Zeitgenössische Kunst war oft Gegenstand intensiver Kontroversen . Diese Skandale sind jedoch kein Einzelfall unserer Zeit. Bereits 1541 zog Michelangelo den Zorn der öffentlichen Meinung auf sich, indem er eines der berühmtesten Fresken der Kunstgeschichte schuf: Das Jüngste Gericht . An den Wänden der Sixtinischen Kapelle werden die nackten Leichen durch kirchliche Zensur schnell neu angezogen.
Viele andere Ereignisse werden das Gewissen und die Moral prägen, bis zum Aufkommen des Impressionismus, der den Gegensatz zwischen zeitgenössischer Schöpfung und latentem Akademismus , Modell einer schwankenden puritanischen Gesellschaft, bestätigt.
Wir werden hier nicht die Werke der etablierten Empörung erwähnen: Merde d'Artiste von Manzoni, Fontaine von Duchamp oder das jüngste Banane (" The Comedian ") von Maurizio Cattelan. Wir lassen Sie vielmehr einige zeitgenössische Werke entdecken, die durch ihre polemische Dimension sowie durch ihre neugierige (und manchmal gewalttätige) Rezeption gegenüber dem Publikum etwas weniger berühmt und dennoch ebenso interessant sind.
Setzen Sie sich, machen Sie Platz für einen Skandal!
Andres Serrano, Piss Christ, 1987
Piss Christ ist ein 1987 entstandenes Foto des aus Brooklyn stammenden Künstlers Andres Serrano. Wir entdecken ein Plastikkruzifix, das in einem mit Urin und Blut gefüllten Aquarium untergetaucht ist.
Für den Künstler ist dieses rätselhafte Werk als Kritik am lukrativen Geschäft rund um den Katholizismus zu verstehen und als „ Verurteilung derer, die die Lehre Christi missbrauchen, um ihren eigenen verabscheuungswürdigen Zwecken zu dienen “. ".
Der höchst blasphemische Umfang dieses Werkes wird logischerweise wichtige Kontroversen in den Vereinigten Staaten und im Ausland und insbesondere in Frankreich auslösen. Auf dem amerikanischen Kontinent blieb die Arbeit nicht unbemerkt und sorgte sogar für Schlagzeilen einiger überregionaler Zeitungen. Laut Time Magazine ist es nun im Ranking der 100 kultigsten Fotografien aller Zeiten zu finden.
Die Arbeit wurde 1989 schnell von einer mächtigen künstlerischen Institution (Southeastern Center for Contemporary Art, wörtlich Southeastern Center for Contemporary Art ) belohnt, die sich selbst aus öffentlichen Mitteln finanzierte. Einige amerikanische Senatoren sind beleidigt von dieser öffentlichen Unterstützung für ein Werk, das sie für unanständig halten . Dann folgt ein erbitterter senatorischer Kampf zwischen Kritikern und Befürwortern dieses Ansatzes vor dem Hintergrund einer Debatte um die künstlerische Freiheit .
Nach dieser politischen Intervention wird das Werk mehrmals von höllischer Gewalt heimgesucht, sei es in den USA, Schweden oder sogar in Frankreich, wo das Werk 2011 während einer Ausstellung in Avignon zerstört wird stumpfe Gegenstände, die auch das Museumspersonal angreifen, das in dieses makabre Manöver eingreift.
Der Direktor des Museums wird zahlreiche Morddrohungen erhalten , und in der Stadt, in der das Werk stattfindet, wird eine Demonstration mit mehr als 1.000 Menschen organisiert.
Chris Ofili, „Die Heilige Jungfrau Maria“, 1996
Die Heilige Jungfrau Maria ist ein Gemälde des britischen Künstlers Chris Ofili aus dem Jahr 1996. Es stellt eine schwarze Frau dar, die ein blaues Kleid trägt, ein Kleidungsstück, das traditionell der Jungfrau Maria zugeschrieben wird . Es war nicht diese einfache Freiheit des Künstlers, die die Kontroverse anzog.
Seine Besonderheit? Der Künstler verwendete verschiedene Techniken bei der Umsetzung der Arbeit: Ölfarbe , Pailletten, Polyesterharz… und vor allem: Elefantenmist und Fragmente von pornografischen Bildern ! Tatsächlich unterscheiden wir um diese schwarze Jungfrau herum schmetterlingsähnliche Formen. Diese grafischen Elemente sind jedoch keine Lepidoptera, sondern weibliche Genitalattribute, die im Allgemeinen sehr weit von den künstlerischen Standards rund um das heilige Motiv der Jungfrau Maria entfernt sind.
Für den Künstler, einen ehemaligen Messdiener, stellt dieses Werk keine wirkliche Blasphemie dar, sondern beschreibt seine Verwirrung während der katholischen Lehrzeit angesichts der Widersprüchlichkeit der Geschichte von der Geburt der Jungfrau Maria. Er sieht in diesem Werk eine „ Hip-Hop-Version “ der Bildtradition alter Meister.
