Χρυσός σε έργα τέχνης

Η Τεχνική Ζωγραφικής «Fondo oro».

Ο χρυσός υπήρξε ο πρωταγωνιστής πολλών αριστουργημάτων στην ιστορία της τέχνης, που δημιουργήθηκαν με τη ζωγραφική τεχνική του "Fondo oro", το οποίο διαδόθηκε αρχικά στα παλαιοχριστιανικά ψηφιδωτά, αργότερα χρησιμοποιήθηκε για την παραγωγή έργων ζωγραφικής σε ξύλο, μινιατούρες και ψηφιδωτά. της βυζαντινής περιόδου. Αυτή η τεχνική, που περιγράφεται τέλεια στην πραγματεία του 1400 περίπου από τον Cennino Cennini, με τίτλο "Libro dell'arte", βασίζεται στην παραγωγή μικρών και λεπτών φύλλων χρυσού, τα οποία, οι εξειδικευμένοι τεχνίτες του Μεσαίωνα, πραγματοποιούσαν σφυρηλατώντας τα νομίσματα. , προκειμένου να ληφθούν πολύ λεπτά φύλλα μετάλλου. Στη συνέχεια, η επιφάνεια του έργου, που ήταν έτοιμη να δεχθεί το φύλλο χρυσού, ετοιμάστηκε απλώνοντας μια στρώση «μπολό», έναν κοκκινωπό πηλό διαλυμένο σε νερό και ασπράδι αυγού. Έπειτα, για να στερεωθεί ο χρυσός στο στήριγμα του πίνακα, χρησιμοποιήθηκαν μυρωδικά με βάση το νερό, όπως ασπράδι αυγού, μέλι, τσίχλα και χυμοί λαχανικών. Σημειωτέον ότι, κατά την υλοποίηση αυτής της τεχνικής, το φύλλο χρυσού εφαρμόστηκε σε ορθογώνια, τα οποία στη συνέχεια μεταφέρθηκαν σε βούρτσα, εφαρμόστηκαν στην επιφάνεια μέσω της πίεσης των τριχών. Τέλος, ο χρυσός συνθλίβονταν και γυαλίζονταν στο στήριγμα με το λάστιχο, ειδική βούρτσα από πέτρα αχάτη πεπλατυσμένη στο τέλος.

Πομπή της Θεοδώρας , 6ος αιώνας. Μωσαϊκό, Ραβέννα: βασιλική του San Vitale.

