Alicia Keys und Swizz Beatz: Beschützer der Künstler

Wer sind Alicia Keys und Swizz Beatz?

Alicia Keys

Alicia Keys, deren Geburtsname Alicia Augello Cook ist (geboren am 25. Januar 1981), ist eine erfolgreiche amerikanische Sängerin und Songwriterin. Sie verfügt über eine klassische Klavierausbildung und begann im Alter von 12 Jahren mit dem Komponieren von Liedern. Mit nur 15 Jahren sicherte sie sich einen Plattenvertrag bei Columbia Records. Nach Streitigkeiten mit dem Label unterschrieb sie bei Arista Records und veröffentlichte 2001 ihr Debütalbum „Songs in A Minor“ über J Records. Das Album erzielte sowohl Kritikerlob als auch kommerziellen Erfolg und verkaufte sich weltweit über 12 Millionen Mal. Es enthielt die Nummer-1-Single „Fallin‘“ der Billboard Hot 100 und brachte Keys 2002 fünf Grammy Awards ein.

Alicia Keys hat bemerkenswerte Erfolge erzielt und weltweit über 90 Millionen Platten verkauft und damit ihren Status als eine der meistverkauften Musikkünstlerinnen der Welt gefestigt. Zu ihren Auszeichnungen zählen 15 Grammy Awards, 17 NAACP Image Awards, 12 ASCAP Awards sowie Anerkennungen durch die Songwriters Hall of Fame und die National Music Publishers Association. Sie wurde von Billboard als R&B/Hip-Hop-Künstlerin des Jahrzehnts (2000er) ausgezeichnet und belegte Platz zehn auf der Liste der 50 besten R&B/Hip-Hop-Künstler der letzten 25 Jahre. VH1 hat sie in die Liste der 100 größten Künstlerinnen aller Zeiten und der 100 größten Frauen der Musik aufgenommen. Das Time Magazine hat sie 2005 und 2017 zu einer der 100 einflussreichsten Personen gekürt. Keys wird auch für ihre humanitäre Arbeit, ihre Philanthropie und ihren Aktivismus gefeiert und wurde von Amnesty International als Botschafterin des Gewissens ausgezeichnet. Sie ist Mitbegründerin und globale Botschafterin der gemeinnützigen HIV/AIDS-Bekämpfungsorganisation Keep a Child Alive.

Swizz Beatz

Kasseem Daoud Dean, geboren am 13. September 1978 und beruflich bekannt als Swizz Beatz, ist ein erfolgreicher amerikanischer Plattenproduzent, Rapper, Discjockey (DJ) und Songwriter. Er stammt aus dem New Yorker Stadtteil Bronx, wo er seine Musikkarriere zunächst als DJ startete. Im jungen Alter von 18 Jahren machte er sich dank des Plattenlabels seiner Familie, Ruff Ryders, und seiner engen Verbindung zum in Yonkers ansässigen Rapper DMX einen Namen in der Hip-Hop-Szene. Seine Rolle als Produzent, DJ und Hype-Mann von DMX machte Dean zu einer bedeutenden Persönlichkeit in der Hip-Hop-Welt.

Sammeln afroamerikanischer Kunst

Im Mai 2018 fiel im lebhaften Auktionssaal von Sotheby's New York der Hammer auf Kerry James Marshalls „Past Times“ (1997), ein weitläufiges Meisterwerk, das eine moderne ländliche Umgebung mit schwarzen Menschen beim Picknicken, Bootfahren, Golfen, und Krocket spielen. Kurz darauf entfachte der endgültige Verkaufspreis, unglaubliche 21,1 Millionen US-Dollar, der höchste, der jemals für ein Werk eines lebenden afroamerikanischen Künstlers bei einer Auktion erzielt wurde, eine hitzige Diskussion.

Es stellten sich Fragen: Waren schwarze Künstler plötzlich ein vorübergehender Trend und waren die jüngsten Aufmerksamkeitsschübe lediglich ein Versuch, jahrzehntelange Diskriminierung und Rassismus in der Kunstwelt zu korrigieren? Hätte der vom Käufer, Musikmogul Sean „Diddy“ Combs, gezahlte beträchtliche Betrag für sinnvollere Unternehmungen verwendet werden können? Bemerkenswert ist, dass die Auktion mit Marshalls Kunstwerken auch einen Sonderverkauf beinhaltete, der 20,2 Millionen US-Dollar für 42 Werke anderer prominenter schwarzer zeitgenössischer Künstler einbrachte. Der Erlös sollte der Unterstützung einer bevorstehenden Einrichtung des Studio Museum in Harlem dienen.

Hätte Diddy alle diese Kunstwerke erworben, hätte er seinen Status als bedeutender Sammler zeitgenössischer Kunst gefestigt, fast eine Million US-Dollar gespart und sein geschätztes Konzept der „schwarzen Exzellenz“ verkörpert. Damit hätte er dafür gesorgt, dass eine afroamerikanische Institution in seiner Heimatstadt Harlem auch in den kommenden Generationen Künstlern und Kuratoren von Farbe zugute kommen würde.

