Έφυγε από τη ζωή σε ηλικία 87 ετών ο Frank Stella, ένας δεξιοτέχνης αφηρημένων καλλιτεχνών της εποχής του

Ο Frank Stella, ο οποίος αρχικά αγκάλιασε μια έντονη, μονόχρωμη αισθητική, ενσωμάτωσε σταδιακά μεταλλικούς τόνους και στη συνέχεια ζωντανά χρώματα στη δουλειά του, εμφανίζοντάς τα σε διάφορες γεωμετρικές διαμορφώσεις. Οι καινοτόμοι καμβάδες του εμφανίστηκαν για πρώτη φορά στη σειρά Aluminium στην πρώτη του ατομική έκθεση στο Castelli το 1960. Στα πρώτα του χρόνια στη Νέα Υόρκη, οι δημιουργίες του Stella παρουσιάστηκαν σε πολυάριθμες σημαντικές παραστάσεις σε κορυφαία πολιτιστικά ιδρύματα της πόλης, συμπεριλαμβανομένου του "Geometric Abstraction" (1962 ) στο Whitney Museum of American Art, «The Shaped Canvas» (1964) και «Systemic Painting» (1966) στο Μουσείο Solomon R. Guggenheim και «The Structure of Color» στο Whitney το 1971.

Γεννημένος το 1936 στο Μάλντεν της Μασαχουσέτης, ένα προάστιο ακριβώς βόρεια της Βοστώνης, και μεγάλωσε στη γειτονική πόλη Melrose, ο Stella μετακόμισε απευθείας στη Νέα Υόρκη μετά την εκπαίδευσή του. Συντήρησε τον εαυτό του ως διακοσμητής σπιτιών ενώ σπούδαζε ζωγραφική υπό τον Πάτρικ Μόργκαν στην Ακαδημία Phillips στο Andover της Μασαχουσέτης και αργότερα στο Πανεπιστήμιο του Πρίνστον υπό τον ιστορικό τέχνης William Seitz και τον αφηρημένο καλλιτέχνη Stephen Greene, που αποφοίτησε το 1958. Μέχρι το 1959, η Stella συμμετείχε ήδη στην ομάδα εκθέσεις στο Oberlin College του Οχάιο και στη Νέα Υόρκη στην γκαλερί Tibor de Nagy και τον Leo Castelli, που οδήγησαν στη σημαντική ένταξη του στο "Sixteen Americans" του MoMA.

MoMA Retrospectives

Το 1965, ο Frank Stella, μαζί με σύγχρονους όπως ο Robert Rauschenberg, ο Jasper Johns, ο Claes Oldenburg και ο Jim Dine, επιλέχθηκε να εκπροσωπήσει τις Ηνωμένες Πολιτείες στη Μπιενάλε της Βενετίας. Μέχρι το 1967, η Stella είχε λανσάρει τη σειρά του Protractor στο Leo Castelli. Αυτά τα έργα, που χαρακτηρίζονται από τα ζωηρά τους χρώματα και τα μεγάλης κλίμακας ημικυκλικά σχήματα που ονομάστηκαν από το εργαλείο σχεδίασης, ενίσχυσαν τον αντίκτυπό του στη σύγχρονη αφηρημένη τέχνη. Το 1970, σε ηλικία μόλις 33 ετών, η Στέλλα έγινε η νεότερη καλλιτέχνις που τιμήθηκε με αναδρομική έκθεση στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (MoMA). Η δεύτερη ολοκληρωμένη έκθεσή του στο MoMA, "Frank Stella: Works from 1970 to 1987" (1987-88), ξεκίνησε με τη σειρά του Polish Village. Αυτά τα κομμάτια, ένας φόρος τιμής σε συναγωγές που καταστράφηκαν στην Πολωνία κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, σηματοδότησε τη μετάβασή του από κολάζ χαμηλού ανάγλυφου σε πιο περίπλοκες κατασκευές υψηλής ανάγλυφης με υλικά όπως τσόχα και χαρτόνι.