Ραβέννα και Βυζαντινή Τέχνη

Ένα αριστούργημα που διακρίνεται για το χρυσό του φόντο είναι το υπέροχο βυζαντινό μωσαϊκό με τίτλο Πομπή της Θεοδώρας , το οποίο, που σώζεται στη Βασιλική του San Vitale στη Ραβέννα της Ιταλίας, χρονολογείται γύρω στο 520-547. Το έργο αυτό απεικονίζει την αυτοκράτειρα Θεοδώρα, η οποία, τοποθετημένη στο κέντρο του ψηφιδωτού, πλαισιώνεται δεξιά από δύο ανδρικές μορφές και στα αριστερά από επτά αλληλοκαλυπτόμενες γυναικείες μορφές. Μέσα σε αυτή την ομάδα ανθρώπων, μόνο η Θεοδώρα και οι πιο κοντινές της φιγούρες προσανατολίζονται μετωπικά στο επίπεδο του μωσαϊκού, ενώ οι άλλοι πρωταγωνιστές είναι ελαφρώς απομακρυσμένοι από αυτό. Όσον αφορά την ενδυμασία, οι γυναίκες της πομπής φορούν πολύ πλούσια ρούχα και οι άντρες, πιθανότατα δύο αξιωματούχοι, φορούν χιτώνα με χλαμύδα από πάνω. Η αυτοκράτειρα, από την άλλη, που απεικονίζεται με λευκό χιτώνα με χρυσαφένιο άκρο, καλυμμένο από μωβ χλαμύδα, φορά επιδεικτικά κοσμήματα και πολύ περίτεχνη κόμμωση. Ως προς τον τρόπο απεικόνισης των χαρακτήρων, τα σώματά τους είναι κυρίως ασύμμετρα και απαθανατίζονται σε άκαμπτα μετωπικές και στυλιζαρισμένες πόζες. Επιπλέον, η απουσία chiaroscuro και οι έντονες γραμμές περιγράμματος δίνουν ζωή σε δισδιάστατες φιγούρες, που στερούνται πλαστικότητας. Επιπλέον, όσον αφορά τον τρόπο απεικόνισης των χαρακτήρων, πρέπει να σημειωθεί ότι η μορφή της Θεοδώρας είναι μεγαλύτερη από τις άλλες, ακολουθώντας τους νόμους της ιεραρχικής προοπτικής, η οποία συνδέεται με έναν τύπο συμβολικής παράστασης, όπου η καταγωγή του επισημαίνονται οι χαρακτήρες. Τέλος, ως προς το φόντο του έργου, το τελευταίο, χρυσό και δισδιάστατο, περιβάλλει τους πρωταγωνιστές της σκηνής, που έχουν τα πόδια τους ακουμπισμένα σε ένα πράσινο «χαλί». Επιπλέον, στο περιβάλλον υπάρχει επίσης μια μικρή βρύση, μια κόγχη που καλύπτεται από μια μικρή αψίδα σε σχήμα όστρακου και, στο πάνω μέρος δεξιά, ένα ριγέ ύφασμα. Επιστρέφοντας στο χρυσό χρώμα του φόντου, αυτό παραπέμπει στην πνευματικότητα, ενώ το μωβ της χλαμύδας της Θεοδώρας αντιπροσωπεύει τη δύναμη που απονέμεται στους αυτοκράτορες. Μάλιστα, αυτό το μωσαϊκό, που πιθανότατα δεν απεικονίζει πραγματικό γεγονός, πρέπει να θεωρηθεί έργο πολιτικής προπαγάνδας.

Duccio di Buoninsegna, Μεγαλειότητα του Καθεδρικού Ναού της Σιένα , 1308-11. Tempera σε πάνελ, 214 x 412 cm Σιένα: Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.

Cimabue, Μεγαλειότης της Αγίας Τριάδας , 1290-1300. Τέμπερες σε πάνελ, 384 x 223 εκ. Φλωρεντία: Πινακοθήκη Ουφίτσι.

Giotto, Συνάντηση στη Χρυσή Πύλη , 1303-1305. Τοιχογραφία, 200 × 185 εκ. Πάντοβα: Παρεκκλήσι Scrovegni.

Gustav Klimt, Judith , 1901. Λάδι σε καμβά, 84 × 42 εκ. Βιέννη: Österreichische Galerie Belvedere.

Το χρυσό φόντο από τον Μεσαίωνα στο...

Τα ιταλικά αριστουργήματα από τον Μεσαίωνα έως την πρώιμη Αναγέννηση διακρίθηκαν με τη χρήση της τεχνικής του «Fondo oro», η οποία συνδέθηκε με μια ακριβή συμβολική αξία, που στόχευε να υπαινίσσεται την απρόσιτη και ιερή ουράνια σφαίρα. Παράδειγμα όσων ειπώθηκαν είναι τα έργα δύο Τοσκανών ζωγράφων, όπως η Μεγαλειότητα του Καθεδρικού Ναού της Σιένα του Duccio di Buoninsegna και η Μεγαλειότητα της Αγίας Τριάδας του Cimabue. Αργότερα, με τη συμβολή της καλλιτεχνικής έρευνας του Τζιότο, το χρυσό υπόβαθρο και τα βυζαντινά σχήματα εγκαταλείφθηκαν εν μέρει και η ζωγραφική επέστρεψε για να απεικονίσει τον κόσμο και κυρίως τον ουρανό. Μάλιστα, από τον δέκατο τέταρτο αιώνα και μετά, αρχιτεκτονικά και τοπία υπόβαθρα άρχισαν σταδιακά να κυριαρχούν, μειώνοντας σταδιακά το ποσοστό του χρυσού διακοσμημένου πίνακα. Στην Αναγέννηση, η επίγνωση της σημασίας των ρεαλιστικών υποβάθρων επιβεβαιώθηκε οριστικά, τόσο πολύ που η τεχνική Χρυσό Φόντο άρχισε να είναι λιγότερο δημοφιλής. Παρόλα αυτά, η τεχνική δεν εξαφανίστηκε ποτέ εντελώς, παρέμεινε σε χρήση ακόμη και τον δέκατο έκτο αιώνα και καθιερώθηκε περισσότερο στις περιοχές επιρροής της ορθόδοξης θρησκείας, όπου εξαπλώθηκε η λατρεία των εικόνων. Στη σύγχρονη εποχή, το χρυσό φόντο έχει χρησιμοποιηθεί από πολλούς καλλιτέχνες, μεταξύ των οποίων, ο πιο διάσημος είναι αναμφίβολα ο Gustav Klimt.

