Kunst- und Werbegeschichte
Links : Roy Lichtenstein, Roto Broil , 1961. Teheran Museum of Contemporary Art.
Rechts : Roy Lichtenstein, Küchenserie , 1961-62. Nationalmuseum von Australien, Canberra.
Einige Künstler sind ein wunderbares Beispiel für die bestehenden Brücken zwischen Kunst, Werbung und Konsum. Seit dem späten 19. Jahrhundert waren Kabarettmanager es gewohnt, Pariser Künstler zu bitten, Plakate zu erstellen, die das Lob und die Exzesse ihrer Tänze anpreisten. Dies gilt insbesondere für das emblematische Toulouse-Lautrec und sein nicht minder berühmtes Werbeplakat, das für La Goulue produziert wurde : Maskenabende, die vom Moulin Rouge organisiert und von einer exzentrischen Tänzerin gleichen Namens veranstaltet werden.
Links : Henri de Toulouse-Lautrec, Werbeplakat für das Moulin Rouge - La Goulue , 1891. Werbemuseum, Paris.
Rechts : Henri de Toulouse-Lautrec, Werbeplakat für Les Ambassadeurs ( Aristide Bruant in seinem Kabarett ), 1892. Toulouse-Lautrec Museum, Albi, Frankreich.
Diese beiden Poster wurden gleichzeitig während der Kunst- und Werbeausstellung ausgestellt, die 1990 vom Centre Pompidou organisiert wurde.
Später, Mitte der 1950er Jahre, war es das Aufkommen der Pop Art jenseits des Atlantiks, das die Kunstwelt mit Werbeeinbrüchen überflutete.Andy Warhols Dosentomatensuppe und Roy Lichtensteins stilisierte Produktanleitungen symbolisieren diesen neuen Trend: die gegenseitige Einmischung der Bildenden Kunst in die Werbekultur . Die Verwendung alltäglicher Konsumgüter durch Künstler mit dem Stempel Pop Art wird sich schnell in der Geschäftswelt bewähren. Die Campbell Soup Company (ein amerikanisches Unternehmen, das die berühmten Konserven vertreibt) hätte sich keine bessere Marketingstrategie vorstellen können als die des kreativen Genies Andy Warhol. Heute sind diese Pop-Art- Boxen weltweit Kult, obwohl sie nur in amerikanischen Supermärkten erhältlich sind. Für einen Industriellen ist dies eine effektive Möglichkeit, dank der Kunst Geschichte zu schreiben: Die Ausstellung des Werks erhöht die Exposition des Produkts mechanisch .
Allmählich werden die Grenzen zwischen Kunst , Unterhaltung und Konsumgütern immer durchlässiger. Andy Warhol geht noch weiter und sagt diesen berühmten Satz: „ Wenn man darüber nachdenkt, sind Kaufhäuser ein bisschen wie Museen .“
Andy Warhol, Campbells Suppendosen, 1962. New York Museum of Modern Art.
(Wenn Sie ein Fan der Pop Art sind, zögern Sie nicht, unseren Artikel über die 5 emblematischen Werke der Bewegung zu entdecken)
An anderen Orten des 20. Jahrhunderts verleihen viele legendäre Künstler ihre Pinselmarken, um für ihre Produkte zu werben: Der Amerikaner Edward Hopper und der Belgier René Magritte beispielsweise nahmen beide an diesen kommerziellen Maskeraden teil, um ihre jungen Jahre der Schöpfung zu finanzieren.
Seit den 1980er Jahren war Kunst in den Marketingstrategien und Werbekampagnen von Unternehmen noch nie so präsent. Die ersten Kooperationen zwischen Keith Haring und einigen emblematischen Marken ( Lucky Strike , Absolut Vodka , Quick ) markierten den Beginn einer langfristigen Zusammenarbeit zwischen Designern und Marken, die ihr Image einem bestimmten Publikum (wieder) bekannt machen wollten. Diese Partnerschaften finanzieren den Künstler ebenso wie sie an der massiven Verbreitung seiner Kunst beteiligt sind : ein Vorschlag, den zeitgenössische Schöpfer kaum ablehnen können. Sogar in Frankreich, in unseren Supermarktregalen, sind diese Kollaborationen Legion: Ben Vautier und Quo Vadis Schreibwaren, Bebar und Flaschen Havana Club Rum…
Links : Keith Haring, Werbeplakat für Lucky Strike , 1987.
