Αναγέννηση ενάντια στον ρατσισμό...

ΑΣ ΧΟΡΕΨΟΥΜΕ ! (2022) Κολάζ του Dominique Kerkhove (DomKcollage).

Από τη λογοτεχνία στη ζωγραφική στην ποίηση...

"Είναι εύκολο για έναν νέγρο να "περάσει" ως λευκός. Αλλά δεν νομίζω ότι είναι τόσο εύκολο για έναν λευκό να "περάσει" ως νέγρος."

Αυτά τα λόγια, που χρονολογούνται από το 1929, αλλά, δυστυχώς και απαράδεκτα, ακόμη εν μέρει πολύ επίκαιρα, γράφτηκαν από τη Nella Larsen στο μυθιστόρημα Passing, ένα έργο στο οποίο, μέσω αυτού ακριβώς του όρου, η αμερικανική εμμονή με τη «χρωματική γραμμή », ή εκείνη η φανταστική οριακή γραμμή, που, στο μυαλό των πιο ρατσιστών, συντηρητικών ή απλώς ηλίθιων εξομοιωτών των «πλειοψηφιών», χώριζε τα όρια μεταξύ λευκών και μαύρων, αποκλείοντας τους τελευταίους από την πολιτική και κοινωνική ζωή της εποχής, αναλύθηκε. Προσθέτοντας ακόμη μεγαλύτερη σαφήνεια ως προς αυτό, αξίζει να σημειωθεί ότι, στην εποχή του συγγραφέα, υπήρχε αδιακρίτως διακριτική μεταχείριση, δηλαδή προς όποιον είχε έστω και μια σταγόνα μαύρου αίματος στη γενετική του σύνθεση. Σε έναν τέτοιο ρατσισμό πολλοί μουλάτο απάντησαν ακριβώς με το φαινόμενο ότι ο τίτλος του βιβλίου αναφέρει, ο οποίος ορίζεται ακριβώς ως «περαστικό», αντιπροσώπευε ένα έθιμο σύμφωνα με το οποίο ήταν δυνατό να αποφασίσει κανείς να περάσει τη γραμμή χρώματος για να ορίσει τον εαυτό του ως λευκό. , αποδεχόμενος, ως αποτέλεσμα, να εξοικειωθεί με ένα άλλο «περιβάλλον», το οποίο με τρόπο όχι εντελώς ξένο, αλλά ούτε και τόσο φιλικό, οδήγησε τον «υποψήφιο» να μην ξέρει πλέον πώς να μιλήσει για την καταγωγή του και, κατά συνέπεια, για τον εαυτό του. Αν και η εν λόγω τάση χρησίμευσε ως τρόπος διαφυγής από τον διαχωρισμό, οδήγησε σε ορισμένα μειονεκτήματα, στο ότι, όσοι είχαν γίνει λευκοί, μέχρι να συναντήσουν έγχρωμους, τώρα αναγνώρισαν ότι ανήκαν σε άλλη φατρία , στο οποίο όμως δεν πίστευαν ούτε τόσο θερμά. Αυτά τα συναισθήματα θα ήθελε να ακούσει μια από τις πρωταγωνίστριες του βιβλίου, η Irene Redfiled, από τη φίλη της Clare, μια ανοιχτόχρωμη γυναίκα με αφροαμερικανικές ρίζες, η οποία, ακριβώς μέσα από το προαναφερθέν φαινόμενο του «περάσματος», κατάφερε να εμφανιστεί λευκή. όχι μόνο στα μάτια της κοινωνίας που σύχναζε, αλλά και στα μάτια ενός βαθιά ρατσιστή συζύγου.

SAME (2019) Πίνακας του Ztn Artist.

