάζει την εικοστή επέτειό του υπό την επιμέλεια της Kimberly Bradley, συγκεντρώνει πάνω από 25 ηγέτες σκέψης σε 11 πάνελ για να συζητήσουν τις σύγχρονες πολιτιστικές προκλήσεις και τη μελλοντική διαμόρφωση του κόσμου της τέχνης. Οι συζητήσεις θα καλύψουν θέματα όπως η πολιτική, η ψηφιακή τεχνολογία και η κοινωνική δυναμική, δίνοντας έμφαση στη σημασία του διαλόγου και της πνευματικής ανταλλαγής στον τομέα της τέχνης. Ταυτόχρονα, το πρόγραμμα Film, με την επιμέλεια της Φιλίπα Ράμος και τώρα στην εικοστή πέμπτη έκδοσή του, εμβαθύνει σε οικολογικές αφηγήσεις και ιστορικούς προβληματισμούς μέσα από μια επιμελημένη επιλογή ταινιών καλλιτεχνών και ντοκιμαντέρ, παρέχοντας μια μοναδική κινηματογραφική οπτική για την τέχνη και την κοινωνία.
Τέλος, το Messeplatz Project χαρακτηρίζει αυτήν την έκδοση με μια παρουσίαση για συγκεκριμένο χώρο από την Agnes Denes, σε επιμέλεια Samuel Leuenberger. Η εγκατάσταση "Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024)" αναδεικνύει την αλληλεπίδραση μεταξύ τέχνης, περιβάλλοντος και αστικών χώρων, αντανακλώντας τη δέσμευση του Denes στην περιβαλλοντική και οικολογική τέχνη. Αυτός ο ισχυρός προβληματισμός για την επίδραση της τέχνης τόσο σε αστικό όσο και σε φυσικό περιβάλλον προσφέρει ένα συναρπαστικό τέλος στην εκδήλωση.
CHEMINEMENT (2017) Πίνακας Marie A Dubois
Δημιουργικοί διάλογοι για την οικολογία, την οικειότητα, την πολιτική και την ιστορία
Το Artmajeur προσφέρει μια επανερμηνεία των βασικών θεμάτων της Art Basel 2024 μέσα από τα έργα των καλλιτεχνών του. Για άλλη μια φορά, οι έννοιες της οικολογίας, της οικειότητας, της ιστορίας και της πολιτικής αναδύονται ως κεντρικά σημεία αναφοράς, προσφέροντας νέες προοπτικές και ερμηνείες που εμπλουτίζουν τον πολιτιστικό διάλογο που καθιερώνει η έκθεση.
Οικολογική Τέχνη Σύμφωνα με τους Marie A Dubois και Nicolas Badout
Πριν εμβαθύνουμε στα έργα των Marie A Dubois και Nicolas Badout, τα οποία διερευνούν το θέμα της οικολογίας , είναι σημαντικό να ορίσουμε τι εννοούμε με τον όρο «περιβαλλοντική τέχνη διαμαρτυρίας».
Στο τεράστιο πεδίο της τέχνης που σχετίζεται με περιβαλλοντικά θέματα, υπάρχει ένα ιδιαίτερο κίνημα που ξεχωρίζει τόσο από την οικολογική τέχνη όσο και από την περιβαλλοντική τέχνη: η περιβαλλοντική τέχνη διαμαρτυρίας. Αυτή η μορφή τέχνης εστιάζει στην αναπαράσταση της περιβαλλοντικής υποβάθμισης όχι μέσω άμεσων παρεμβάσεων στο περιβάλλον, αλλά μέσω εικαστικών έργων που αναδεικνύουν οικολογικά ζητήματα με κριτική και συχνά προκλητική προσέγγιση.
Ενώ η περιβαλλοντική τέχνη τείνει να περιλαμβάνει έργα που αλληλεπιδρούν άμεσα με το περιβάλλον, δημιουργώντας εγκαταστάσεις ή συγκεκριμένες παρεμβάσεις που μπορούν να έχουν άμεσο οπτικό ή λειτουργικό αντίκτυπο στο περιβάλλον, και η οικολογική τέχνη είναι αφιερωμένη σε έργα που συχνά διαδραματίζουν ενεργό ρόλο στην αποκατάσταση ή δημιουργία λειτουργικών οικολογικών συστημάτων, η περιβαλλοντική τέχνη διαμαρτυρίας χρησιμοποιεί κυρίως παραδοσιακές τεχνικές όπως η ζωγραφική, η γλυπτική ή η φωτογραφία για να μεταδώσει το μήνυμά της.
