„Strangers Everywhere“ entschlüsseln: Artmajeur-Künstler interpretieren die Themen der Biennale von Venedig 2024

MOONBEAM (2020)Gemälde von Adele Mosonyi

Erkundung des zeitgenössischen Kerns der Biennale von Venedig 2024: Ein detaillierter Blick auf die zentralen Themen

Die 60. Ausgabe der Kunstbiennale von Venedig mit dem Titel „Strangers Everywhere“ ist inspiriert von einer Reihe von Werken, die das Kollektiv Claire Fontaine seit 2004 geschaffen hat. Diese Werke, Neonskulpturen in verschiedenen Farben, die den Satz „Strangers Everywhere“ in mehreren Sprachen zeigen, verkörpern die zentralen Themen der Ausstellung. Dieser Satz, der ursprünglich von einem Turiner Kollektiv zur Bekämpfung von Rassismus und Fremdenfeindlichkeit in den frühen 2000er Jahren in Italien übernommen wurde, legt den Grundstein für eine Untersuchung globaler Krisen, die aus Kriegen und der Bewegung von Menschen über Nationen, Territorien und Grenzen hinweg entstehen. Solche Ereignisse heben die Gefahren und Herausforderungen hervor, die mit Sprache, Übersetzung, Nationalität und Ungleichheiten verbunden sind, die durch Identität, Rasse, Geschlecht, Sexualität, Freiheit und Wohlstand bestimmt werden.

So ist „Strangers Everywhere“ vieldeutig und deutet an, dass man überall, wo man hingeht, zwangsläufig Fremden begegnet, was wiederum die Allgegenwart des Konzepts der Fremdheit unterstreicht. Es impliziert auch, dass unabhängig von der eigenen Position eine inhärente Fremdheit in jedem Individuum fortbesteht.

Die venezianische Ausstellung präsentiert 331 Künstler und Kollektive, die in und zwischen 80 Ländern gelebt haben oder leben, darunter Hongkong, Palästina und Puerto Rico. Ihre vielfältige Beteiligung unterstreicht den Migrationscharakter der Künstler aus verschiedenen Gründen. Der Hauptfokus der Biennale von Venedig 2024 liegt in der Tat auf Künstlern, die Ausländer, Einwanderer, Expatriates, Mitglieder der Diaspora, Exilanten oder Flüchtlinge sind, insbesondere auf jenen, die zwischen dem globalen Süden und Norden pendeln.

Darüber hinaus sind die Begriffe für „Ausländer“ in verschiedenen Sprachen – italienisch „straniero“, portugiesisch „estrangeiro“, französisch „étranger“ und spanisch „extranjero“ – etymologisch mit dem Konzept „fremd“ verknüpft. Folglich befasst sich die Ausstellung auch mit der Produktion verwandter Themen, nämlich: der queere Künstler, der mit verschiedenen Sexualitäten und Geschlechtern umgeht und oft verfolgt oder ausgegrenzt wird; der Außenseiterkünstler, der am Rande der Kunstwelt steht, wie der Autodidakt, der Volks- oder Popkünstler; und der indigene Künstler, der oft wie ein Ausländer in seinem eigenen Land behandelt wird. Diese vier Gruppen bilden den Kern des zeitgenössischen Kerns der Ausstellung.

Abschließend ist es wichtig zu klären, dass die Kunstbiennale von Venedig 2024 auch einen historischen Kern umfasst, der darauf abzielt, Werke des 20. Jahrhunderts aus Lateinamerika, Afrika, dem Nahen Osten und Asien zu sammeln. Es handelt sich um eine spekulative kuratorische Übung, die die Grenzen und Definitionen der Moderne in Frage stellt, mit Abschnitten wie Abstraktionen und Porträts im Zentralpavillon der Giardini und Italiener überall in der Corderie des Arsenale. Die oben erwähnte Anordnung unterstreicht die weniger bekannten Geschichten der Modernismen des globalen Südens und betont die Notwendigkeit, mehr über diese Erzählungen und aus ihnen zu lernen.

Nun sind endlich die Künstler von Artmajeur an der Reihe, die im Einklang mit den Themen des zeitgenössischen Kerns der Biennale von Venedig als Vertreter der Outsider Art, Queer Art, Folk Art und künstlerischen Narrative gegen Rassismus gewürdigt werden.