Das Werk wird im Jahr nach seiner Realisierung direkt von Charles Saatchi, einem sehr einflussreichen Sammler in der Welt der zeitgenössischen Kunst, erworben. 1997 wird es dann im Rahmen der Ausstellung „ Sensation “ im Brooklyn Museum in London präsentiert, die sich künstlerischen Skandalen widmet.
Bei dieser Gelegenheit wird Chris Ofili einen Wahlgegner anziehen: den Bürgermeister von New York , Rudolph Giuliani. Letzterer, zutiefst schockiert über die Entdeckung dieses Werks, wird mit verschiedenen Verfahren und mehr oder weniger zweifelhaften Methoden einen Strafkreuzzug gegen den Künstler und die Institution, die das Werk beherbergt, initiieren. Er wird sogar versuchen, den städtischen Zuschuss von 7 Millionen Pfund zur Unterstützung des Museums zu streichen, ohne Erfolg, da die Institution vor Gericht Erfolg haben wird.
Diese umstrittene Mischung aus Sakralem und Profanem zog auch viele Vandalismen nach sich . 1999 wird die Arbeit der Projektion weißer Farbe durch einen glühenden katholischen Aktivisten zum Opfer fallen. Im selben Jahr warf ein Künstler namens Scott Lobaido Pferdemist auf das Plexiglas, das das Werk bedeckte, wobei letzteres Ofilis Werk als " den katholischen Glauben verunglimpfte ".
Nach ihrem Eingreifen werden die Museumswärter nicht ohne Humor und Verachtung erwidern: " Es ist nicht die Jungfrau Maria." Es ist ein Gemälde “ .
Seit diesen Ereignissen hat die Leinwand ihren beeindruckenden Aufstieg zum Herzen der zeitgenössischen Kunstgeschichte fortgesetzt. 2015 wurde es bei Christie’s für 4,6 Millionen Dollar versteigert. 2019 ist es die ultimative Weihe, da es die ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art (MoMA) in New York integriert.
Marc Quinn, Selbst, 1991 
Selbst ist eine Serie von Selbstporträts des britischen Künstlers Marc Quinn. Diese Selbstporträts in Form von Skulpturen wurden aus einer Abformung des Gesichts des Künstlers hergestellt , gefüllt mit seinem eigenen gefrorenen Blut (ca. 5 Liter Hämoglobin pro Abguss). Diese Serie ist immer noch nicht fertig, da die Künstlerin alle 5 Jahre ein neues Selbstporträt von einem aktualisierten Abguss ihres Gesichts und "neuen" Blutes anfertigt.
Wenn man den zutiefst blutigen Aspekt dieses Prozesses beiseite lässt, kann niemand diesem Künstler vorwerfen, dass er nicht genug von sich selbst gibt, um seine Werke persönlich zu machen. Tatsächlich versucht Marc Quinn den Betrachter herauszufordern, indem er die Grenzen des Porträts verschiebt, indem er ein Werk hervorbringt, "das nicht nur die Form des Modells hat, sondern tatsächlich aus dem eigenen Fleisch des Modells besteht " .
Diese Arbeit, die weniger umstritten ist als die vorherigen, weil sie sich auf eine persönliche Herangehensweise konzentriert, musste weder Vandalismus noch Volksmeinung erleiden. Es hat jedoch viele intellektuelle Debatten über seine künstlerische Relevanz angeheizt, einige halten dieses Werk für eine schreckliche vampirische und unmoralische Suppe, andere halten es für einen starken allegorischen Wert. Dieses Werk kann zu Recht in den Rang legendärer Selbstporträts aufsteigen, von Van Gogh bis Cindy Sherman, die auf mehr oder weniger aufgeklärte Weise von der Zerbrechlichkeit des Menschen zeugen und dem Betrachter erlauben, sich in einem Stück Intimität des Künstlers zu bewegen .
Ai Weiwei, „Eine Urne der Han-Dynastie fallen lassen“, 1995
Dropping a Han Dynasty Urn ist eine Performance-Arbeit des chinesischen Aktivisten Ai Weiwei, bestehend aus einer Assemblage von drei Fotografien, in denen der Künstler zu sehen ist , wie er Schritt für Schritt eine Vase zerstört .
Wie der Titel vermuten lässt, handelt es sich bei der Vase, die Gegenstand dieser vorsätzlichen Zerstörung ist, um ein über 2000 Jahre altes chinesisches zeremonielles Artefakt von hohem finanziellen und symbolischen Wert.
Weit entfernt von einer reinen Willkür schwingt dieser Akt, so der Künstler, tatsächlich mit Duchamps emblematischer Arbeit „Fontaine “ mit, die sein Werk als „ kulturelles Ready-made “ betrachtet .