Η περιβαλλοντική τέχνη διαμαρτυρίας ξεχωρίζει για την ικανότητά της να προκαλεί ταυτόχρονα συναισθηματική και πνευματική απόκριση. Οι καλλιτέχνες αυτού του είδους χρησιμοποιούν ισχυρές και μερικές φορές ανησυχητικές εικόνες για να απεικονίσουν σενάρια περιβαλλοντικής καταστροφής, που συχνά προκαλούνται από την αχαλίνωτη εκβιομηχάνιση, τη ρύπανση, την αποψίλωση των δασών και άλλες οικολογικές βλάβες. Τα έργα αυτά στοχεύουν να ταράξουν τη συνείδηση του θεατή, προκαλώντας προβληματισμό για την ανθρώπινη ευθύνη απέναντι στο περιβάλλον και τον επείγοντα χαρακτήρα των προστατευτικών ενεργειών.
Η περιβαλλοντική τέχνη διαμαρτυρίας δεν περιορίζεται στην απλή απεικόνιση της υποβάθμισης, αλλά φιλοδοξεί να χρησιμεύσει ως καταλύτης για την αλλαγή. Μέσω της οπτικής δραματοποίησης των συνεπειών των ανθρώπινων πράξεων, οι καλλιτέχνες ελπίζουν να τονώσουν έναν κριτικό διάλογο μεταξύ του κοινού και να προωθήσουν μεγαλύτερη ευαισθητοποίηση για περιβαλλοντικά ζητήματα. Αυτό το καλλιτεχνικό είδος διαδραματίζει επομένως κρίσιμο ρόλο στο πολιτιστικό και κοινωνικό τοπίο, λειτουργώντας ως γέφυρα μεταξύ της περιβαλλοντικής γνώσης και της συλλογικής δράσης.
Έχοντας κάνει αυτήν την καλλιτεχνική-εννοιολογική διάκριση, είμαστε πλέον έτοιμοι να εξετάσουμε και να συγκρίνουμε τα έργα των Marie A Dubois και Nicolas Badout.
HELL (2023) Πίνακας του Nicolas Badout
Τα δύο έργα που προαναφέρθηκαν, το "Cheminement" της Marie A Dubois και το "Hell" του Nicolas Badout, προσφέρουν ξεκάθαρους προβληματισμούς για το θέμα της περιβαλλοντικής τέχνης διαμαρτυρίας, αν και ακολουθούν διαφορετικές αισθητικές και αφηγηματικές προσεγγίσεις.
Ο πρώτος πίνακας οδηγεί τον θεατή σε ένα μονοπάτι που καθίσταται σχεδόν αδιάβατο από την άφθονη παρουσία απορριμμάτων αυτοκινήτων, συμβολίζοντας τις μη βιώσιμες πρακτικές της καταναλωτικής μας κοινωνίας. Η σύνθεση του έργου, εμπλουτισμένη από μια προοπτική που οδηγεί το μάτι σε ένα μονοπάτι που πλαισιώνεται από αυτά τα οχήματα, προκαλεί βαθιά μια αίσθηση παραμέλησης και φθοράς. Αυτό το τοπίο, που αναπαρίσταται με άμεσο και ρεαλιστικό τρόπο, είναι ξεκάθαρα σχεδιασμένο για να αιχμαλωτίζει την προσοχή του θεατή και να διεγείρει τον προβληματισμό. Σκοπός δεν είναι μόνο η οπτική απεικόνιση της ανθρώπινης αμέλειας αλλά και η πρόκληση κριτικής σκέψης σχετικά με τις καταστροφικές επιπτώσεις των πράξεών μας στο περιβάλλον.