Σε αυτό το σημείο, για να αποδώσουμε την εικόνα μιας τέτοιας ένωσης, ας στραφούμε από τη λογοτεχνία στην ιστορία της τέχνης, όπου το μυθιστόρημα του Λάρσεν φαίνεται να συνεχίζεται με την άποψη που εκφράζεται, περίπου τριάντα χρόνια αργότερα, από τον πίνακα του Τζέικομπ Λόρενς, ο οποίος, με τίτλο Το Taboo (1963), είναι ένα από τα πολλά έργα που δημιούργησε ο καλλιτέχνης κατά τη διάρκεια του κινήματος για τα πολιτικά δικαιώματα, με στόχο να εκφράσει, μέσω της απεικόνισης δύο μικτών ζευγαριών που σκοπεύουν να παντρευτούν, όλη την αποστροφή που ένιωθε ο δάσκαλος για τα ταμπού σχετικά με τους γάμους μεταξύ ανθρώπων. διαφορετικών φυλών. Αυτός ο σκοπός της καταγγελίας πρέπει να ενσωματωθεί στο πλαίσιο της αμερικανικής κουλτούρας της εποχής, η οποία, ειδικά στον Νότο, εξακολουθούσε να έχει την τάση να διατηρεί νόμους κατά της παρανομίας, που καθιστούσαν την εν λόγω πράξη όχι μόνο παράβαση σε κοινωνικό επίπεδο, αλλά και πραγματικό έγκλημα. Ακόμα σχετικά με το θέμα του γάμου, ένα μεταγενέστερο έργο του ίδιου καλλιτέχνη, με τίτλο Dreams no.2 (1965), παρουσιάζει μια αναμφισβήτητα σχετική έννοια, καθώς υπογραμμίζει πώς δυστυχώς, μόνο στη διάσταση του ονείρου, θα μπορούσε μια γαλαζοπρόσωπη άνδρας και γυναίκα με κοκκινωπή απόχρωση είναι στην πραγματικότητα χαρούμενοι που γιορτάζουν την ένωσή τους, η οποία έγινε στους μαιάνδρους του μυαλού της φιγούρας που ποζάρει στο προσκήνιο. Κατά μία έννοια, το ασυνείδητο της πρωταγωνίστριας της τέμπερας, δικαίως, αισθάνεται έτοιμο να ξεπεράσει τα φυλετικά εμπόδια της εποχής της, αναγνωρίζοντας τον εαυτό της ως μέρος ενός συνόλου, το οποίο εμπλουτίζεται ακριβώς από την παρουσία αυτής της πολυπόθητης διαφορετικότητας. Αυτή ακριβώς η τελευταία σκέψη είναι, λοιπόν, που με κάνει να σκεφτώ την πιο ολοκληρωμένη αποδοχή των πολλών αποχρώσεων του δέρματος, που εκφράζεται από το «ξέγνοιαστο» δίχρωμο κορίτσι στον πίνακα La Baker (1977), του Loïs Mailou Jones. ζωγράφος, της οποίας το έργο, αντλούσε σε μεγάλο βαθμό από τις παραδόσεις της Γαλλίας, της Αϊτής και της Αφρικής, καθώς και της πατρίδας της, δηλαδή της Νέας Αγγλίας, μιας περιοχής στις βορειοανατολικές Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής, όπου η καλλιτέχνις εκπαιδεύτηκε και εκφράστηκε, εξωτερικεύοντας μια άκρως προσωπική κοσμοθεωρία, που στοχεύει στην αφήγηση μιας σύνθετης άποψης που αποδίδεται με στυλιζαρισμένες φόρμες, πλούσια χρώματα και μια συνοπτική διδιάστατη, με σκοπό την αποφυγή, με κυρίαρχο τρόπο, των στόχων της πολιτικής και προπαγανδιστικής αφήγησης.

ΧΟΡΟΣ ΕΝΑΝΤΙΟΝ ΡΑΤΣΙΣΜΟΥ (1990) Πίνακας Pierre Peytavin.