NATIVE (2022)Gemälde von Nickkuru

"J'AI REGARDÉ LE SOLEIL" (2024)Gemälde von Marc E. Des Rosiers

SCONVOLGI LA TUA REALTÀ (2024)Gemälde von Brazo

Einige Outsider-Künstler von Artmajeur

Beginnen wir mit der Beschreibung der beiden Außenseiterbilder oben. Das erste, „J'ai regardé le soleil“, ist ein Gemälde, auf dem eine mysteriöse Figur dominiert, deren Züge durch eine Kombination aus abstrakten und synthetisch-figurativen Stilen wiedergegeben werden. Tatsächlich wurde das Gesicht der Figur mit groben, fast kindlichen Linien skizziert, die mit Schichten dunkler und beunruhigender Farben gefüllt und durch rote Akzente ergänzt wurden, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen sollen. Im unteren Teil des Werks werden die Pinselstriche auf dem Oberkörper der Figur ziemlich hektisch und erzeugen den Anschein einer Kakophonie von Farbtönen, die wahrscheinlich auf die verborgeneren Strömungen anspielen, die die menschliche Brust bewegen.

Die soeben dargestellte reiche Sprache dient dazu, das technische Können und die Philosophie des Schöpfers zu synthetisieren, der sich durch sein Talent auszeichnet, flüchtige Momente der Emotionen und Gedanken einzufangen, um sie auf der Leinwand einzufrieren und den Betrachter auf meditative Weise zu fesseln. Tatsächlich führt uns der rohe Stil des Künstlers direkt dazu, über unsere persönliche Reise der Selbstfindung sowie über die Wege auf der Suche nach persönlicher Freiheit nachzudenken.

Und schließlich ist Marc E. Des Rosiers ein autodidaktischer, interdisziplinärer Künstler aus Isle-aux-Coudres (Kanada), dessen Kunst sich vorwiegend zwischen Absicht und Zufälligkeit sowie zwischen Kontrolle und Chaos bewegt und uns in einen Bewusstseinsstrom eintauchen lässt, der in die innere Dynamik des Geistes einfließt und durch die bildliche Erzählung deutlich gemacht wird.

Das zweite Werk ist „Sconvolgi la tua realtà“ von Brazo, ein Gemälde, auf dem die Hauptfigur, größer und in der Mitte des Bildträgers platziert, wie ein surreales Wesen erscheint, das scheinbar in einem wilden Tanz gefangen ist. Diese Figur, in Rosa, Orange und Rot gehalten, hebt sich von einem leuchtend gelben Hintergrund ab, der im unteren Teil in ein ruhiges Blau übergeht. Die Szene wird durch die Anwesenheit einiger Fische bereichert, von denen einer vielleicht sogar ein bisschen anbeißt, sowie durch einige Symbole, die im Gleichschritt kämpfen sollen, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen. Der Zweck der Komposition wird jedoch durch den Text verraten, der auf der linken Seite der Leinwand erscheint, denselben Titel wiederholt und buchstäblich dazu auffordert, die eigene Realität zu durchbrechen.

Jedes der soeben erwähnten Stilelemente ist als Beweis für die Abwesenheit akademischer Zwänge zu verstehen, die darauf abzielen, nur dem Instinkt und der kreativen Freiheit den Vorrang zu geben. Tatsächlich lernte Brazo, ein 1964 geborener italienischer Maler, indem er sich von den großen Meistern des Expressionismus inspirieren ließ, die er dann instinktiv interpretierte und verschiedene Stile kombinierte, vor allem die der Street Art und der Art Brut, die er mit äußerster Sachkenntnis mischte.

OLEKSANDR BALBYSHEV "SUNSET DEMON" EDITIONSDRUCK 01\50 (2022)Druckgrafik von Oleksandr Balbyshev

Artmajeur und Queer-Kunst

Was ist queere Kunst?

Queer Art, auch bekannt als LGBT+-Kunst, umfasst moderne und zeitgenössische bildende Kunst, die sich mit Themen und Problemen befasst, die für Lesben, Schwule, Bisexuelle, Transgender und die breitere nicht-heterosexuelle und nicht-cisgender Gemeinschaft relevant sind. Dieses künstlerische Genre stellt oft gewöhnliche Perspektiven in Frage, bietet utopische und dystopische Alternativen und erforscht manchmal Themen im Zusammenhang mit Sexualität und unorthodoxen Wünschen.