Το δεύτερο έργο, από την άλλη πλευρά, χρησιμοποιεί μια σατιρική προσέγγιση και μια παλέτα με ζωηρά χρώματα για να αμφισβητήσει τη συλλογική «περισπασμό» σχετικά με τις περιβαλλοντικές καταστροφές. Ο πίνακας απεικονίζει μια σκηνή διακοπών σε μια παραλία, πάνω από την οποία φαίνεται ένας φλεγόμενος ουρανός, συμβολίζοντας μακρινά δάση που καίγονται. Η έντονη αντίθεση μεταξύ της ζωντάνιας του τοπίου των διακοπών και του αποκαλυπτικού σκηνικού της φωτιάς υπογραμμίζει την εκτεταμένη αδιαφορία για τις περιβαλλοντικές κρίσεις. Μέσω της τολμηρής χρήσης χρωμάτων και μιας δυναμικής σύνθεσης, ο Badout ασκεί κριτική στην επικρατούσα ανέμελη στάση, τονίζοντας το χάσμα μεταξύ της εφήμερης ευχαρίστησης και των επίμονων περιβαλλοντικών απειλών.
Έτσι, είναι σαφές πώς και τα δύο έργα χρησιμοποιούν την οπτική δύναμη για να διεγείρουν την επίγνωση, έστω και με εκ διαμέτρου αντίθετες προσεγγίσεις: Ο Dubois επιλέγει μια ωμή και ρεαλιστική απεικόνιση της ανθρώπινης αμέλειας, ενώ ο Badout υιοθετεί ένα σουρεαλιστικό και ειρωνικό ύφος, αλλά εξίσου επικριτικό. Τέλος, ο Dubois εστιάζει σε μια καθημερινή σκηνή για να αναδείξει τις άμεσες συνέπειες των πράξεών μας, ενώ ο Badout χρησιμοποιεί μια υπερβολική μεταφορά για να υπογραμμίσει τον παραλογισμό της αδιαφορίας μας.
Οικειότητα στην Τέχνη: Από τον Ντεγκά στην Τετιάνα Κόντα και τον Αλέν Ρουσμάγιερ
Για άλλη μια φορά, ξεκινώντας από την ιστορία της τέχνης, βρίσκουμε αριστουργήματα που έχουν αποτυπώσει αριστοτεχνικά την οικειότητα . Αυτά τα έργα, δημιουργημένα από καλλιτέχνες που είναι ικανοί να μεταφέρουν το βάθος των συναισθηματικών καταστάσεων και την ανθρώπινη εγγύτητα, φωτίζουν τις ιδιωτικές αποχρώσεις της καθημερινής ζωής. Ο Edgar Degas, για παράδειγμα, απαθανάτισε τις μπαλαρίνες του σε στιγμές ξεκούρασης, εξερευνώντας τους δεσμευμένους χώρους στα παρασκήνια, ενώ ο Gustav Klimt αποτύπωσε τον ανθρώπινο ερωτισμό και στοργή σε συναισθηματικά φορτισμένες αγκαλιές. Ο Έγκον Σίλε ξεχώρισε για τα ακατέργαστα και έντονα πορτρέτα του που διαπερνούν την ψυχή των θεμάτων του, εξερευνώντας τη συναισθηματική πολυπλοκότητα του ατόμου.
Η Mary Cassatt και ο Johannes Vermeer προσέφεραν μια πιο ήσυχη αλλά εξίσου διεισδυτική προοπτική, εστιάζοντας στους εσωτερικούς χώρους του σπιτιού. Ο Cassatt απεικόνισε τη λεπτότητα απλών αλλά ουσιαστικών χειρονομιών, όπως μια μητέρα που φροντίζει το παιδί της, ενώ ο Vermeer απαθανάτισε καθημερινές σκηνές, εμπλουτισμένες από το φως που φιλτράρει απαλά μέσα από τα παράθυρα, προκαλώντας στιγμές ήρεμης σκέψης.
Στη σύγχρονη εποχή, καλλιτέχνες όπως η Nan Goldin και ο German Lorca έχουν χρησιμοποιήσει τη φωτογραφία για να εξερευνήσουν νέες διαστάσεις οικειότητας, δείχνοντας την ωμή πραγματικότητα των ανθρώπινων σχέσεων και ανακαλύπτοντας την ομορφιά στην καθημερινή ζωή. Οι εικόνες τους, συχνά προκλητικές κοινωνικές συμβάσεις, παρέχουν μια αυθεντική ματιά στην προσωπική ζωή των ατόμων.
