Fernando Botero Angulo - Roel Wijnants - Flickr, μέσω Wikipedia.
Ο Φερνάντο Μποτέρο, ο διάσημος Κολομβιανός καλλιτέχνης, γνωστός για τους παγκοσμίως αναγνωρισμένους καμβάδες του, διακοσμημένους με παχουλά άτομα υψηλής κοινωνίας και του οποίου το έργο άνοιξε το δρόμο για πολλούς καλλιτέχνες της Λατινικής Αμερικής, πέθανε σε ηλικία 91 ετών.
Σύμφωνα με την κόρη του, Λίνα Μποτέρο, που μίλησε στον κολομβιανό ραδιοφωνικό σταθμό Caracol, ο πατέρας της άφησε την τελευταία του πνοή στην κατοικία του στο Μονακό την Παρασκευή 15 Σεπτεμβρίου, υποκύπτοντας σε μάχη με την πνευμονία.
Τα έργα τέχνης του Μποτέρο με στελέχη της κολομβιανής κυβέρνησης και κληρικούς έχουν κερδίσει παγκόσμια αναγνώριση. Κάποτε παρατήρησε ότι όταν ξεκίνησε να τα δημιουργεί στη δεκαετία του 1950, δεν υπήρχε σχεδόν καμία παρόμοια τέχνη στην πατρίδα του. Εκείνη την εποχή, η ευρωπαϊκή μοντερνιστική ζωγραφική έπρεπε ακόμη να αποκτήσει ευρεία αναγνώριση στην Κολομβία.
Οι παχουλές, στρογγυλεμένες φόρμες του, που χαρακτηρίζονται από άφθονα μπράτσα, στιβαρές μεσαίες τομές και σημαντικούς μηρούς, έχουν γίνει αναμφισβήτητα συνώνυμα με το ξεχωριστό στυλ του Botero. Συνέχισε να μεταφράζει αυτές τις σωματώδεις φιγούρες σε τρισδιάστατα γλυπτά, τοποθετώντας τις περιστασιακά σε δημόσιους χώρους, όπου έβλεπαν τους θεατές.
Αρχικά, οι κριτικοί συμμετείχαν σε συζητήσεις σχετικά με το εάν αυτές οι φιγούρες προορίζονταν ως σατιρικές παρωδίες, δεδομένων των εσκεμμένα άπιαστων πολιτικών χροιών στο έργο του Μποτέρο.
«Η σάτιρα του Μποτέρο δεν είναι βαρετή, ωστόσο είναι ξεκάθαρη, καθώς οι πίνακές του λειτουργούν τελικά σαν όνειρα και όχι απλές καρικατούρες», παρατήρησε κάποτε ο Peter Schjeldahl. «Υπάρχει κάτι στα ιδιότροπα, σαρκικά τέρατα του που αισθάνεται οικεία και οικεία, μια διακριτικά ανησυχητική υπενθύμιση του εαυτού σε μια από τις αρχέγονες μορφές του». Προέβλεψε ότι η τέχνη του Μποτέρο θα πυροδοτούσε μια «αναγέννηση» στη λατινοαμερικανική τέχνη.
Γυναίκα ξαπλωμένη με φρούτα στο Bamberg - Gerd Eichmann, μέσω της Wikipedia.
Ωστόσο, καθώς έφτασαν τα μέσα της δεκαετίας του 2000 και το καλλιτεχνικό ρεπερτόριο του Botero επεκτάθηκε για να συμπεριλάβει τη συνεχιζόμενη σύγκρουση που περιελάμβανε φατρίες ανταρτών στην Κολομβία και την απεικόνιση σκηνών βασανιστηρίων από τη φυλακή του Abu Ghraib στο Ιράκ, έγινε όλο και πιο εμφανές ότι το έργο του είχε μια πιο βαθιά πολιτική απήχηση από κάποιοι είχαν αναγνωρίσει προηγουμένως.
«Ακούτε για αυτά τα περιστατικά, αυτή τη βία και σας αφήνει βαθιά επίδραση», είπε στους New York Times. «Ως καλλιτέχνης, νιώθεις υποχρεωμένος να συλλογιστείς αυτή τη σκληρή πραγματικότητα».