Tatsächlich interpretierten viele Zuschauer, als sie diese Fotoserie entdeckten, diesen Akt direkt als skandalös und unmoralisch. Ai Weiwei wird dann auf seine Kritiker antworten, indem er Mao Zedong zitiert: „ Der einzige Weg, eine neue Welt aufzubauen, ist die Zerstörung der alten “ . Um diese Idee zu vervollständigen, vervollständigt der Künstler diesen konzeptionellen Ansatz, indem er verschiedene Vasen im antiken Stil anfertigt, die der Künstler in Bonbonfarben bemalt, die den modernen Kapitalismus symbolisieren, oder sogar mit dem Coca-Cola- Logo, das ohne Details analysiert werden kann.
Diese zweifelhafte und ehrgeizige Zerstörung hat offensichtlich andere inspiriert, da viele chinesische Staatsangehörige besonders sensibel für die Erhaltung ihres historischen Erbes sind , das im Laufe der Jahrhunderte von verschiedenen internen oder kolonialen Mächten missbraucht wurde. Daraufhin zerstörte ein Besucher der Ausstellung von Ai Weiwei in Miami eine seiner Vasen, um gegen die Aktion des Künstlers zu protestieren.
Auf das Böse mit Bösem zu reagieren ist eine Demonstration von Klarheit!
Ai Weiwei wird sich von dieser Zerstörung nicht übermäßig stören lassen, da die Werke versichert waren und vor allem, weil er Kontroversen und heftigen Widerstand durchaus gewohnt ist (insbesondere ist er schon seit mehr als 2 Monaten in China inhaftiert, wegen obskurer Muster).
Tracey Emin, Mein Bett, 1998 
Last but not least dieser Top-Arbeit, mein Bett ein Werk eines der bekanntesten und umstrittensten britischen Künstler des 21. Jahrhunderts: Tracey Emin. Opfer langer depressiver Phasen, in denen Tracey bettlägerig blieb, besteht diese 1998 entstandene Arbeit aus dem eigenen Bett der Künstlerin in einem erbärmlichen Zustand , verbunden mit verschiedenen Gegenständen, die sich in ihrem Zimmer befanden, als sie eine ihrer schlimmsten Erfahrungen machte . Ein schmutziger Teppich, übersät mit Abfällen, symbolisiert den Verfall von Leib und Seele : Wodkaflaschen, Zigarettenschachteln, voller Aschenbecher, Fastfood-Verpackungen, schmutzige Taschentücher, gebrauchte Kondome . Das Bett ist in einem desaströsen Zustand, die Laken sind schmutzig und zerknittert, und die Matratze scheint definitiv durch das Gewicht eines Körpers beschädigt zu sein, der zu lange seinem eigenen Müßiggang überlassen war .
Als er 1999 zum ersten Mal in der Tate Gallery ausstellte, waren die Reaktionen der Öffentlichkeit äußerst verwirrt. Manche äußern eine starke Abscheu angesichts dieser hart entblößten Intimität, andere erliegen schnell dem Charme eines neuen Konzepts eines kühnen und sehr persönlichen Künstlers. Ob Sie dieses Werk mögen oder nicht, es verdient zweifellos einen besonderen Platz in der Geschichte der zeitgenössischen Kunst. Diese Intimitätsklammer stellt eine Plattform der Wahl dar, die die Tabus der Gesellschaft über persönliches Versagen , Schwächen und weibliche Unvollkommenheiten sublimiert. Das Werk, obwohl so unästhetisch wie möglich, eröffnet viele intellektuelle Debatten von starkem Interesse, für die Kunst wie für den Menschen. Im Jahr 2014 wird das Werk bei Christie's versteigert und für die bescheidene Summe von 2,8 Millionen Euro versteigert, ein weiterer Beweis für das eminente konzeptionelle Interesse, das dieses Werk erworben hat.
Diese Werke sind offensichtlich nicht die einzigen, die die Geister und die Streitigkeiten angeregt haben. Wir hätten an die hypersexualisierten Werke von Robert Mapplethorpe, die ebenso monumentalen wie umkämpften Skulpturen von Richard Serra, den Weihnachtsbaum (Plug?) von Paul McCarthy oder gar die intimen und verstörenden Performances von Marina Abravomic erinnern können. Kunst hat ständig Skandal geschürt, und das ist ein Teil dessen, was wir erkennen.
Und Sie, was halten Sie von diesen Werken?
Für Neugierige entdecken Sie unsere Auswahl an Werken, die ein Fragment der gewagten zeitgenössischen Kreation zusammenfassen, die auf Artmajeur erhältlich ist.
Bastien Alleaume
Content Manager - Artmajeur Online Art Gallery
Bastien Alleaume (Crapsule Project)