Ωστόσο, σχετικά με το προαναφερθέν έργο του 1977, εκτός από το ότι αντικατοπτρίζει σε μεγάλο βαθμό τις στιλιστικές ιδιαιτερότητες που αναφέρθηκαν παραπάνω, προορίζεται να αναφέρει και να γιορτάζει, όπως ακριβώς στον τίτλο του, τη φιγούρα της Josephine Baker, της πρώτης γυναίκας αφρικανικής καταγωγής, η οποία, πρωταγωνιστώντας σε μια μεγάλη ταινία, έγινε ταυτόχρονα παγκοσμίου φήμης διασκεδαστής και αξέχαστη πηγή έμπνευσης για ολόκληρες γενιές Αφροαμερικανών γυναικών. Παραμένοντας στο θέμα της υπερηφάνειας της ταυτότητας, η ίδια η δασκάλα ισχυρίστηκε τη σημασία της καταγωγής της στο Ubi Girl από την περιοχή Tai, έναν πίνακα στον οποίο μια νεαρή γυναίκα, με σκοπό να κοιτάξει τον θεατή μέσα από τις σχισμές των μισόκλειστων βλεφάρων της, παρουσιάζει το τυπικό πρόσωπο διακοσμημένο με τα χρώματα του τελετουργικού της μύησης στη γυναικεία ηλικία στην περιοχή Τάι της Ακτής του Ελεφαντοστού, ένα μέρος που είχε επισκεφτεί η Τζόουνς κατά τη διάρκεια ενός μακρινού ταξιδιού στην Αφρική αναζητώντας τις ρίζες της, ένα επεισόδιο που συνοδεύτηκε εγκάρδια από την επιθυμία να φτάσει σε απελευθερωμένη αφροαμερικανική μορφή τέχνης, δηλαδή πιο τολμηρή, πιο τολμηρή, ταυτιστική και εξαιρετικά οικεία. Επιπλέον, μέσα από τις παραμονές της στην εν λόγω ήπειρο, η ζωγράφος αντιλήφθηκε μια θλιβερή αλήθεια, δηλαδή την ύπαρξη μιας κοινής εμπειρίας, η οποία, που αναφέρεται με τον όρο Blackness, ήταν ικανή να ενώσει τα γεγονότα των αναπτυσσόμενων αφρικανικών εθνών. πρόσφατα εξόριστος από την ανεξαρτησία, με τους συγγενείς αγώνες για την ανισότητα των Αφροαμερικανών. Επιστρέφοντας για λίγο στο La Baker, ένας τέτοιος πίνακας μπορεί να βρει την «αδελφή ψυχή» του στη Marian Anderson, μια ελαιογραφία του 1945 από τον William H. Johnson, με στόχο να γιορτάσει, σύμφωνα με τον τίτλο του, μια άλλη εξέχουσα μαύρη γυναίκα, που είναι γνωστό ότι είχε ήταν μια δημοφιλής πνευματική και γκόσπελ όπερα contralto, της οποίας το ταλέντο ξεπέρασε τα φυλετικά εμπόδια που την οδήγησαν ακόμη και να τραγουδήσει στο πρώτο απρόσιτο Μνημείο του Λίνκολν το 1939.

ΝΕΚΡΗ ΦΥΣΗ ΜΕ ΑΦΡΙΚΑΝΙΚΗ ΜΑΣΚΑ (2020) Πίνακας της Galya Didur.

LOUIS (2021)Κολάζ του Olivier Bouvard.