Άλλοι καλλιτέχνες όπως ο Jean-Gabriel Eynard, ο Stanislaw Ignacy Witkiewicz και η Oliveira Gomes έχουν εμβαθύνει σε αυτά τα θέματα μέσω διαφόρων μέσων, δείχνοντας πώς η τέχνη όχι μόνο αντανακλά τη ζωή, αλλά την επηρεάζει και την εμπλουτίζει, διευρύνοντας την αντίληψή μας για την οικειότητα και την ανθρώπινη σύνδεση. Το όραμα αυτών των καλλιτεχνών μας επιτρέπει να δούμε πέρα από το ορατό, αγγίζοντας τις βαθύτερες χορδές της ανθρώπινης ύπαρξης.
Τώρα, η σκυτάλη περνά στους καλλιτέχνες του Artmajeur, που εκπροσωπούνται από τις εικονιστικές έρευνες της Tetiana Koda και του Alain Rouschmeyer, οι οποίοι συνεχίζουν να εξερευνούν και να ερμηνεύουν ξανά την οικειότητα μέσα από τα σύγχρονα έργα τους.
INTIMA REFLECTIONS (2023) Πίνακας της Tetiana Koda
INTIMITÉ (2022) Πίνακας του Alain Rouschmeyer
Αναλύοντας τα δύο έργα, «Intimate Reflections» της Tetiana Koda και «Intimité» του Alain Rouschmeyer, αποκαλύπτονται οι διαφορετικοί τρόποι με τους οποίους και οι δύο καλλιτέχνες έχουν εξερευνήσει το θέμα της οικειότητας.
Στον πρώτο πίνακα, "Intimate Reflections", η Tetiana Koda απεικονίζει μια γυναικεία φιγούρα με εσώρουχα, ξαπλωμένη σε μια στιγμή απόλυτης εγκατάλειψης και χαλάρωσης. Το φως που φιλτράρει μέσα από τα παράθυρα και οι απαλοί, θολοί τόνοι της ακουαρέλας συμβάλλουν στη δημιουργία μιας ατμόσφαιρας ήσυχης ενδοσκόπησης. Η επιλογή των χρωμάτων και της σύνθεσης αναδεικνύει την ευπάθεια και την ομορφιά της ιδιωτικής στιγμής, προκαλώντας μια βαθιά προσωπική και σπιτική αίσθηση οικειότητας.
Το «Intimité» του Rouschmeyer, από την άλλη, απεικονίζει δύο γυναίκες σε ένα μπάνιο, ένα σκηνικό που από μόνο του παραπέμπει στην ιδιωτική και οικεία σφαίρα. Τα ανοιχτά χρώματα και η μινιμαλιστική σύνθεση δημιουργούν μια ατμόσφαιρα γαλήνης και προβληματισμού. Η σκηνή, που απεικονίζει μια στιγμή της καθημερινής ρουτίνας και ενισχύεται από τη λεπτομέρεια στο προσκήνιο της στάμνας, καλεί τον θεατή να συλλογιστεί την ομορφιά των συνηθισμένων στιγμών και την πολυπλοκότητα των ανθρώπινων σχέσεων.
Συγκρίνοντας τα δύο, το "Intimate Reflections" χρησιμοποιεί ακουαρέλα για να δημιουργήσει μια ονειρική και αισθησιακή εικόνα, σχεδιασμένη να μεταφέρει μια στιγμή μοναξιάς και ευάλωτου προσωπικού προβληματισμού. Αντίθετα, το «Intimité» χρησιμοποιεί ακρυλικό για να εξερευνήσει την αλληλεπίδραση μεταξύ δύο ανθρώπων σε ένα οικιακό περιβάλλον, τονίζοντας τη γαλήνη και τη νοσταλγία των κοινών οικείων στιγμών.
WATERLOO (2023) Πίνακας του Τσούζικ
LA LIBERTÉ GUIDANT LE PEUPLE/ ΑΓΑΛΜΑ ΤΗΣ ΕΛΕΥΘΕΡΙΑΣ (2023) Πίνακας του Laurent Perazza
Historical Painting Revisited by Chuzhik and Perazza
Τώρα είναι η σειρά της ιστορίας , ένα θέμα που θα αναλυθεί για άλλη μια φορά ξεκινώντας από την ιστορικο-καλλιτεχνική αφήγηση.