Werke queerer Künstler sind keinem einzigen Stil oder Medium unterworfen, sondern umfassen ein breites Spektrum an Ausdrucksformen, das von Performancekunst bis hin zu Malerei und darüber hinaus reicht. Je nach kulturellem, nationalem und religiösem Kontext ergeben sich auch Unterschiede, die die Rezeption der unterschiedlichen künstlerischen Auseinandersetzungen beeinflussen, die sowohl gefeiert als auch zensiert werden können.

Die Geschichte der queeren Kunst umfasst verschlüsselte Darstellungen in Epochen, in denen offener Ausdruck gefährlich war. So begannen queere Künstler in der Zwischenkriegszeit in urbanen Zentren wie Paris und Berlin, ihre Identität offener auszudrücken. Der Kunsthistoriker Jonathan David Katz interpretiert bestimmte Werke von Künstlern wie Robert Rauschenberg und Jasper Johns so, dass sie queere Subtexte enthalten, die auf die homosexuelle Identität der Künstler anspielen.

Darüber hinaus wurde die Queer-Art-Bewegung maßgeblich vom Aktivismus beeinflusst, insbesondere während der AIDS-Krise, als Kunst zu einer Form des Protests und eines Mittels wurde, um für Veränderungen einzutreten. Meister wie Keith Haring nutzten ihre Werke, um das Bewusstsein zu schärfen und das mit AIDS verbundene Stigma zu bekämpfen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Queer Art ein dynamisches und sich entwickelndes Feld ist, das nicht nur die Erfahrungen und Kämpfe von LGBT+-Personen widerspiegelt, sondern auch die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks herausfordert und erweitert.

WONDER WOMAN (2021)Fotografie von Starmonkeyz

Einige queere Künstler von Artmajeur

Vergleicht man die beiden oben genannten queeren Kunstwerke „Tasmanian Tiger“ von Nicolas Gey und „Wonder Woman“ von StarMonkeyz, so zeigt sich, dass sie in ähnlicher Weise Subjekte darstellen, die sich mit Identitäts- und Ausdrucksthemen beschäftigen, welche sich mit konventionelleren gesellschaftlichen Normen überschneiden und durch unterschiedliche Medien und Stilentscheidungen angegangen werden.

„Tasmanian Tiger“ ist ein Gemälde, das urbanen Asphalt mit natürlichen und mythischen Elementen vermischt. Es zeigt einen transsexuellen Zwerg neben einem ausgestorbenen Beutelwolf vor dem strengen Hintergrund einer industriellen Stahltür und hellgrauen, schwarz umrandeten Pflastersteinen. Die oben genannten urbanen Elemente können die starren Strukturen der Gesellschaft symbolisieren, während die Figuren des Zwergs und des Beutelwolfs von einer ungewöhnlichen Freundschaft sprechen und eine gemeinsame Erfahrung der Existenz suggerieren, die über die allgemeine Wahrnehmung hinausgeht.

„Wonder Woman“ von StarMonkeyz hingegen ist ein Foto, das die traditionelle Bildsprache der Glamour- und Pin-up-Figuren der Popkultur untergräbt und absichtlich eine männliche Figur zeigt, die als Superheldin verkleidet ist. Dabei werden Stärke und Verletzlichkeit gegenübergestellt, was die kanonischen Erwartungen des Betrachters in Bezug auf Geschlecht und Heldentum in Frage stellt. So kann das Kunstwerk als Reflexion über die performativen Aspekte des Geschlechts und die Macht der Wiedereroberung ikonischer Symbole zur Abgabe persönlicher oder politischer Aussagen interpretiert werden.

Beide Werke bewegen sich im Bereich der Subversion, gehen aber unterschiedliche Wege. Gey verwendet eine eher gedämpfte Palette und eine Mischung aus Realismus und Fantasie, um die Erfahrung des Queerseins und die Herausforderung der Vielfalt zu kommentieren. StarMonkeyz hingegen verwendet leuchtende Farben, direktes Engagement und spielerische Elemente, um vorgefasste Meinungen zu Weiblichkeit und Identität herauszufordern und die Schönheit der Divergenz mit einem lebendigen Geist zu feiern.

VOLKSTANZ 11 (2022)Gemälde von Uttam Manna

Artmajeur-Künstler definieren Volkskunst neu

Was ist Volkskunst?