Ακριβώς με αυτό το τελευταίο αριστούργημα προσγειωνόμαστε, για μια στιγμή, στον κόσμο της γκόσπελ μουσικής, θυμίζοντας πώς χρονολογείται από τον δέκατο έβδομο αιώνα, μια εποχή που οι μαύροι σκλάβοι μεταφέρθηκαν από την Αφρική στην Αμερική, ένα πλαίσιο στο οποίο οι ίδιες οι νότες έγιναν ένας καταπραϋντικός παράγοντας για να ανακουφίσουν τα βάσανά τους. Ωστόσο, η σχέση μεταξύ μουσικής και ρατσισμού ακολουθήθηκε και στη μεταγενέστερη τζαζ, τόσο πολύ που ένας από τους πιο διάσημους μουσικούς του εικοστού αιώνα, όπως ο Λούις Ντάνιελ Άρμστρονγκ, δήλωσε χωρίς δισταγμό: «Υπάρχουν πολλοί αξιοπρεπείς άνθρωποι που θα γυρίστε τη γωνία και λιντσάρετε έναν Νέγρο» [...] «Όσο ακούνε τη μουσική μας, δεν σκέφτονται αυτά τα πράγματα». Μαρτυρούν αυτά τα σκληρά λόγια όλες οι δυσκολίες που θυμούνται οι βιογράφοι της εποχής τη στιγμή που, ακόμη και στην περίπτωση του διάσημου τρομπετίστα, αντιμετώπισε, σε ορισμένες περιπτώσεις, σημαντική δυσκολία στην οργάνωση της περιοδείας του, αφού συχνά απέρριψε το γεγονός ότι Το να στεγάζεται σε ξενοδοχείο θα μπορούσε να είναι προβληματικό λόγω του χρώματος του δέρματός του. Σε αυτό το πλαίσιο, είναι αδύνατο να μην φανταστεί κανείς τον Λούις Ντάνιελ Άρμστρονγκ να φυλάει την πιστή τρομπέτα του στα χέρια του, ίσως χαμογελώντας στη σκέψη ότι, ευτυχώς, οι σημερινοί μαύροι αστέρες δεν χρειάζεται να αντιμετωπίσουν τη δοκιμασία της εποχής του, αναμφίβολα χάρη σε μέρος της ανεκτίμητης προσφοράς του. Αυτή η θετική εικόνα διαμορφώνεται κυριολεκτικά στο κολάζ, φτιαγμένο με την έξυπνη «συναρμολόγηση» των υφασμάτων, από τον καλλιτέχνη Artmajeur Olivier Bouvard, του οποίου η θεματολογία μας ταξιδεύει σε ένα θεμελιώδες θέμα της ιστορίας της τέχνης, δηλαδή στις τρομπέτες της Τελευταία Κρίσης. το οποίο, στο πλαίσιο της αφροαμερικανικής τέχνης, αποδεικνύεται καλά από την Ημέρα της Κρίσης του Άαρον Ντάγκλας (1939). Είναι ακριβώς αυτό το τελευταίο αριστούργημα, το οποίο συνέλαβε ο δάσκαλος περισσότερο από μια δεκαετία αφότου δημιούργησε την εικονογράφηση στην οποία βασίζεται ο ίδιος ο πίνακας, δηλαδή η συλλογή ποιημάτων του Ουέλντον Τζόνσον God's Trombones: Seven Negro Sermons in Verse, που αποκαλύπτει αναμνήσεις ενός στυλ που στοχεύει στη συγχώνευση των τάσεων του ευρωπαϊκού μοντερνισμού με την αφρικανική τέχνη. Σε κάθε περίπτωση, για να είμαστε πιο ακριβείς, αξίζει να εξηγήσουμε πώς όλες οι εικόνες στον προαναφερθέντα τόμο επαναερμηνεύτηκαν σε μεγάλα λάδια, κάτι που στην περίπτωση της Ημέρας της Κρίσεως είχε ως αποτέλεσμα μια σύνθεση με κύριο θέμα έναν μαύρο Γαβριήλ, ο οποίος, με ένα κλειδί στο χέρι, σκοπεύει να φυσήξει σε μια τρομπέτα ως Άρμστρονγκ, προκειμένου να καλέσει τους ζωντανούς και τους νεκρούς που πρόκειται να κριθούν μέσα στο αποκαλυπτικό πλαίσιο. Σε αυτό το σημείο, είναι αδύνατο να μην αναφερθούμε σε μια από τις πιο γνωστές ερμηνείες του Βιβλίου της Αποκάλυψης, όπως αυτή του Άλμπρεχτ Ντύρερ, μια εκδοχή στην οποία τα προαναφερθέντα γεγονότα περιγράφονται ωστόσο από δύο διαφορετικές ξυλογραφίες: Οι Επτά Άγγελοι με τις Τρομπέτες, όπου οι μουσικοί άγγελοι είναι σε μεγαλύτερους αριθμούς, και ο Άγγελος με το Κλειδί της Αβύσσου, στον οποίο προστίθεται η αστείρευτη παρουσία του διαβόλου.

STREET JAZZ MUSICIANS (2022) Πίνακας Τζουζέπε Βάλια.