Η ιστορική ζωγραφική χρησιμοποιείται συχνά για να περιγράψει πίνακες που απεικονίζουν σκηνές προερχόμενες από την ιστορία με αυστηρή έννοια, εξαιρουμένων των θρησκευτικών, μυθολογικών και αλληγορικών θεμάτων, τα οποία εμπίπτουν στον ευρύτερο όρο της ιστορικής ζωγραφικής.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης και της ανθρωπιστικής περιόδου, επεισόδια της πολιτικής και ιερής ιστορίας επανερμηνεύονταν συχνά σε σύγχρονα πλαίσια για να υπογραμμιστεί η συνάφειά τους. Καλλιτέχνες όπως ο Masaccio, ο Mantegna και ο Piero della Francesca χρησιμοποίησαν μοντέρνα περιβάλλοντα και ρούχα για να δώσουν νέα πνοή στις αρχαίες ιστορίες. Στην περίοδο του μπαρόκ, η ιστορική ζωγραφική πήρε μια πιο αλληγορική διάσταση, ενώ στο δεύτερο μισό του δέκατου όγδοου αιώνα, καλλιτέχνες όπως ο Jacques-Louis David έντυσαν ιστορικούς και μυθολογικούς χαρακτήρες με σύγχρονη ενδυμασία, εκφράζοντας επαναστατικές αρετές του πολίτη.
Με την έλευση του δέκατου ένατου αιώνα και του ρομαντισμού, η ιστορική ζωγραφική στράφηκε προς την απεικόνιση πραγματικών και σύγχρονων γεγονότων, εξυμνώντας ηρωικές μορφές όπως ο Ναπολέων και ο Νέλσον, ή συλλογικά κινήματα όπως οι άνθρωποι. Παρά αυτές τις εξελίξεις, η ιστορική ζωγραφική διατήρησε τον εορταστικό της χαρακτήρα, εμφανής ακόμη και στην ιταλική τέχνη Risorgimento.
Στον εικοστό αιώνα, η ιστορική ζωγραφική συχνά ανέλαβε τον ρόλο της καταγγελίας της φρίκης του πολέμου και των κοινωνικών αδικιών. Διάσημα παραδείγματα περιλαμβάνουν το «Πολεμικό τρίπτυχο» του Ότο Ντιξ και το «Γκουέρνικα» του Πικάσο, που χρησιμοποίησαν την τέχνη τους για να ασκήσουν κριτική και να ευαισθητοποιήσουν σε κρίσιμα ζητήματα. Κατά τη διάρκεια των ολοκληρωτικών καθεστώτων, όπως ο ναζισμός και ο σοβιετικός σοσιαλιστικός ρεαλισμός, η ιστορική ζωγραφική χρησιμοποιήθηκε συχνά για προπαγανδιστικούς σκοπούς, με ποικίλα καλλιτεχνικά αποτελέσματα.
Η ιστορική ζωγραφική παρουσιάζεται καλά από τα έργα των καλλιτεχνών Artmajeur Chuzhik και Laurent Perazza, οι οποίοι μέσα από τις δημιουργίες τους έχουν επανερμηνεύσει μερικές εξαιρετικά σημαντικές στιγμές στην αφήγηση της ανθρωπότητας.
Ο πίνακας του Chuzhik "Waterloo" αντιπροσωπεύει μια σύγχρονη επανεξέταση της περίφημης Μάχης του Βατερλώ, επανασχεδιασμένη με ένα προσωπικό στυλ που χαρακτηρίζεται από τη χρήση ζωντανών χρωμάτων και δυναμικής σύνθεσης. Αυτές οι ιδιαιτερότητες, επαναλαμβανόμενες στο έργο του καλλιτέχνη, συμβάλλουν στη μετάδοση της έντασης της στιγμής.
Στην πραγματικότητα, η χρωματική παλέτα με αντίθεση τονίζει το δράμα της σκηνής, ενώ η κεντρική φιγούρα του Ναπολέοντα, που απεικονίζεται εν μέρει από πίσω, παρατηρεί το πεδίο της μάχης και κυριαρχεί σε ολόκληρη τη σύνθεση. Οι σκιές των μορφών που πολεμούν στο βάθος είναι σχεδιασμένες να δημιουργούν μια αίσθηση κίνησης και χάους, προκαλώντας τη βαρβαρότητα και την αβεβαιότητα του πολέμου.
Ο δεύτερος πίνακας, «La Liberté guidant le peuple/Άγαλμα της Ελευθερίας», είναι του Laurent Perazza και είναι εμπνευσμένος από το διάσημο αριστούργημα του Eugène Delacroix, καθώς και το Άγαλμα της Ελευθερίας, σύμβολο της δημοκρατίας και της ελπίδας. Η Perazza συνδυάζει επιδέξια ιστορικά και μοντέρνα στοιχεία, δημιουργώντας μια σύνθεση που μιλά για το παρόν μέσα από τη γλώσσα του παρελθόντος.