Rechts : Keith Haring, Werbeplakat für Absolut Vodka , 1986.
Auch andere Marken nutzen längst gemeinfrei gewordene Werke für eine Marketingstrategie : Dies ist insbesondere bei der Marke La Laitière der Fall, die das gleichnamige Meisterwerk von Johannes Vermeer aus dem Jahr 1660 verwendet. Auch Van Gogh ist zu nennen , dessen turbulenter Lebensweg mittlerweile mehrere tausend Liter Absinth pro Jahr fließen lässt, denn eines seiner Selbstporträts ziert die Flaschen der Marke Absente. Ebenso illustrierte Leonardo da Vincis Vitruvian Man die Intentionen des Man Power Logos (Interims- und Rekrutierungsdienst) über viele Jahre hinweg perfekt.
Heute schauen wir uns 3 kuriose Fälle an, in denen der kreative Prozess eines Künstlers großen Einfluss auf die Bekanntheit einer Marke oder eines Produkts hatte, am Beispiel vonSalvador Dali und der Marke Chupa Chups. , Victor Vasarely und der Renault Gruppe, und wir werden schließlich auf den (sehr) besonderen Einfluss von René Magritte, deren Arbeit inspiriert zurückkommen und noch eine Vielzahl von Werbekunden im 21. Jahrhundert inspiriert.
Diese präzisen Analysen werden uns erlauben, mit Eleganz und Substanz auf folgende Fragen zu antworten: Wie beeinflusst Kunst die Werbung? Und warum brauchen Werbetreibende Kunst, um ihre Produkte zu verbessern?
1. Salvador Dali und Chupa Chups
Die Marke für süße Lutscher, die heute jeder kennt, wurde 1958 vom spanischen Unternehmer Enric Bernat gegründet . Der Name kommt von der Kontraktion des Verbs „ chupar “ (saugen auf Spanisch) und der Lautmalerei „ chups “, die das Zischen der Lippen hervorruft, wenn der Schnuller aus dem Mund kommt. In den ersten Jahren der Industrialisierung lief der Verkauf von Lutschern gut, aber leider waren sie nur eine Süßigkeit unter vielen.
Ohne das berühmte pralle Logo hätte diese Bonbonserie niemals den Erfolg erreicht, den wir heute kennen. Der Firmengründer erkannte schnell, dass eine gute Marke nichts ohne ein gutes Logo ist : Zum Glück hatte er unter seinen Freunden eine schnauzbärtige Legende namens Salvador Dali . Der Anführer der surrealistischen Bewegung akzeptierte ohne zu zögern eine Neuinterpretation des ursprünglichen Logos. Er veränderte die Details des Logos und verlieh diesen Lutschern so eine ebenso schlichte wie ikonische visuelle Identität : eine Gänseblümchenform und ein Farbcode – Gelb und Rot – der an die Farben der spanischen Flagge erinnert. Auch der Markenname profitiert von einer runden und zarten Typografie , die durch lebendige und attraktive Rundungen ergänzt wird: Hier ist Völlerei an der Tagesordnung.
Bilder : Entwicklung des Markenlogos von Chupa Chups. Intervention von Salvador Dali 1969.
Eine Kommunikationsentscheidung, die das Unternehmen nie bereuen wird: Heute verkauft Chupa Chups schätzungsweise mehr als vier Milliarden Lutscher pro Jahr: Die Hälfte der Weltbevölkerung hat bereits eine dieser duftenden Süßigkeiten probiert.
2. Victor Vasarely und das Renault-Logo
Wenn Sie regelmäßig (und hoffentlich) aus Ihrem Haus gehen, besteht eine gute Chance, dass Sie mindestens einmal am Tag auf dieses ikonische Logo stoßen. Aber wussten Sie, dass sich hinter diesem kleinen grauen Diamanten eine echte Kunstgeschichte verbirgt?
Das Unternehmen Renault wurde 1898 gegründet. Seitdem zieren verschiedene Logos die Fahrzeuge der Marke: Es waren zunächst zwei ineinander verschlungene "Rs ", die die Schöpfer des Emblems repräsentierten: die Renault- Brüder. Dann sind verschiedene Logos durch die Darstellung eines Panzers während des 1. Weltkrieges gelungen. Ab 1925 übernahm die Marke das Mesh-Rautenmuster , weil es sich besser an die Linien der Hauben ihrer Produkte anpasste. Es wird jedoch sehr rustikal bleiben seit mehreren Jahrzehnten.
Bilder . Entwicklung des Renault- Gruppenlogos von 1900 bis 1925.
1972 , nach zwei Weltkriegen und unzähligen Verstaatlichungen, beschloss die Gruppe, sich ein neues Image zu bieten , das der Entwicklung der Gesellschaft und der aufkommenden Globalisierung besser entspricht. Sie beschließen dann, Victor Vasarely und seinen Sohn Yvaral zu bitten, ein sauberes, glattes und schönes Logo zu entwerfen. Ein neues Emblem für neue Ambitionen.
Bilder . Entwicklung des Renault- Gruppenlogos von 1946 bis heute.
Dieses Familienpaar hatte damals bereits an der Realisierung der Fassade der RTL-Studios in Paris (heute zerstört) mitgewirkt. Victor Vasarely ist ein 1906 geborener französisch-ungarischer Künstler und vor allem der Begründer der Op Art ( " Optische Kunst " ), einer künstlerischen Bewegung, die sich in einer Reihe von Praktiken und Forschungen auf der Grundlage der Konzepte des Stammes niederschlägt. - das Auge und optische Täuschungen .
Victor Vasarely, OND-LZ , 1971. Dieses Werk ist ein perfektes Symbol der optischen Kunst .
In wenigen Tagen wird das Duo ein Logo entwerfen, das großen Eindruck hinterlassen wird. Grafisch verfeinert, ein Symbol der Moderne, wird es natürlich vom Unternehmen validiert, das es sofort in seine gesamte Kommunikationsstrategie integriert: Marketingkampagnen, Plakate, Fernsehwerbung usw.
Die Linien und hellen Details an den Ecken des Diamanten suggerieren so die Dynamik des Baumeisters dank eines zarten 3D-Effekts, der ihm Konsistenz und Charakter verleiht.
Seitdem hat das Logo, obwohl es subtile Variationen erfahren hat, die DNA des Genies Vasarely beibehalten. 2021 wird Renault sein treues Emblem wieder abstauben. Eine seltene Sache in Marketingstrategien, die Marke hat beschlossen, das von Vasarely vorgeschlagene ursprüngliche Design wiederzubeleben. Ein nüchternes und elegantes Recycling, überlebendes Artefakt eines Künstlers, der seiner Zeit voraus war.
3. René Magritte: Surrealismus im Dienste der Werbefantasie
René Magritte, Der Menschensohn , 1964. Ausschnitt. Privatsammlung.
Ob Kind oder Erwachsener, bewusst oder unbewusst: Jeder kennt und erkennt die Arbeit von René Magritte. Mit seiner glatten, leuchtenden und zutiefst originellen Vorstellungskraft gelang es ihm, die öffentliche Meinung zu verführen und die Massen an der Begeisterung der surrealistischen Bewegung festzuhalten. Wo einem Laienpublikum der Dadaismus von Duchamp oder Man Ray oft absurd oder gar irritierend vorkam, und wo Surrealismus von Dali oft zu verträumt und phantasievoll wirkte, konnte René Magritte mit ruhigen, geometrischen, symbolischen Werken am Widerstrebendsten überzeugen, an den Antipoden der systematischen Überfrachtung seiner Pariser Amtskollegen . Der belgische Künstler hat mehr als 1.500 kuriose und explosive Werke geschaffen, in denen es wiederkehrende und emblematische Elemente gibt: Objekte, die am Magritte-Mythos beteiligt sind und heute fast untrennbar mit seinem Pinselstrich verbunden sind. Grüne Äpfel, blauer Himmel, Wolken, Türen, Melonen, Männer in Anzügen, Regenschirme, Vögel und Straßenlaternen sind alles Werkzeuge, um eine verdammt gut durchdachte surrealistische Mythologie zu entwickeln.