Σε μια συνέντευξη του 1999 στην The Art Newspaper, ο Στέλλα συλλογίστηκε αυτή την εξέλιξη στο έργο του: «Οι ανάγλυφες πίνακες με ανάγκασαν να ασχοληθώ πιο ενεργά με τον πραγματικό κόσμο. Βρέθηκα να βγαίνω έξω για να προμηθευτώ υλικά όπως τσόχα, κόντρα πλακέ και αλουμίνιο από κηρήθρα. Αυτή η διαδικασία έφερε νέα στοιχεία στην τέχνη μου, μεταβαίνοντας από το ελεγχόμενο περιβάλλον του στούντιο σε μια πιο διερευνητική χρήση υλικών, ο Πικάσο επίσης τολμούσε πέρα από τα παραδοσιακά όρια στη χρήση των υλικών, αν και με τα σημερινά πρότυπα, πέρασε τα όρια περισσότερο. υλική καινοτομία παρά φυσική εξερεύνηση».

Αναλογιζόμενος την πρώιμη καριέρα του το 1999, κατά τη διάρκεια ενός έτους που πραγματοποίησε μια έκθεση γλυπτικής στον Bernard Jacobson στο Λονδίνο, ο Frank Stella παρατήρησε τις αλλαγές στον επαγγελματικό του κύκλο, σημειώνοντας: «Έχω ξεπεράσει ή έχω ζήσει περισσότερο από τους εμπόρους από τη δεκαετία του 1960. Larry Rubin Ο Λέο Καστέλι πέθανε την ίδια χρονιά. αλλά δεν ταιριάζω πραγματικά στον σκληρό κόσμο του σήμερα».

Ο Στέλλα εξέλιξε την πρακτική του για να συμπεριλάβει γλυπτά μεγάλης κλίμακας και συνεργασίες με αρχιτέκτονες όπως ο Richard Meier—φίλος για 65 χρόνια. Μαζί, εργάστηκαν σε έργα όπως το Ομοσπονδιακό Δικαστικό Μέγαρο στο Φοίνιξ (άνοιξε το 2000), το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης στη Βαρκελώνη (1995), το φόρουμ Weishaupt κοντά στο Ουλμ στη νότια Γερμανία (1993) και την Εκκλησία του Ιωβηλαίου στη Ρώμη (2003) , καθώς και με τον Σαντιάγο Καλατράβα. Ένα αξιοσημείωτο έργο είναι το The Michael Kohlhaas Curtain (2008), ένας πίνακας με πανό της Στέλλα μήκους 30 μέτρων που είναι ντυμένος πάνω σε ένα πλαίσιο σε σχήμα δακτυλίου που σχεδιάστηκε από τον Calatrava.

Η Εξερεύνηση της Ιστορίας της Ζωγραφικής της Στέλλας

Κατά τα ακαδημαϊκά έτη 1983-1984, η Στέλλα παρέδωσε τις διαλέξεις του Charles Eliot Norton στο Πανεπιστήμιο του Χάρβαρντ, με τίτλο "Working Space" (που στη συνέχεια δημοσιεύθηκε από το Χάρβαρντ το 1985). Σε αυτές τις διαλέξεις, επαίνεσε το μπαρόκ και άλλα ιστορικά στυλ για την ποιητική και εποικοδομητική χρήση του χώρου και του όγκου. Κατά τη διάρκεια της έκθεσης 2017-2018 "Frank Stella: Experiment and Change" στο Μουσείο Τέχνης NSU, στο Fort Lauderdale, η οποία παρουσίασε πάνω από 300 έργα του, τόσο η Stella όσο και η επιμελήτρια Bonnie Clearwater συζήτησαν τη βαθιά ενασχόλησή του με την ιστορία της ζωγραφικής. Ο Στέλλα αφηγήθηκε μια πρώιμη συνάντηση με το Δίπτυχο της Σταύρωσης του Ρογιέρ βαν ντερ Βέιντεν (περίπου το 1460) στο Μουσείο Τέχνης της Φιλαδέλφειας, το οποίο περιέγραψε ως θεμελιώδη επιρροή στην κατανόησή του για το τι θα μπορούσε να επιδιώξει η τέχνη. Στον κατάλογο της έκθεσης, ο Clearwater σημείωσε ότι για τη Stella, ο συναρπαστικός οπτικός αντίκτυπος ενός πίνακα ήταν πιο κρίσιμος στόχος από την προσκόλληση στα δόγματα του Μοντερνισμού.

Η Barbara Rose, η πρώτη σύζυγος της Stella, αναδείχθηκε ως εξέχουσα κριτικός τέχνης και έγραψε το δοκίμιο με επιρροή του 1965 "ABC Art" για την Τέχνη στην Αμερική, το οποίο έπαιξε καθοριστικό ρόλο στη διαμόρφωση της κατανόησης του Μινιμαλισμού. Στο δοκίμιό της, η Ρόουζ πρότεινε ότι η «αυτοεξαπλουστευμένη ανωνυμία» που παρατηρήθηκε στα έργα καλλιτεχνών της Νέας Υόρκης όπως ο Ντόναλντ Τζαντ, ο Ρόμπερτ Μόρις και ο τότε σύζυγός της Στέλλα (χώρισαν το 1969) ήταν μια αντεπίδραση στο ασυγκράτητο προσωπικό. έκφραση που κυριαρχούσε εκείνη την εποχή, καθώς και μια επίσημη απάντηση στις επικρατούσες ζωγραφικές υπερβολές.

Η ειλικρινής προσέγγιση της Στέλλας στην Τέχνη

Ο Frank Stella ήταν γνωστός για την ειλικρινή του ομιλία σχετικά με το έργο τέχνης του. Η γνωστή του δήλωση «ό,τι βλέπεις είναι αυτό που βλέπεις» ήρθε κατά τη διάρκεια συνομιλίας με τον ιστορικό τέχνης Μπρους Γκλέιζερ. Όταν ο Glaser απάντησε, "Δεν αφήνει και πολλά μετά, έτσι δεν είναι;" Η Στέλλα απάντησε: «Δεν ξέρω τι άλλο υπάρχει». Αναλογιζόμενος αυτό δεκαετίες αργότερα, σε μια συνέντευξη στην εφημερίδα The Art Newspaper, η Στέλλα επανέλαβε: "Το έχω πει πολλές φορές: η αφαίρεση μπορεί να είναι πολλά πράγματα. Μπορεί, κατά μία έννοια, να πει μια ιστορία, ακόμα κι αν στο τέλος είναι μια εικονογραφική ιστορία».

Σε μια συνέντευξη του 1999 με τον Norbert Lynton για την εφημερίδα The Art Newspaper, ο Frank Stella μοιράστηκε ιδέες για το πώς αντιλαμβανόταν την εξέλιξη της δουλειάς του τις πρώτες τέσσερις δεκαετίες της καριέρας του. «Οι άνθρωποι ρωτούν συχνά, "Γιατί αλλάζεις;" Η απάντησή μου είναι ότι πραγματικά δεν αλλάζω και τόσο πολύ καθιερώστε ένα σταθερό στυλ, αλλά οι καλλιτέχνες γενικά θέλουν να συνεχίσουν να εξερευνούν», εξήγησε.

Αγκαλιάζοντας την τεχνολογία αιχμής

Ο Stella ήταν επίσης γνωστός για την πρώιμη υιοθέτηση και την καινοτόμο χρήση των νέων τεχνολογιών. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1980, ασχολήθηκε με το σχεδιασμό με τη βοήθεια υπολογιστή (CAD) και άρχισε να χρησιμοποιεί τεχνολογίες τρισδιάστατης εκτύπωσης από τα μέσα της δεκαετίας του 2000. Όπως αναφέρει η The Art Newspaper, η Stella χρησιμοποίησε τρισδιάστατη εκτύπωση για να δημιουργήσει μεταλλικά και εξαρτήματα ρητίνης για τη σειρά πολύχρωμων γλυπτών του, Scarlatti Kirkpatrick. Αυτή η σειρά άντλησε έμπνευση τόσο από τις σονάτες για τσέμπαλο του Domenico Scarlatti, Ιταλού συνθέτη του 18ου αιώνα, όσο και από το επιστημονικό έργο του Ralph Kirkpatrick, ενός Αμερικανού μουσικολόγου του 20ου αιώνα.

Σε μια συνέντευξη του 2013 στην The Art Newspaper, ο Ron Labaco, επιμελητής στο Μουσείο Τεχνών και Σχεδίου της Νέας Υόρκης, συζήτησε πώς η τεχνολογία τρισδιάστατης εκτύπωσης επέτρεψε στον Frank Stella να δημιουργήσει προβολές από τον τοίχο με τρόπους που οι παραδοσιακές μέθοδοι, που θα ήταν πολύ δυσκίνητη και βαριά, δεν μπορούσε να επιτευχθεί. Η Labaco συμπεριέλαβε το έργο της Στέλλας σε μια έκθεση που επικεντρώθηκε στην τέχνη που υποστηρίζεται από υπολογιστή με τίτλο "Out of Hand: Materializing the Postdigital", η οποία διήρκεσε από το 2013 έως το 2014.

Το 2022, ο Frank Stella κυκλοφόρησε το πρώτο του NFT (non-fungible token) ως μέρος του έργου του "Geometries", σε συνεργασία με την Artists Rights Society (ARS), η οποία ιδρύθηκε το 1987 για την προστασία των δικαιωμάτων των καλλιτεχνών μέσω πνευματικών δικαιωμάτων, αδειοδότησης, και παρακολούθηση εικαστικών καλλιτεχνών στις Ηνωμένες Πολιτείες. Αυτή η συνεργασία ανέδειξε τη μακροχρόνια συμμετοχή και υποστήριξη της Στέλλας στο ARS. Η Katarina Feder, διευθύντρια επιχειρηματικής ανάπτυξης στο ARS, ανέφερε στην εφημερίδα The Art: "Ξαντήσαμε και τα 2.100 tokens και, κυρίως, δημιουργήσαμε δικαιώματα μεταπώλησης από δευτερεύουσες πωλήσεις, έναν σκοπό για τον οποίο ο Frank έχει υποστηρίξει εδώ και καιρό".

Μέσω του ψηφιακού τμήματος ARSNL, η Εταιρεία Δικαιωμάτων Καλλιτεχνών (ARS) προσέλκυσε συλλέκτες NFT μοιράζοντας ένα βίντεο διαδικασίας και μια επιμελητική δήλωση από τον ειδικό στην ανάλυση τέχνης Jason Bailey. «Οι ψηφιακοί συλλέκτες ερωτεύτηκαν τον Φρανκ και τις δημιουργίες του», σημείωσε η Καταρίνα Φέντερ, «και πολλοί συνέχισαν να δημιουργούν τα δικά τους παράγωγα έργα, τα οποία επέτρεψε ο Φρανκ. Παρουσιάσαμε μερικά από αυτά τα παράγωγα στον Φρανκ και ήταν ευχαριστημένος με αυτά». Η ελκυστικότητα της πτώσης του NFT για τη Stella, όπως εξήγησε στο περιοδικό NFT Right Click Save, ήταν ότι «τα NFT, με μια αφηρημένη έννοια, φαίνονται σαν να αντιμετωπίζουν ορισμένες από τις προκλήσεις που θέτει η αυξανόμενη αναπαραγωγιμότητα στις τεχνολογίες απεικόνισης και κατασκευής. Πιο χειροπιαστό, προσφέρουν έναν μηχανισμό στους καλλιτέχνες να διεκδικήσουν τα δικαιώματα μεταπώλησης που πιστεύω ότι πρέπει να κατέχουμε».