Volkskunst umfasst eine breite Palette bildender Künste, die im Kontext der Populärkultur geschaffen werden. Im Gegensatz zur bildenden Kunst, die oft in formalen Bildungseinrichtungen gelehrt wird, wird Volkskunst typischerweise von Personen geschaffen, die in den Traditionen ihrer Gemeinschaft ausgebildet wurden. Diese Methode der Wissensvermittlung trägt dazu bei, die Kontinuität kultureller Ausdrucksformen von Generation zu Generation aufrechtzuerhalten. Tatsächlich sind die Schöpfer der Volkskunst normalerweise tief in ihren kulturellen Traditionen verwurzelt und schaffen Werke, die die Werte, sozialen Normen und kollektiven Erfahrungen ihrer Gemeinschaften widerspiegeln.

Volkskunst kann sowohl materiell als auch immateriell sein und reicht von physischen Objekten wie Textilien, Keramik und Holzschnitzereien bis hin zu Praktiken wie Tanz, Musik und Geschichtenerzählen. Die materiellen Aspekte der Volkskunst sind oft utilitaristisch, werden geschaffen, um alltägliche Bedürfnisse zu erfüllen, und werden sowohl für ihre ästhetischen Qualitäten als auch für ihre Funktionalität geschätzt. Sobald der ursprüngliche Zweck dieser Objekte verblasst, kann ihre weitere Produktion von ihrer Bedeutung innerhalb der Gemeinschaft abhängen und im Laufe der Zeit oft neue Bedeutungen erlangen.

Und schließlich bietet Volkskunst als lebendiger Ausdruck von Gemeinschaft und kultureller Identität zweifellos Einblicke in die sozialen und historischen Kontexte, aus denen sie hervorgeht, da sie unauslöschlich mit Vergangenheit und Gegenwart verknüpft ist und die Vielfalt und den Einfallsreichtum volkstümlicher Traditionen auf der ganzen Welt hervorhebt.

«ESSAY REFLECTION» GROSSES ZEITGENÖSSISCHES ACRYLGEMÄLDE (2023)Gemälde von Yuliia Chaika

LINIEN DES WALDES (2023)Gemälde von Lorena Iavorschi

Einige Folk-Künstler von Artmajeur

Die beiden oben gezeigten Volkskunstwerke, „Essay Reflection“ von Yuliia Chaika und „Lines of the forest“ von Lorena Iavorschi, sind reich an kulturellen Referenzen und durchdrungen von der Essenz ihrer jeweiligen Ursprünge, der Ukraine und Rumänien.

„Essay Reflection“ erzählt von der ukrainischen Kultur durch die Präsenz seiner weiblichen Protagonistin, geschmückt mit Elementen, die an die Volkstracht des Landes erinnern, die für ihre üppigen Stickereien und die Verwendung kräftiger Motive bekannt ist, die sich auch im Hintergrund wiederholen. Tatsächlich könnte das Muster des Kleides eine Anspielung auf die bestickte „Vyshyvanka“ sein, ein Kleidungsstück, das sich durch seine komplizierten Muster auszeichnet.

Die markante blaue Farbe auf der Leinwand spielt vielleicht auf den blauen Himmel an, der sich über den riesigen Weizenfeldern des Landes erhebt - ein Symbol für Fruchtbarkeit und Wohlstand. Darüber hinaus scheinen die übereinander gelegten Hände und die detailreiche Verzierung der Figur die Bedeutung von Handwerkskunst und Gemeinschaftsarbeit in ukrainischen Volkstraditionen widerzuspiegeln.

„Linien des Waldes“ hingegen erzählt von der rumänischen Kultur und spiegelt ihre Volkstrachten und reichen Traditionen durch die Darstellung eines nachdenklichen Mädchens wider, das einen Schal trägt, der an das typische „Basma“ des Landes erinnert und oft mit Blumenmotiven verziert ist. Darüber hinaus könnte die Art und Weise, wie dieses Accessoire gebunden ist, auf eine bestimmte Region Rumäniens hinweisen, insbesondere auf den nordöstlichen Teil des Landes, einschließlich der historischen Region Moldawien.

Die erdigen Töne und der Hintergrund der Waldlandschaft symbolisieren möglicherweise die Verbundenheit mit der Natur, die in der rumänischen Folklore und der ländlichen Lebensweise vorherrscht und das kulturelle Erbe des Landes geprägt hat. Dieselben Töne spiegeln möglicherweise auch die Feierlichkeit und Tiefe der rumänischen Volksmusik und des rumänischen Tanzes wider, die oft die Freuden und Sorgen des Lebens zum Ausdruck bringen.