Επιστρέφοντας για άλλη μια φορά στην αφετηρία, δηλαδή στη μουσική διάσταση, υπάρχουν πολλά έργα Αφροαμερικανών καλλιτεχνών που στοχεύουν να γιορτάσουν τον κόσμο της τζαζ και του εγχώριου αυτοσχεδιασμού, όπως, για παράδειγμα, το Out chorus (1979-89) της Romare Bearden. , Can't sleep at night (1932) και No easy riders (1948-50) του Palmer Hayden. Όσον αφορά τον τελευταίο δάσκαλο, είναι σημαντικό να ερμηνεύσουμε το έργο του υπό το πρίσμα της δημιουργικής και προσωπικής του διαδρομής, γιατί αφού έζησε στο Παρίσι από το 1927 έως το 1932, επέστρεψε στη Νέα Υόρκη και μεταπήδησε από την απεικόνιση θαλασσινών τοπίων σε μια καλλιτεχνική έρευνα καθαρά εστιασμένη. για την εξωτερίκευση της αφροαμερικανικής ταυτότητας. Η τελευταία διάσταση διερευνήθηκε όχι μόνο μέσω μιας προσεκτικής ανάλυσης των μουσικών εκδηλώσεων, αλλά και μέσω μιας προσεκτικής εστίασης, η οποία, προβαλλόμενη σε παραδοσιακούς αφρικανικούς χορούς και μάσκες, πρέπει να γίνει κατανοητή ως μια καθαρή εκδήλωση της συνείδησης των ριζών κάποιου. Επιστρέφοντας στα έργα που απεικονίζουν μουσικούς σε εσωτερικούς χώρους, τέτοιοι χαρακτήρες θα μπορούσαν να συνδεθούν με την ερμηνεία με επικεφαλής τους πίνακες, οι οποίοι, φτιαγμένοι από τον ίδιο καλλιτέχνη, απαθανατίζουν σκηνές οικογενειακής ζωής, καθώς όσοι παίζουν μουσική περιβάλλονται ομοίως από γείτονες, φίλους και οικογένεια. μέλη, με στόχο τον εορτασμό της αξίας του πυρήνα του ανήκειν ως συνεκτική μονάδα σε συνεχή επέκταση. Μάλιστα, σε αυτό ακριβώς το πλαίσιο, η μουσική εμφανίζεται ως συνδετικό, ικανό να οχυρώσει τους προαναφερθέντες δεσμούς, να τους διοχετεύσει σε μια κοινή διάσταση, όπου διακρίνεται μια ξεκάθαρη αντίληψη του κόσμου, των προθέσεων και των αξιών. Μιλώντας για τον κόσμο της σύγχρονης τέχνης, από την άλλη, η μουσική τζαζ μας ταξιδεύει, αυτή τη φορά, στο «μέσα» ενός εξωτερικού σκηνικού, με στόχο να ζωντανέψει στον καμβά του καλλιτέχνη του Artmajeur, Giuseppe Valia, ο οποίος, σε μια μάλλον « απερίσκεπτο» τρόπο, θέλησε να τοποθετήσει τους πρωταγωνιστές του έργου του στο κέντρο ενός δρόμου, μια διαδρομή επικοινωνίας ορατή και μέσα από τις σουρεαλιστικές διαφάνειες που αναφέρουν τα ίδια τα σώματα των αντικειμένων και των χαρακτήρων.

WEST HARLEM NYC (2019) Πίνακας της Helene.

Τέλος, ήρθε η ώρα να σας αποκαλύψουμε ποιο είναι το κοινό νήμα που δένει όλα τα γνωστά αριστουργήματα που αναφέρονται σε αυτή τη μακρά εικονιστική αφήγηση, τα οποία διαδραματίζονται, όπως ξεκαθαρίζει ο τίτλος του πίνακα West Harlem NYC της καλλιτέχνιδας Helene of Artmajeur, στη γνωστή γειτονιά του Μανχάταν που είναι γνωστό ως σημαντικό πολιτιστικό και εμπορικό κέντρο των Αφροαμερικανών. Στο τελευταίο μέρος έλαβε χώρα η Αναγέννηση του Χάρλεμ, μια πνευματική και πολιτιστική αναγέννηση που περιελάμβανε τη μουσική έκφραση, τον χορό, την τέχνη, το θέατρο, τη λογοτεχνία, την πολιτική και τη μόδα, μέρος της οποίας ήταν όλοι οι διάσημοι δάσκαλοι που ερευνήθηκαν παραπάνω, ακριβώς κατά τη δεκαετία του 1920 και τη δεκαετία του 1930 του εικοστού αιώνα. Τέτοια καλλιτεχνική και πνευματική ζέση συνοδεύτηκε, όπως είδαμε ήδη, από μια ανανεωμένη αγωνιστικότητα στον γενικό αγώνα για τα πολιτικά δικαιώματα, ο οποίος, στο πλαίσιο της επετείου του Μήνα της Μαύρης Ιστορίας, αξίζει να θυμόμαστε, να γιορτάζουμε, να τονίζουμε, να προβάλλουμε, και ποτέ δεν ξεχνιέται μέσα από τα πραγματικά έργα του Artmajeur.