Alena Masterkova, Εικόνα της κυρίας της τρυφερότητας , 2007. Ψηφιδωτό σε ξύλο, 82 x 62 cm.

Alena Masterkova: Εικόνα της κυρίας μας της τρυφερότητας

Το χρυσό χρώμα, που χρησιμοποιείται για φόντο ή λεπτομέρειες, χαρακτηρίζει επίσης πολλά έργα των καλλιτεχνών του Artmajeur, οι οποίοι, κατά καιρούς, εμπνεύστηκαν από τα μεγάλα αριστουργήματα της ιστορίας της τέχνης, ενώ, σε άλλες περιπτώσεις, χρησιμοποιούσαν καινοτόμα αυτόν τον πολύτιμο και φωτεινό τόνο. . Ένα μωσαϊκό, το οποίο, διακρινόμενο από τη χρήση χρυσών σμάλτων, άντλησε πιθανώς έμπνευση από τις μαντόνες με παιδί ορθόδοξων εικόνων, κατασκευάστηκε από τη Ρωσίδα καλλιτέχνη Alena Masterkova. Από αυτή την άποψη, αξίζει να επισημανθεί πώς οι εικόνες, που έγιναν δημοφιλείς στη Ρωσία το 988 περίπου, εξαπλώθηκαν υπό την επίδραση της βυζαντινής τέχνης και έγιναν μια πραγματική σχολή του είδους. Η εικονογραφία αυτής της περιόδου ακολούθησε πιστά τους κανόνες και τα είδη που αποδέχτηκε η βυζαντινή τέχνη, ενώ από τον δέκατο έβδομο αιώνα και μετά, επηρεασμένη από τους πίνακες και τα χαρακτικά της Καθολικής και Προτεσταντικής Ευρώπης, άρχισε να διακρίνεται από μια λιγότερο δισδιάστατη και στατική αναπαράσταση. πιο νατουραλιστικό και τρισδιάστατο. Το έργο του Masterkova παραπέμπει ξεκάθαρα στη βυζαντινή παράδοση, αφού χαρακτηρίζεται από ιερατικές και δισδιάστατες μορφές, οι οποίες, πλαισιωμένες κλασικά, εκπέμπουν μια έντονη πνευματική ενέργεια.

Danco, Allegory to Gustav Klimt I , 2020. Λάδι σε λινό καμβά, 70 x 50 cm.