ASIAN STEREOTYPE (2018)Fotografie von Starmonkeyz

Barrieren durchbrechen: Die Rolle der Kunst im Kampf gegen Rassismus

Über Kunst und Rassismus

Kunst ist seit jeher ein Spiegel sozialer Probleme und Konflikte ihrer Zeit, wobei Rassismus eines der beständigsten und am weitesten verbreiteten Themen ist, das durch kreativen Ausdruck behandelt wird. Im Laufe der Geschichte hat Kunst nicht nur Rassenkonflikte und -unterschiede dargestellt, sondern war auch ein Mittel, um zugrunde liegende Vorurteile und systemische Ungerechtigkeiten, die Diskriminierung aufrechterhalten, herauszufordern und zu kritisieren.

Im weiteren Sinne hinterfragt und entlarvt Kunst gegen Rassismus bestehende Vorurteile in Gesellschaften und zeigt, wie tief verwurzelte Stereotypen die Wahrnehmung und Behandlung verschiedener Rassen und ethnischer Gruppen beeinflussen können. Künstler mit unterschiedlichem Hintergrund haben ihre Arbeit genutzt, um diese Ungerechtigkeiten aufzudecken, Gespräche anzustoßen und das Verständnis zwischen verschiedenen Gemeinschaften zu fördern. Ihre Werke dienen als Katalysatoren für sozialen Wandel und regen die Betrachter an, über ihre eigene Meinung nachzudenken und die breiteren Auswirkungen von Rassismus auf die Gesellschaft zu bedenken.

Am konkreten Beispiel der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung sehen wir Fälle, in denen die Kunst eine grundlegende Rolle dabei spielte, die Kämpfe der Afroamerikaner in den 1950er und 1960er Jahren hervorzuheben, einer Zeit, die von schwerer Rassentrennung und Diskriminierung geprägt war. Man kann beispielsweise David C. Driskells Gemälde „Behold Thy Son“ (1956) nennen, das als Reaktion auf die brutale Lynchjustiz an Emmett Till, einem jungen Afroamerikaner, entstand. Das Meisterwerk stellt Till tatsächlich als Märtyrer dar und lässt sich von der berühmtesten religiösen Ikonographie Christi inspirieren. Diese kraftvolle Assoziation lenkt die Aufmerksamkeit auf die extreme Gewalt, der Afroamerikaner ausgesetzt waren, und dient als visuelles Plädoyer für Veränderung und Anerkennung ihrer Menschlichkeit.

Auch Norman Lewis‘ abstraktes Gemälde „Evening Rendezvous“ (1962) thematisiert auf subtile Weise den Terror der Begegnungen mit dem Ku-Klux-Klan. Es nimmt bedrohliche Formen und Farben an, die die Anwesenheit dieser weißen rassistischen Gruppe suggerieren und regt zu düsteren Überlegungen über den Hass und die Angst an, die unter dem Deckmantel des Nationalismus verbreitet werden.

Im heutigen Kontext bleibt die Rolle der Kunst bei der Diskussion über Rassismus von entscheidender Bedeutung. Nach dem Mord an George Floyd im Jahr 2020 – einem Ereignis, das weltweite Proteste gegen Polizeibrutalität und rassistische Ungerechtigkeit auslöste – reagierten Künstler wie Banksy mit Meisterwerken, die den Moment widerspiegelten. Das Werk des Künstlers zeigt die US-Flagge, die von einer Mahnwache-Kerze entzündet wird, und spielt damit auf die anhaltenden Rassenspannungen in Amerika an.

Es ist daher klar, wie die Kunst weiterhin den Dialog über Rassismus herausfordert, hinterfragt und inspiriert, seine Auswirkungen veranschaulicht und sich für eine gerechtere Gesellschaft einsetzt. Darüber hinaus bieten Kunstmedien nicht nur eine Reflexion über die aktuelle Zeit, sondern stellen sich auch die Verwirklichung einer Zukunft vor, in der Rassengleichheit und Gerechtigkeit erreicht werden. Tatsächlich können wir durch das kreative Universum sicherlich ein tieferes Verständnis für die Realitäten des Rassismus und den anhaltenden Kampf dagegen erlangen, wodurch Malerei, Skulptur usw. zu unverzichtbaren Verbündeten im Streben nach Gleichheit werden.

Einige Artmajeur-Künstler gegen Rassismus