Αντίθετα, τα κομμάτια που τον εκτόξευσαν στη φήμη από τη δεκαετία του 1960 και μετά είναι πολύ λιγότερο εμφανή στα κοινωνικά τους σχόλια. Το αριστούργημα του 1967, «The Presidental Family», που σήμερα στεγάζεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη, απεικονίζει τον Κολομβιανό ηγέτη εκείνης της εποχής, μαζί με τη σύζυγό του και άλλους συνεργάτες. Βρίσκονται ανάμεσα σε γραφικά βουνά, φαινομενικά αποκομμένα από το ευρύτερο εθνικό πλαίσιο. Σε μια πινελιά τύπου Botero, μια φιγούρα που μοιάζει με τον ίδιο τον καλλιτέχνη μπορεί να εντοπιστεί στο βάθος, ένα νεύμα που θυμίζει τη συμπερίληψη της δικής του ομοιότητας από τον Velázquez σε μερικά από τα έργα του.
Το "Dancing in Colombia (1980)", ένας πίνακας που εκτίθεται επί του παρόντος στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, φέρει ακόμη λιγότερα επίπεδα πολυπλοκότητας. Αποτυπώνει την ουσία δύο ατόμων που ταλαντεύονται κάτω από μια απόμακρη μπάντα που παίζουν από πάνω. Η παρουσία διάσπαρτων τσιγάρων στο πάτωμα είναι η μόνη ένδειξη ότι το γλέντι αντέχει.
Το έργο του Μποτέρο συχνά εμπλέκεται σε έναν πλούσιο διάλογο με αιώνες ιστορίας της τέχνης. Ανάμεσα στα θέματά του υπάρχουν πληθωρικές γυναίκες που στεγνώνουν σχολαστικά τα μαλλιά τους κοιτάζοντας τους καθρέφτες, επικαλούμενοι μια σειρά γυναικείων γυμνών που εκτείνονται σε αμέτρητα χρόνια. Επιπλέον, οι παχουλές μαντόνες και οι μεγεθυμένες φιγούρες του αντλούν έμπνευση από τη διάσημη ισπανική τέχνη. Στην απεικόνιση αυτών των μορφών με αλλοιωμένες αναλογίες, ο Μποτέρο αψηφά ταυτόχρονα τις ιστορικές συμβάσεις ενώ τους αποτίει τρυφερά φόρο τιμής.
Ο Fernando Botero, γεννημένος το 1932 στο Medellín της Κολομβίας, είχε μια παιδική ηλικία χωρίς καλλιτεχνική έκθεση. Με τα δικά του λόγια, θυμάται: «Στην πόλη μου δεν υπήρχαν μουσεία, γκαλερί, καμία απολύτως πληροφορία για την τέχνη», όπως μοιράστηκε το 1985 σε μια συνέντευξη με την Ingrid Sischy του Artforum. "Είχαμε μια ζωγραφιά της Παναγίας στο σαλόνι. Αυτό ήταν. Η μόνη άλλη τέχνη που είδα όταν ήμουν παιδί ήταν οι εικόνες που κρέμονταν στην εκκλησία, οι οποίες ήταν από την περίοδο της αποικιοκρατίας. Ήταν αντίγραφα ευρωπαϊκών εκτυπώσεων ή πίνακες ζωγραφικής».
Κατά τη διάρκεια της εφηβείας του, έτρεφε φιλοδοξίες να γίνει ταυρομάχος και παρακολούθησε ένα σχολείο αφιερωμένο σε αυτή την ενασχόληση. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου που άρχισε να δημιουργεί ακουαρέλες και σχέδια εμπνευσμένα από τις σκηνές ταυρομαχίας που είδε. Έδειξε μερικά από αυτά τα πρώτα έργα σε έναν ιδιοκτήτη καταστήματος στο Μεντεγίν, ο οποίος στη συνέχεια τα πούλησε. Αυτή η εμπειρία λειτούργησε ως σημείο καμπής για τον Μποτέρο, κάνοντάς τον να συνειδητοποιήσει ότι η καριέρα στην τέχνη ήταν μια βιώσιμη πορεία.
La mano Madrid, Paseo de la Castellana - Manuel González Olaechea, μέσω Wikipedia.
Σε ηλικία 16 ετών, ενώ φοιτούσε σε ένα καθολικό σχολείο στο Μεντεγίν, έγραψε ένα άρθρο για τον Πικάσο, τον Κυβισμό και αυτό που περιέγραψε ως «την καταστροφή του ατομικισμού στη σύγχρονη κοινωνία», μια έννοια που είχε συναντήσει στη μαρξιστική λογοτεχνία. Αυτή η πνευματική εξερεύνηση οδήγησε στην αποβολή του από το σχολείο.