Danco: Αλληγορία στον Gustav Klimt I

Το έργο του Danco, καλλιτέχνη του Artmajeur, αντιπροσωπεύει ένα άλλο φόρο τιμής στην ιστορία της τέχνης, καθώς απεικονίζει μια σύγχρονη και εξαιρετικά πρωτότυπη επανερμηνεία της Judith του Gustave Klimt. Μάλιστα, όπως και στο έργο του Αυστριακού δασκάλου, το πρόσωπο της κοπέλας που ζωγράφισε ο Danco πλαισιώνεται από ένα χοντρό κεφάλι από ογκώδη μαύρα μαλλιά, τα οποία, ωστόσο, στη συγκεκριμένη περίπτωση έχουν διακοσμηθεί με χρυσά σχέδια. Επιπλέον, ενώ στο φόντο του Klimt ο χρυσός και ο μαύρος θρίαμβος, που μαζί συνθέτουν μερικά οπωροφόρα δέντρα, στο έργο του καλλιτέχνη από το Artmajeur βρίσκουμε μια αφηρημένη διακόσμηση στην οποία κυριαρχεί ο μπρούτζος, φτιαγμένος με τη χρήση φύλλων, και το κόκκινο. Μέσα στους δύο πίνακες, άλλες πολύτιμες λεπτομέρειες μπορούν να βρεθούν στο κολιέ και το φόρεμα, το οποίο, στο έργο του Danco, δεν επιτρέπει να φανεί κανένα γυμνό. Επιπλέον, από τον πίνακα του καλλιτέχνη Artmajeur λείπει και το κεφάλι του Ολοφέρνη, έτσι ώστε ο πίνακας παύει να αφηγείται τη δημοφιλή ιστορία της Judith, η οποία, ως σύμβολο της γυναικείας δύναμης και του πνεύματος της θυσίας, έχει απεικονιστεί σε πολλά αριστουργήματα. Ως αποτέλεσμα, το έργο του Danco γίνεται μια απλή γιορτή της σύγχρονης γυναικείας ομορφιάς λουσμένης στις αντανακλάσεις του μπρούτζου. Τέλος, παρ' όλες αυτές τις διαφορές, και στους δύο πίνακες η πρωταγωνίστρια γίνεται σύμβολο μιας αισθησιακής γυναικείας φιγούρας, κοιτώντας αποφασιστικά μπροστά της, προς τον θεατή, με μια έκφραση σχεδόν περιφρονητική.

Kamil Zaitz, Gold mind , 2021. Ανοξείδωτο ατσάλι, Metals and Wire, 40 x 17 x 17 cm.

Kamil Zaitz: Χρυσό μυαλό

Το κρανίο, το θέμα του έργου τέχνης του καλλιτέχνη του Artmajeur, Zaitz, έχει συχνά απεικονιστεί στα πιο διάσημα αριστουργήματα της ιστορίας της τέχνης ως σύμβολο της vanitas. Η λατινική έκφραση vanitas vanitatum , που προέρχεται από το vanus και σημαίνει παροδική, υποδηλώνει στη ζωγραφική έναν τύπο νεκρής φύσης που χαρακτηρίζεται από την παρουσία αντικειμένων, τα οποία είναι συμβολικοί δείκτες της επισφάλειας της ύπαρξης, του αδυσώπητου του χρόνου και της εφήμερης φύσης του κοσμικά αγαθά. Αυτή η εικονογραφία, ηθικής πρόθεσης, αναπτύχθηκε κατά τον Μεσαίωνα, όταν η Εκκλησία είχε εκδώσει μια αυστηρή προειδοποίηση, υπενθυμίζοντας πώς ο πλούτος που συσσωρεύτηκε στη γη, χωρίς αξία, οδήγησε στην καταδίκη. Κατά συνέπεια, για να πείσουν τους αμαρτωλούς στη λύτρωση, οι εκκλησιαστικοί είχαν προτρέψει την εικονογραφική αναπαράσταση ειδών πολυτελείας, συνοδευόμενη από αντικείμενα που παρέπεμπαν σε θάνατο. Το έργο του Zaitz αντιπροσωπεύει, πιθανότατα, αυτή την εικονιστική παράδοση με έναν πολύ προσωπικό και καινοτόμο τρόπο, υλοποιώντας το κρανίο, που είναι το κατεξοχήν σύμβολο της vanitas, σε χρυσό ατσάλι, έναν τόνο άρρηκτα συνδεδεμένο με την αιώνια και άφθαστη ιερή ουράνια σφαίρα. Κατά συνέπεια, το γλυπτό του καλλιτέχνη από το Artmajeur φαίνεται να είναι ένα αληθινό οξύμωρο, στο οποίο ενώνονται η αιώνια ζωή και ο θάνατος.