Το έργο είναι όντως πολυεπίπεδο με πολλαπλά επίπεδα ερμηνείας. Σε πρώτο πλάνο, μια φιγούρα με μάσκα αερίου εισάγει αμέσως ένα σύγχρονο και ζοφερό πλαίσιο. Αυτός ο χαρακτήρας τοποθετείται δίπλα σε άλλες σύγχρονες φιγούρες, γύρω από το κεντρικό θέμα της Ελευθερίας: το αρχαίο εστιακό σημείο της σύνθεσης. Στο βάθος, λεπτομέρειες του σύγχρονου κόσμου, όπως αυτοκίνητα και φιγούρες που φορούν κίτρινα γιλέκα, σύμβολα πρόσφατων γαλλικών λαϊκών διαμαρτυριών, προσθέτουν περισσότερο βάθος και νόημα.
Ο πίνακας εμπλουτίζεται περαιτέρω από την παρουσία του ζωικού βασιλείου, που αντιπροσωπεύεται από ένα κοράκι και μερικά περιστέρια που πετούν στον ουρανό. Αυτά τα πουλιά πρέπει να γίνουν κατανοητά ως συμβολικά στοιχεία, που αντιπροσωπεύουν την αντίθεση μεταξύ του οιωνού της ατυχίας και της ελπίδας για ειρήνη, υπογραμμίζοντας την ασάφεια και την ένταση του τρέχοντος πλαισίου.
Τέλος, συγκρίνοντας τα έργα των Τσούζικ και Περάτσα, αναδεικνύονται ξεκάθαρα οι ξεχωριστές προσεγγίσεις τους στην ιστορική ζωγραφική. Το «Waterloo» του Chuzhik εστιάζει σε ένα μεμονωμένο γεγονός, ξυπνώντας τα συναισθήματα και τις εμπειρίες των εμπλεκόμενων στρατιωτών, προσκαλώντας τον θεατή να αναλογιστεί τη βαρβαρότητα του πολέμου. Αντίθετα, ο πίνακας του Perazza χρησιμοποιεί ιστορικά σύμβολα για να σχολιάσει τη σύγχρονη πραγματικότητα, συνδυάζοντας στοιχεία του παρελθόντος και του παρόντος για να δημιουργήσει έναν διάλογο μεταξύ ιστορικών επαναστάσεων και σύγχρονων διαμαρτυριών.
ΑΝΑΚΥΚΛΩΜΕΝΟΣ ΛΕΝΙΝ #5 (2024) Γλυπτό του Oleksandr Balbyshev
THE SHOW MUST GO ON (2023)Πίνακας Wladimir Lewtschenko
Τέχνη και ακτιβισμός: Τα έργα των Balbyshev και Lewtschenko
Το τελευταίο θέμα αφορά τη σχέση τέχνης και πολιτικής, μια βαθιά σύνδεση που εκδηλώνεται με πολλούς τρόπους. Η τέχνη ήταν πάντα ένα ισχυρό όργανο αλλαγής: από τα αρχαία σπήλαια μέχρι τη σύγχρονη τέχνη του δρόμου, οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν τα έργα τους για να εκφράσουν απόψεις για την κοινωνία και τον κόσμο γύρω τους, συχνά ως απάντηση σε κοινωνικά ή πολιτικά ζητήματα. Η τέχνη διαμαρτυρίας μπορεί να πάρει διάφορες μορφές, όπως πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά, τοιχογραφίες κ.λπ.
Σήμερα, η τέχνη διαμαρτυρίας βρίσκεται σε μουσεία, δημόσιους χώρους και στα μέσα κοινωνικής δικτύωσης, έχοντας σημαντικό αντίκτυπο στην κοινωνία και επηρεάζοντας κοινωνικά και πολιτικά κινήματα. Οι καλλιτέχνες που δημιουργούν τέχνη διαμαρτυρίας θεωρούνται συχνά ως ακτιβιστές, που χρησιμοποιούν τη δουλειά τους για να αμφισβητήσουν την εξουσία, να εμπνεύσουν τη δράση και να οικοδομήσουν κοινότητες.