Τρία χρόνια αργότερα, ο Μποτέρο πέτυχε ένα σημαντικό ορόσημο κερδίζοντας ένα εθνικό βραβείο τέχνης αξίας 7.000 δολαρίων. Με αυτό το βραβείο, ξεκίνησε ένα ταξίδι στην Ευρώπη, όπου θα συνέχιζε να σπουδάζει τοιχογραφία και να εμβαθύνει στην ιστορία της τέχνης στη Φλωρεντία στις αρχές της δεκαετίας του 1950. Η έκθεσή του στην ευρωπαϊκή τέχνη πολλών αιώνων αποδείχθηκε μια βαθιά αποκάλυψη, που ενέπνευσε τον Μποτέρο να δημιουργήσει μια μορφή τέχνης που πίστευε ότι απουσίαζε σε μεγάλο βαθμό στην Κολομβία.
Το 1960, ο Fernando Botero πήγε στη Νέα Υόρκη. Η τέχνη που παρήγαγε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ήταν αξιοσημείωτα διαφορετική από το κίνημα της Ποπ Αρτ που επικρατούσε, το οποίο επικεντρωνόταν σε απεικονίσεις καταναλωτικών αγαθών και εμπορικότητα. Το καλλιτεχνικό όραμα του Μποτέρο συνέχισε να τον ξεχωρίζει από τις κυρίαρχες δυτικές τάσεις της εποχής. Μόλις το 1972 άρχισε να κερδίζει σημαντική αναγνώριση στην πόλη που τελικά θα αποκαλούσε σπίτι του.
Ενώ πολλά έργα τέχνης του Botero βρίσκουν σπίτια σε αμερικανικά μουσεία, ένα σημαντικό μέρος των πιο σημαντικών έργων του βρίσκεται στο Μουσείο Botero στη Μπογκοτά και στο Museo de Antioquia. Το 2000, δώρισε γενναιόδωρα εκατοντάδες κομμάτια, τόσο δικές του δημιουργίες όσο και άλλων καλλιτεχνών, σε αυτά τα ιδρύματα.
Η σειρά πινάκων του Μποτέρο εμπνευσμένη από τα γεγονότα στο Άμπου Γκράιμπ, την οποία ξεκίνησε το 2005, χαιρετίστηκε ως ένα αξιοσημείωτο επίτευγμα στα τελευταία στάδια της καριέρας του. Αυτά τα έργα αντιπροσωπεύουν μερικές από τις πιο ακλόνητες και σπλαχνικές απεικονίσεις της βίας που ασκείται από μέλη του αμερικανικού στρατού σε κρατούμενους στο Ιράκ. Παρουσιάζουν κοντινές απεικονίσεις δεμένων και ματωμένα πόδια και χέρια, καθώς και έντονες εικόνες σκύλων που επιτίθενται σε γυμνούς κρατούμενους. Ένας σημαντικός αριθμός από αυτά τα κομμάτια στεγάζεται επί του παρόντος στο Μουσείο Τέχνης του Μπέρκλεϋ στην Καλιφόρνια.
Η κριτική αυτών των έργων συχνά αναγνωρίζει ότι, ενώ μπορεί να μην αποκτήσουν το καθεστώς των αριστουργημάτων, η σημασία τους παραμένει αναμφισβήτητη. Όπως σημειώνει η κριτικός Ρομπέρτα Σμιθ, "Μπορεί να μην είναι αριστουργήματα, αλλά αυτό μπορεί να μην έχει σημασία. Είναι από τα καλύτερα έργα του κ. Μποτέρο και σε έναν κόσμο τέχνης όπου οι απαντήσεις στον πόλεμο του Ιράκ ήταν σπάνιες - είτε κυριολεκτικές είτε καλυμμένες - ξεχωρίζω."
Ο Μποτέρο υποστήριζε σταθερά ότι οι καλλιτεχνικές του δημιουργίες χρησίμευαν ως μορφή διαμαρτυρίας, όχι μόνο ενάντια σε σύγχρονα ζητήματα, αλλά και ως διαμαρτυρία ενάντια στην αποικιοκρατία αιώνων στη Λατινική Αμερική. Σύμφωνα με τα λόγια του από τη συνέντευξη στο Artforum, "Δεν θέλω να αποικιστώ από κανέναν, να νιώθω ότι η τέχνη της Λατινικής Αμερικής ορίζεται για μένα. Η τέχνη πρέπει να είναι ανεξάρτητη. Αυτή είναι η αρχή της γνήσιας ανεξαρτησίας· μόνο τότε μπορεί κανείς να επιτύχει ανεξαρτησία στη σκέψη, στη στάση, στην έκφραση».
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine