Figuring Emotion: Dana Schutz und die neue Sprache der Malerei

Wichtige Punkte

• Dana Schutz ist eine amerikanische Malerin aus Brooklyn, New York, die für ihre fantasievollen und emotional aufgeladenen figurativen Arbeiten bekannt ist.
• Sie gilt weithin als eine der einflussreichsten amerikanischen Malerinnen des 21. Jahrhunderts.
• Schutz ist für ihren gestischen, figurativen Stil bekannt, der sich durch kräftige Farben, emotionale Intensität und erzählerische Kompositionen auszeichnet.
• In ihren Werken verschmelzen Surrealismus, Expressionismus und absurde Elemente und zeigen oft groteske oder übertriebene Figuren.
• Statt Realismus zu zeigen, malt Schutz emotionale und psychologische Wahrheiten und konfrontiert den Betrachter mit Themen wie Verletzlichkeit, Chaos und der menschlichen Existenz.
  
  

Verzerrte Wahrheiten: Die rohe Kraft von Dana Schutz' Pinsel

Dana Schutz (geb. 1976, Livonia, Michigan) ist eine amerikanische Malerin aus Brooklyn, New York, die für ihre gestischen, figurativen Werke bekannt ist, die oft mit einem bestimmten Motiv oder einem erzählerischen Szenario beginnen.

Schutz gilt als eine der einflussreichsten amerikanischen Malerinnen des 21. Jahrhunderts und wird für ihre kräftige Farbpalette, ihre emotional aufgeladenen Figuren und ihre unerschrockene Art des Geschichtenerzählens gefeiert. Ihre Werke verbinden Surrealismus, Expressionismus und eine zeitgenössische absurde Sensibilität, was zu verstörenden und zugleich fesselnden Kompositionen führt.

Schutz hinterfragt traditionelle Malnormen und gesellschaftliche Erwartungen gleichermaßen. Ihre Figuren – oft grotesk, übertrieben und verzerrt – verkörpern Verletzlichkeit und unverfälschte Emotionen. Statt nach Realismus zu streben, malt sie emotionale Wahrheiten und zwingt den Betrachter, sich mit der Unübersichtlichkeit, dem Humor und der Zerbrechlichkeit der menschlichen Erfahrung auseinanderzusetzen.

Von fantastischen Szenen bis hin zu intensiven Darstellungen emotionaler Zustände widersetzt sich ihre Arbeit jeder Bequemlichkeit. Durch Verzerrung und lebendige Farben erforscht Schutz Themen wie Identität, psychologische Spannungen und soziale Dynamiken und erntet damit sowohl Anerkennung als auch Kontroversen.

Ihr Gemälde „Civil Planning“ (2004), einst Teil der Sammlung des Unternehmensberaters David Teiger und heute mit der Teiger Foundation verbunden, wurde bei einer Auktion von Sotheby’s in New York für 2 Millionen Dollar verkauft und stellte damit einen Rekord für die Künstlerin dar.

Die Geburt von Schutz' Vision

Dana Schutz' frühe Gemälde waren geprägt von reicher Fantasie und experimentellem Geist. Noch während ihres Studiums an der Columbia University entwickelte sie „Frank from Observation“ (2002), eine fiktive Erzählung, in der sie die letzte Malerin auf Erden und Frank, ihr einziges Motiv, der letzte Mensch ist. In dieser Serie untersuchte sie den Akt der Beobachtung und des Schaffens unter absurden, isolierten Bedingungen.

Diese Werke demonstrierten Schütz' einzigartige Verbindung von Fiktion und Figuration und legten den Grundstein für ihre Karriere. Sie verwendete einen cartoonhaften, aber zugleich psychologisch intensiven Stil, der Empathie einlud und gleichzeitig ein Gefühl surrealer Distanz bewahrte. Ihre Bereitschaft, nach erfundenen Szenarien zu malen, verlieh ihren frühen Werken eine Frische und Freiheit, die in der figurativen Malerei der Nach-Jahrtausendwende selten zu finden ist.

Nach „Frank from Observation“ entwickelte sie ein Werk, das visuelle Übertreibung mit konzeptioneller Tiefe in Einklang bringt. Ihre Serie „Self-Eaters“ aus dem Jahr 2004, in der Figuren Teile ihrer selbst verzehren, war eine metaphorische Auseinandersetzung mit Selbstzerstörung, Autonomie und künstlerischer Produktion – und untermauerte ihren Ruf, groteske Bilder zur Darstellung existenzieller Themen zu verwenden.

Malen am Rande: Chaos, Humor und menschliche Komplexität

Mit Schutz' wachsendem Ruf wuchsen auch der Anspruch und die Komplexität ihrer Arbeit. Sie wurde bekannt für ihre Auseinandersetzung mit schwierigen Emotionen und Tabuthemen, stets gefiltert durch einen unverwechselbaren Malstil – farbenfroh, gewalttätig und lebendig. Ihre Leinwände zeigen oft mehrere Figuren, die in ambivalente Beziehungen verstrickt sind und persönliche, soziale und psychologische Umbrüche thematisieren.

Schütz scheut sich nicht, Traumata, Unbehagen oder Absurditäten darzustellen. Ihr Gemälde „Swimming, Smoking, Crying“ (2009) zeigt beispielsweise eine Frau, die die emotionalen und physischen Extreme des Lebens miteinander meistert. Diese vielschichtigen Szenen sollen innere Zustände als äußeres Chaos darstellen – ein Markenzeichen von Schütz' figurativer Herangehensweise. Ihre Pinselführung und Farbwahl verstärken den emotionalen Gehalt jedes Werks.

Trotz gelegentlicher Kritik ist Schutz ihrer Vision treu geblieben. In Interviews betont sie die Bedeutung fantasievoller Freiheit und das Recht des Künstlers, sich mit schwierigen Themen auseinanderzusetzen. Ihre Karriere florierte zwischen Kontroversen und Lob, und jede neue Werkreihe festigte ihre Position als wichtige Figur in der anhaltenden Diskussion darüber, was Malerei leisten kann – und sollte.

Bemerkenswerte Werke

Zu ihren bekanntesten und meistdiskutierten Gemälden gehört „Open Casket“ (2016), eine Darstellung von Emmett Tills entstelltem Gesicht. Das für die Whitney Biennale 2017 geschaffene Werk stieß aufgrund seiner Darstellung rassistischer Traumata und Fragen kultureller Repräsentation auf heftige Kritik. Einige Kritiker und Künstler forderten die Entfernung des Werks, während andere Schutz’ Recht auf künstlerischen Ausdruck verteidigten. Das Werk wurde zum Brennpunkt der Debatten um Rasse, Geschichte und Kunst.

Trotz der Kontroverse ist „Open Casket“ ein tiefgründiges Werk – emotional zurückhaltender als ihr üblicher Stil, in gedämpften Tönen und kleinem Format gemalt. Schütz erklärte, das Werk sei nicht dazu gedacht gewesen, für andere zu sprechen, sondern ihr persönlicher Ausdruck von Trauer und Entsetzen. Dieses Ereignis markierte einen Wendepunkt in ihrer Karriere und zeigte sowohl die Grenzen als auch die Macht der Repräsentation in der zeitgenössischen Kunst.

Weitere bemerkenswerte Werke sind „Face Eater“ (2004), „How We Would Give Birth“ (2007) und „Shaking Out the Bed“ (2015). Jedes Gemälde präsentiert eine Welt, in der die Grenzen zwischen Fantasie und Realität verschwimmen. Diese Bilder sind nicht nur symbolisch, sondern performativ und laden den Betrachter in einen Raum ein, in dem Emotionen, Geschichte und Absurdität aufeinanderprallen.

Ausstellungen und Sammlungen

Dana Schutz war weltweit in zahlreichen bedeutenden Ausstellungen vertreten. Ihre frühen Einzelausstellungen in der Zach Feuer Gallery in New York markierten ihren Einstieg in die kommerzielle Kunstszene, während die Teilnahme an großen Gruppenausstellungen wie der Biennale von Venedig (2003, 2013) und der Whitney Biennale (2017) ihre institutionelle Anerkennung festigte. Ihre Einzelausstellung „Imagine Me and You“ 2018 im Institute of Contemporary Art in Boston demonstrierte ihre Beherrschung von Maßstab, Erzählkunst und dem Ausdruckspotenzial der Malerei.

Zu Schutz’ Einzelausstellungen in Museen gehören SITE Santa Fe (2005); das Rose Art Museum (2006), das später im Museum of Contemporary Art, Cleveland, zu sehen war; die Douglas Hyde Gallery in Dublin, Irland (2010); das Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Italien (2010); das Neuberger Museum of Art in Purchase, New York (das 2011 im Miami Art Museum und im Museum of Contemporary Art Denver zu sehen war); The Hepworth Wakefield, Großbritannien (2013); die Kestnergesellschaft in Hannover, Deutschland (2014); das Institute of Contemporary Art, Boston (2017); und „Eating Atom Bombs“ in der Transformer Station, Cleveland Museum of Art (2018).

Ausstellungen wie „Eating Atom Bombs“ (2020) haben gezeigt, dass Schutz weiterhin auf aktuelle Ängste – politische Instabilität, persönliche Isolation und kollektive Angst – reagiert, ohne ihren charakteristischen Stil aufzugeben. Mit jedem neuen Werk bekräftigt sie ihre Rolle als Malerin, die die Welt nicht nur reflektiert, sondern sie durch eine fantasievolle Linse neu erfindet.

Ihre Arbeiten wurden außerdem in Gruppenausstellungen an Orten wie der Biennale von Venedig, der Biennale von Prag, dem MoMA PS1 in New York, dem Museum of Modern Art in New York, dem Whitney Museum of American Art, dem Moderna Museet in Stockholm, dem New Museum in New York, dem Kunsthaus Zürich, dem Ballroom Marfa in Texas und dem Musée Rath in Genf gezeigt.

Ihre Gemälde befinden sich in den ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art (MoMA), des Whitney Museum of American Art, des Solomon R. Guggenheim Museum, des Metropolitan Museum of Art, des Museum of Contemporary Art Los Angeles und des Los Angeles County Museum of Art.

Ihre Präsenz erstreckt sich über die ganze Welt; ihre Werke befinden sich unter anderem im San Francisco Museum of Modern Art, im Institute of Contemporary Art in Boston und im Tel Aviv Museum of Art – was ihren bedeutenden weltweiten Einfluss und ihre Anerkennung in der zeitgenössischen Kunst unterstreicht.

Häufig gestellte Fragen

Wer ist Dana Schutz?

Dana Schutz ist eine führende zeitgenössische amerikanische Malerin, die für ihre emotional aufgeladenen, farbenfrohen figurativen Gemälde bekannt ist, die sich oft mit surrealen, grotesken oder psychologisch intensiven Themen befassen.

Mit welcher Serie ist ihr der Durchbruch gelungen?

Ihr Durchbruch kam mit der Serie „Frank from Observation“ (2002), in der sie mit einer Mischung aus Fantasie, Humor und malerischem Können einen fiktiven Mann – den letzten auf der Erde – malte.

Welche Themen behandelt Dana Schutz häufig in ihrer Kunst?

Schutz befasst sich häufig mit Themen wie Isolation, körperlicher Transformation, Angst, Absurdität, sozialer Spannung und inneren Gefühlszuständen, die alle durch ausdrucksstarke Darstellungen zum Ausdruck kommen.

Warum war ihr Gemälde „Open Casket“ umstritten?

„Open Casket“ (2016), eine Darstellung von Emmett Till, löste aufgrund der Darstellung des Traumas Schwarzer durch einen weißen Künstler Kontroversen aus und löste breitere Debatten über Rasse, Repräsentation und künstlerische Verantwortung aus.

Was ist Schutz' künstlerischer Stil?

A: Ihr Stil kombiniert ausdrucksstarke Pinselführung, leuchtende Farben und verzerrte oder übertriebene menschliche Figuren. Er ist inspiriert vom deutschen Expressionismus, Surrealismus und dem zeitgenössischen psychologischen Realismus.

In welchen großen Institutionen sind ihre Arbeiten zu finden?

Ihre Gemälde befinden sich in den ständigen Sammlungen bedeutender Institutionen wie dem MoMA, dem Whitney Museum, dem Guggenheim Museum und dem Museum of Contemporary Art in Los Angeles. Sie stellt außerdem regelmäßig in Galerien und auf internationalen Biennalen aus.

Schafft Dana Schutz noch neue Werke?

Ja, Schutz ist weiterhin aktiv in der Produktion neuer Gemälde und stellt diese international aus. Ihre jüngsten Werke reflektieren mit der ihr eigenen Intensität aktuelle soziale und politische Ängste.