René Magritte, La Trahison des Images , 1928. Gemälde im Museum of Modern Art in Brüssel ausgestellt.
Magrittes Stil hat die Werbephantasie und die Konsumgesellschaft auf völlig neue Weise beeinflusst. Und sicherlich, weil er sich in jungen Jahren als Kommunikator geschmiedet hat, sind seine Werke in der Populärkultur so bekannt geworden. Im Jahr 2021 kennen nur wenige das berühmte Gemälde " Dies ist keine Pfeife " , seinen richtigen Namen La Trahison des Images . Offensichtlich vereint diese Arbeit jedoch alle Elemente effektiver Werbung : eine lesbare Botschaft, die Fragen stellt und ein starkes Image. Außer diesen beiden Komponenten gibt es nichts: Leere, Nichts. Diese fehlende Verbindung zwischen den beiden Elementen ermöglicht es dem Betrachter, darüber nachzudenken, eine Korrelation zu suchen, zu reflektieren und sich der Analyse des Gemäldes zu widmen. Genau das sucht ein Werbetreibender bei der Konzeption einer Marketingstrategie : Er möchte, dass der Betrachter innehält, nachdenkt und seine Aufmerksamkeit dem Nutzen eines Slogans oder einer Botschaft widmet, denn es ist der erste .
Kein Wunder also, dass wir diese besondere Nüchternheit in den Werbekampagnen unserer Zeit finden, von Apple über Netflix bis hin zu McDonald's . Kein Wunder auch, dass wir diese Tabelle immer wieder aufs Neue von inspirierenden Werbetreibenden übertrieben neu interpretieren, auch wenn dies bedeutet, durch gedankenlose Ablenkungen ihre eigentliche Bedeutung zu zerstören.
Allianz-Werbeplakat. Ein schönes Beispiel für eine Fehlinterpretation der ursprünglichen Botschaft, die in René Magrittes Malerei verteidigt wurde. Detail: 'Dies ist ein gewöhnlicher Fingerquetscher' .
Auch wenn René Magritte die Codes der Kommunikation wunderbar beherrschte, hasste er Werbung. Er betrachtete die Werbung sogar als "eine angewandte Kunst, die die reine Kunst tötet" . Das erklärt, warum seine Malerei manchmal spielerisch sarkastisch wirken konnte . Er musste jedoch an diesen Maskeraden teilnehmen, um seinen Nahrungsbedarf zu decken. Aus diesem Grund arbeitete er für viele Brüsseler Sponsoren, hauptsächlich Juweliere und Couturiers, aber auch für die belgische Fluggesellschaft Sabena (inzwischen aufgelöst).
Poster einer Marketingkampagne für die Marke Absolut Vodka im Stil von Magrittes Werken.
Wie Sie gesehen haben, haben Kunst und Werbung viel komplexere Verbindungen, als sie erscheinen. Von Citroën Picasso bis zu Keith Haring-Kaffeemaschinen, einschließlich der Zusammenarbeit zwischen Louis Vuitton und Takashi Murakami , hätten wir viele andere beredte Situationen heraufbeschwören können, in denen Kunst Werbung umfasst, zum Besseren und manchmal (oft) zum Schlechten. .
„ Kunst ist schon Werbung. Die Mona Lisa hätte als Stütze für eine Schokoladenmarke, Coca-Cola oder was auch immer dienen können . (Andy Warhol, 1981).
Bastien Alleaume