Η ιστορία της τέχνης διαμαρτυρίας είναι μακρά και πλούσια, που χρονολογείται από αιώνες. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, για παράδειγμα, καλλιτέχνες όπως ο Μιχαήλ Άγγελος εξέφρασαν απόψεις για τη θρησκεία και την πολιτική μέσα από τα έργα τους. Τον 20ο αιώνα, η τέχνη διαμαρτυρίας έγινε πιο διαδεδομένη με καλλιτέχνες όπως ο Kazimir Malevich, ο οποίος με το "Black Square" του απέρριπτε τις παραδοσιακές μορφές τέχνης και ο Otto Dix, ο οποίος με το "The War" του απεικόνιζε τη φρίκη του πολέμου.
Στις δεκαετίες του 1960 και του 1970, η τέχνη διαμαρτυρίας αντιμετώπιζε θέματα όπως ο ρατσισμός, ο σεξισμός και οι συγκρούσεις του Ψυχρού Πολέμου. Καλλιτέχνες όπως ο Jasper Johns δημιούργησαν έργα που, αν και δεν ήταν φανερά πολιτικά, ερμηνεύτηκαν ως κριτικές του αμερικανικού εθνικισμού. Σήμερα, καλλιτέχνες όπως ο Banksy χρησιμοποιούν πολιτικά φορτισμένες τοιχογραφίες για να αμφισβητήσουν την εξουσία και να εμπνεύσουν την αλλαγή.
Οι καλλιτέχνες Artmajeur που επιλέχθηκαν να αναπαραστήσουν τη σχέση μεταξύ τέχνης και πολιτικής είναι οι Oleksandr Balbyshev και Wladimir Lewtschenko.
Σχετικά με το «Ανακυκλωμένος Λένιν #5», το γλυπτό του Oleksandr Balbyshev τροποποιεί μια προτομή από πορσελάνη από τη σοβιετική εποχή που απεικονίζει τον Λένιν, για να γελοιοποιήσει αυτό που ο καλλιτέχνης θεωρεί αδίστακτο δικτάτορα. Στην πραγματικότητα, ο Balbyshev επιδιώκει να ξεπεράσει την τραυματική ιστορική εμπειρία της χώρας του μεταμορφώνοντας τα απαίσια απομεινάρια της ΕΣΣΔ σε κάτι χιουμοριστικό και μη απειλητικό, δείχνοντας ότι ακόμη και το ισχυρότερο κακό μπορεί να νικηθεί, αν και η επαγρύπνηση είναι απαραίτητη για να αποτραπεί η αναζωπύρωση του εχθρού.
Το "The Show Must Go On" του Wladimir Lewtschenko από την άλλη πλευρά, είναι ένας πίνακας που απεικονίζει μια σκηνή διαμαρτυρίας όπου τα ΜΑΤ, που αποδίδονται σε γκρίζους τόνους για να τονίσουν τη βαρύτητα και την ένταση της κατάστασης, έρχονται σε έντονη αντίθεση με πολύχρωμους χαρακτήρες κινουμένων σχεδίων. Ενώ ο Μίκυ και η Μίνι βγάζουν μια selfie, ο λιγότερο τυχερός Tweety αρπάζεται από την αστυνομία, δημιουργώντας μια αντίθεση ανάμεσα στην πραγματικότητα της διαμαρτυρίας και την επιπολαιότητα με την οποία γίνεται αντιληπτή συχνά από τα μέσα ενημέρωσης. Ο Lewtschenko επικρίνει την αδιαφορία και τον ευτελισμό σοβαρών ζητημάτων μέσω της χρήσης εικονιδίων της ποπ κουλτούρας, δείχνοντας πώς ο εντυπωσιασμός μπορεί να διαστρεβλώσει την αντίληψη της πραγματικότητας.
Τέλος, οι καλλιτεχνικές γλώσσες του Balbyshev και του Lewtschenko παρουσιάζουν σημαντικές συγγένειες, καθώς και οι δύο λειτουργούν μέσω της αντίθεσης: ο Balbyshev μεταμορφώνει ένα σύμβολο του καταπιεστικού παρελθόντος σε γελοίο αντικείμενο, ενώ ο Lewtschenko εκμεταλλεύεται την αντίθεση μεταξύ της ποπ εικονογραφίας και της βαρύτητας της διαμαρτυρίας.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine