Kumi Sugai: Transformation der Abstraktion und Einflussnahme auf die moderne Kunst

Kumi Sugai im Jahr 1962, über Wikipedia


Kumi Sugai

Kumi Sugai (1919-1996) war ein japanischer Maler und Grafiker, der für seine dynamische Entwicklung von der lyrischen Abstraktion zur Hard-Edge-Abstraktion bekannt war und seine tiefe Auseinandersetzung mit Avantgarde und zeitgenössischer Kunst widerspiegelte. Sein Werk, das von Transformation und Innovation geprägt ist, hat in der Kunstwelt ein bleibendes Erbe hinterlassen.

Sugai wurde 1919 in Japan geboren und begann seine künstlerische Karriere nach dem Zweiten Weltkrieg. Um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, illustrierte er zunächst Grundschulbücher. Seine formale künstlerische Ausbildung begann mit japanischer Malerei (Nihonga) bei Teii Nakamura, einem Mitglied des Nihon Bijutsuin. Sugais frühe Arbeiten wurden von Yoshihara Jirō beeinflusst, einer führenden Persönlichkeit der Gutai-Gruppe. Yoshiharas Betonung der Materialität von Farbe und abstrakten Formen sowie ein gemeinsames Interesse an kindlichen, abstrakten Formen hatten großen Einfluss auf Sugai. Dieser Einfluss ist in Sugais Werken aus dieser Zeit deutlich zu erkennen, die oft ein wiederkehrendes Vogelmotiv aufweisen und die Ästhetik von Paul Klee, Joan Miró und Max Ernst widerspiegeln. Zu Sugais frühen Erfolgen gehört der Gewinn eines Preises bei der 4. Ashiya City Exhibition, bei der Yoshihara als Richter.

Seine frühen Gemälde besitzen eine unmittelbare und elegant elegische Lebendigkeit und erinnern an ursprüngliche Erzählungen von Leben, Tod, Liebe, Verlust, Sieg, Tragödie und Transzendenz. Diese Werke dienen als Tore zur Welt der Schöpfung im geistigen Auge dieses Magier-Schreibers. Maler. Sugai, einer der großen abstrakten Expressionisten des Nachkriegsjapans, ging den Künstlern der Gutai-Schule auf ihrem Weg nach Paris voraus und war sowohl ein Bilderstürmer als auch eine Inspiration für seine Zeitgenossen. Er gehörte zur ersten Generation japanischer Künstler des 20. Jahrhunderts, die Er machte sich mit westlichen Maltechniken vertraut und beschäftigte sich außerdem mit Typografie und japanischer Kalligrafie, die zu wichtigen Elementen seines späteren Werks wurden.

Kumi Sugai - Die endlose Suche (1962). Druckgrafik, Kupferstich, auf BFK de Rives. 33 x 50 cm

Paris und die Avantgarde

Im Jahr 1952 zog Sugai, getrieben von seinem Interesse an Avantgarde-Malerei, nach Paris. Er ließ sich in Montparnasse nieder und studierte an der Académie de la Grande Chaumière bei Edouard Goerg. Seine ersten Werke in Paris blieben figurativ und erinnerten an die Art Informel. leere Stadtlandschaften mit geometrischen Linien, die in dicke Ölfarbe geritzt sind. Sugai vereinfachte in seinen Gemälden auch weiterhin Tierformen.

Das Leben in Paris war für Sugai zunächst einsam, da er nur wenig Französisch sprach. Dennoch wurde er Teil einer Gemeinschaft japanischer Künstler, darunter Toshimitsu Imai, Hisao Domoto und der japanisch-amerikanische Bildhauer Shinkichi Tajiri, der mit der CoBrA-Gruppe verbunden war. Tajiri spielte eine Schlüsselrolle in Sugais früher Pariser Karriere, indem er ihn 1953 einlud, in Charles Estiennes Salon Octobre auszustellen. Der Kunsthändler John Craven bot Sugai einen Vertrag und seine erste Einzelausstellung in Paris an, was seine Präsenz in der Kunstszene weiter festigte. Sugais Seine Arbeit fand auch Anerkennung beim Kritiker Michel Ragon und führte zur Aufnahme in zwei Ausstellungen mit der Nouvelle École de Paris.

Seit seinem Pariser Debüt erhielt Sugai zahlreiche Auszeichnungen und festigte seine Position als einer der bedeutendsten abstrakten Maler Japans. Den Höhepunkt seiner Popularität erreichte er Mitte der 1960er Jahre. Heute wird er jedoch eher mit seinen späteren Lithografien und geometrischen Gemälde in leuchtenden Primärfarben, die zahlreicher sind als die erhabenen Werke seiner Pariser Ära. Es sind die seltenen und wertvollen abstrakten Ölgemälde, die Sugai in den 1950er und 1960er Jahren malte, die von Museen und Sammlern am meisten geschätzt werden und selten auf dem freien Markt erscheinen, da aufgrund ihrer Knappheit.

Entwicklung des Stils

Mitte der 1950er Jahre begann sich Sugais Werk von figurativen zu abstrakteren Formen zu bewegen. In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren schuf er große, farbenfrohe Leinwände, die von blockförmigen, kalligraphischen geometrischen Formen dominiert wurden. Titel dieser Werke wie Oni, Samurai, und Raishin erinnern an japanische Folklore. Trotz ihrer kompositorischen Einfachheit behielten diese Gemälde eine dichte, strukturelle Qualität.

1955 begann Sugai mit dem Drucken zu experimentieren und fertigte seine erste Lithografie an. Dieses neue Medium, das in Japan selten, in Frankreich jedoch beliebt war, bedeutete eine bedeutende Erweiterung seiner künstlerischen Praxis. Seine Lithografien von 1957 illustrierten Jean-Clarence Lamberts Gedichtband La Quête sans fin. In den späten 1950er Jahren wagte sich Sugai auch an die Bildhauerei und schuf Werke wie Objet, einen auf einem Sockel montierten, in Farbe gehüllten und abstrahierten Pinsel. 1960 erhielt er auf der Internationalen Biennale den Preis des Nationalmuseums für Moderne Kunst in Tokio. der Gravur.

Als Teil der Bewegungen „Nouvelle École de Paris“ und „Nouveau Réalisme“ anerkannt, begann er 1962, sich von der „Abstraction lyrique“ abzuwenden. Er bewegte sich von hauptsächlich monochromatischen kalligraphischen organischen Motiven zu geometrischen Bildern und seine abstrakte Kunst wird heute als „hart“ charakterisiert. -Rand."

Spätere Jahre und transformierende Veränderungen

1962 war ein entscheidendes Jahr für Sugai, das eine bedeutende Veränderung seines Stils markierte. Er wandte sich von der informellen Materialität ab und wandte sich einer harten, geometrischen Abstraktion zu, bei der er matte Oberflächen und Acrylfarbe verwendete. Seine Faszination für Autos und das städtische Leben, insbesondere nach dem Erwerb ein Porsche im Jahr 1960, beeinflusste seine neue Ästhetik zutiefst. Sugais Arbeiten aus dieser Zeit zeichneten sich durch klar abgegrenzte geometrische Formen und monumentale Formate aus. Zwischen 1964 und 1968 schuf er etwa fünfzig Werke, die alle das Wort „Auto“ im Titel trugen und seine Leidenschaft für Geschwindigkeit und Verkehrszeichen.

1969 kehrte Sugai zum ersten Mal seit 18 Jahren nach Japan zurück, um für das Nationalmuseum für Moderne Kunst in Tokio ein 16 Meter langes und 3,6 Meter hohes Wandgemälde mit dem Titel Festival of Tokyo zu schaffen. Dieses Wandgemälde war das größte Werk seiner Karriere. und war seine erste Einzelausstellung in Japan. In seiner späteren Karriere schuf er Serienwerke und konzentrierte sich ab den 1970er Jahren auf Lithografien. Sugai kehrte häufig nach Japan zurück, wo Retrospektiven seiner Arbeiten stattfanden.

Ausstellungen und Sammlungen

Sugais Arbeiten erhielten zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Grand Prix der Internationalen Triennale für Farbdruck in Grenchen 1961, den Grand Prix der Internationalen Druckbiennale in Krakau 1965 und den Prix d'Honneur der Internationalen Druckbiennale in Norwegen 1972. 1996, kurz vor seinem Tod am 14. Mai in Kobe wurde er vom japanischen Kaiser für seine hohen kulturellen Verdienste mit dem Shiju-Hosho-Preis geehrt. Seine Kunst ist in renommierten Sammlungen weltweit vertreten, und seine Karriere, die von kontinuierlicher Entwicklung und Erforschung geprägt ist, unterstreicht sein bedeutender Einfluss auf die japanische und internationale Kunst.

Seine Werke wurden in bedeutenden Ausstellungen weltweit gezeigt, darunter „Japon Des Avant Gardes 1910-1970“ im Centre Pompidou (1986), „Contemporary Art/Postwar“ im Museum of Modern Art, Kamakura (1979) und „Development of Japanische Nachkriegskunst: Abstrakt und nicht-figurativ“ im National Museum of Modern Art, Tokio (1973). Bemerkenswerte Einzelausstellungen sind „Kumi Sugai“ im Hyogo Prefectural Museum of Art und im Museum of Contemporary Art Tokyo (2000) und Retrospektiven im Seibu Museum, Tokio (1983) und im Ohara Museum of Art, Okayama (1984). Sugai erhielt auch Retrospektiven zur Mitte seiner Karriere im Kunstnernes Hus, Oslo (1967) und im Städtischen Museum, Leverkusen (1960), und hatte Einzelausstellungen in der Kootz Gallery, New York (1959–1964), in der Galerie Creuzevault, Paris (1958 und 1963) und Palais des Beaux-Arts, Brüssel (1954). Zu seinen öffentlichen Aufträgen gehören ein Wandgemälde für das National Museum of Modern Art, Tokio (1968–69) und ein Wandgemälde für das Sportzentrum in Hannover für die Olympischen Spiele 1972 Seine Werke sind in den Sammlungen bedeutender Institutionen weltweit vertreten, beispielsweise im Solomon R. Guggenheim Museum, im Metropolitan Museum of Art, im San Francisco Museum of Modern Art und im Museum of Fine Arts Boston.