Η προοδευτική στάση του Stella σχετικά με την πτώση του NFT, ενθαρρύνοντας τους συλλέκτες να δημιουργήσουν παράγωγα και να εκτυπώσουν 3D το έργο τέχνης, ενίσχυσε περαιτέρω τη φήμη του ως πρωταθλητή για τα δικαιώματα των καλλιτεχνών. Η Gretchen Andrew, στη στήλη Art Decoded για την The Art Newspaper, τόνισε την αφοσίωση της Στέλλας: "Ο Frank ανέκαθεν ανησυχούσε τόσο για την υλικότητα και τις απτικές ιδιότητες των έργων του όσο και για την υπεράσπιση των δικαιωμάτων των συνομηλίκων του. υπήρξε ενεργός φωνή στην ώθηση για δικαιώματα μεταπώλησης».

Η σειρά Stars

Ανάμεσα στα πιο διάσημα έργα της μετέπειτα καριέρας του Frank Stella είναι η σειρά του Stars, με μεγάλα, πολύκουντα, ανεξάρτητα αστέρια. Μια αξιοσημείωτη εγκατάσταση από αυτήν τη σειρά περιελάμβανε ένα ζευγάρι αστέρια ύψους επτά μέτρων που παρουσιάστηκαν στην αυλή της Βασιλικής Ακαδημίας στο Λονδίνο το 2015. Το 2021, η Στέλλα αποκάλυψε το Split Star του Jasper, ένα γλυπτό από ανοξείδωτο χάλυβα, στην πλατεία του νέου 7 World Εμπορικό Κέντρο στη Νέα Υόρκη. Αυτό το γλυπτό χρησίμευσε ως μια οδυνηρή συμβολική αντικατάσταση για δύο από τους μεγάλους πίνακες της Στέλλας - Laestrygonia I και Telepilus Laestrygonia II, με διαστάσεις 10 πόδια επί 10 πόδια - που στεγάζονταν προηγουμένως στο λόμπι του αρχικού 7 Παγκόσμιου Κέντρου Εμπορίου πριν καταστραφεί στο Επιθέσεις της 11ης Σεπτεμβρίου.

The Lasting Legacy of Frank Stella: Innovation and Impact in Abstract Art

Ο Frank Stella, μια αδάμαστη δύναμη στην αφηρημένη τέχνη για περισσότερα από εξήντα χρόνια, αφήνει πίσω του μια τεράστια κληρονομιά που χαρακτηρίζεται από πρωτοποριακές συνεισφορές στον τομέα. Ο θάνατός του σε ηλικία 87 ετών σηματοδοτεί το τέλος μιας εποχής, αλλά επίσης υπογραμμίζει τη διαρκή επίδραση του έργου του, από τους πρωτοποριακούς «Μαύρους Πίνακες» έως τα καινοτόμα γλυπτά μεγάλης κλίμακας και τις συνεργασίες του με αρχιτέκτονες. Οι εξερευνήσεις της Στέλλας κάλυπταν τις σφαίρες της μορφής, του χρώματος και της χωρικής δυναμικής, αναδιαμορφώνοντας τον διάλογο γύρω από την αφηρημένη τέχνη και τις διασταυρώσεις της με τις σύγχρονες τεχνολογίες και τα νέα μέσα, συμπεριλαμβανομένων των NFT. Η αφοσίωσή του στην εξέλιξη της καλλιτεχνικής του έκφρασης ενώ υπερασπιζόταν τα δικαιώματα των καλλιτεχνών ανέδειξε τον ρόλο του όχι απλώς ως δημιουργού αλλά ως οραματιστή στοχαστή στον κόσμο της τέχνης. Το ταξίδι της Στέλλας από έναν νεαρό ζωγράφο στη Νέα Υόρκη σε μια λατρεμένη εικόνα της οποίας τα έργα αμφισβήτησαν και ξεπέρασαν τα αισθητικά όρια της εποχής του αφήνει ένα διαρκές αποτύπωμα στον καμβά της σύγχρονης τέχνης.