Für Künstler war der Verkauf von Marshalls Werken – bei dem der Künstler selbst keine Entschädigung erhielt – eine deutliche Erinnerung an eine unmittelbarere Frage: Sollten bildende Künstler Anspruch auf Lizenzgebühren aus dem Weiterverkauf ihrer Werke auf dem Sekundärmarkt haben? Diese Anfrage hat besonderes Interesse bei den Sammlern Kasseem „Swizz Beatz“ Dean, dem renommierten Hip-Hop-Produzenten, und seiner Ehefrau Alicia Keys, der gefeierten R&B-Künstlerin, die 15 Grammy Awards gewonnen hat, geweckt. Durch ihre angehäuften Bestände, die heute als Dean Collection bekannt sind, hat sich das Paar als begeisterte Unterstützer etabliert, deren Mission es ist, eine schützende Gemeinschaft für die Künstler zu schaffen, die sie unterstützen. Dean, ein leidenschaftlicher Verfechter der Kunst, die er bewundert, leitete den Erwerb von Marshalls Gemälde durch seinen langjährigen Freund und Kollegen aus der Musikwelt ein. „Es hat ein Jahrzehnt gedauert, bis ich es geschafft habe“, erzählte er und bezog sich dabei auf die Zeit, die es brauchte, um Diddy davon zu überzeugen, erheblich in bedeutende schwarze Kunst zu investieren. „Ich bestand darauf, dass dieses Stück von Kerry James Marshall in unserem kulturellen Erbe bleiben muss.“

Er saß in einem entspannten italienischen Restaurant gegenüber seinem weitläufigen Aufnahmestudio im New Yorker Stadtteil Chelsea, wo namhafte Künstler wie Jay-Z, Keys und Adele ihre Musik aufnehmen, und erinnerte sich an den historischen Verkauf von Marshalls Gemälde als „herausfordernde Verhandlung“. ." Diddy war besorgt, da er sich noch nie zuvor in ein solches Gebiet vorgewagt hatte, und nach dem Verkauf sagte er zu Dean: „Erwarten Sie nicht, dass ich jeden Tag so etwas mache.“ Der gebürtige Bronxer schlürfte einen Roséwein, lachte und blieb standhaft. „Aber wir mussten es tun! Es war ein monumentaler Moment.“ Am selben Abend erwarben Dean und Keys als Geste der Solidarität Lynette Yiadom-Boakyes fiktives Porträt „An Assistance of Amber“ (2017) für 550.000 US-Dollar und fügten es ihrer Sammlung hinzu.

Keys bemerkte: „Es gibt unzählige Künstler aus verschiedenen Disziplinen – Musiker, Maler, Bildhauer, Tänzer – die bedeutende Beiträge zur Kultur geleistet haben, diese Welt aber leider mit nichts zurückgelassen haben.“ Sie fuhr fort: „Das ist inakzeptabel; so sollte es nicht sein.“ Keys brachte ihre Überzeugung zum Ausdruck, wie wichtig es ist, dass die Gesellschaft diejenigen anerkennt und ehrt, die wesentliche Beiträge für ihre Gemeinschaften leisten. „Da wir selbst Künstler sind, liegen uns die lebenden Künstlerkollegen sehr am Herzen und wir sorgen dafür, dass sie eine faire Anerkennung für ihre Arbeit erhalten.“ Mit dieser Perspektive im Hinterkopf suchen sowohl Keys als auch Dean ständig nach Möglichkeiten, sich für mehr Gerechtigkeit und Nachhaltigkeit auf dem Kunstmarkt einzusetzen, nicht nur zu ihrem eigenen Vorteil, sondern auch zum Nutzen anderer. „Unser Ziel ist es, eine lebendige Gemeinschaft zu schaffen, in der jeder die Anerkennung erhält, die er verdient.“

Bildende Kunst spielte von Anfang an eine wichtige Rolle in ihrer Beziehung. Dean erinnerte sich gern an ein frühes Date, als er zu spät kam, weil er damit beschäftigt war, ein Gemälde für seine zukünftige Frau zu kaufen. Das Kunstwerk zeigte ein Klavier mit Pinseln als Tasten, geschaffen von dem in Russland geborenen französischen Art-Déco-Künstler Erté. Einige Monate später organisierte er eine private Kunstausstellung für Keys und ließ Kunstwerke aus der ganzen Welt einfliegen. Die Veranstaltung, bekannt als „Alicia’s Erté Experience“, fand in der Galerie von David Rogath, einem Händler und Sammler in Manhattan, statt. Dean engagierte sogar einen Privatpädagogen, um Einblicke in Ertés Arbeit zu geben, und zu diesem Anlass war ein Sushi-Koch vor Ort. Dean fügte mit einem Lächeln hinzu: „Wir schlenderten durch die Ausstellung und vertieften uns in die Bildung, die für jedes Stück geboten wurde.“ In späteren Jahren erwiderte Keys diese Geste der Zuneigung, indem er eine Überraschungsfeier zum 30. Geburtstag von Dean im Guggenheim Museum veranstaltete.

Dean ist seit seinem ersten Erfolg mit der Produktion des DMX-Megahits „Ruff Ryders‘ Anthem“ im Jahr 1998, als er gerade 18 Jahre alt war, ein Kunstsammler. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er an bemerkenswerten Alben für Künstler wie Jay-Z, Busta Rhymes, Eve und Cam'ron. Als er sein erstes Zuhause erwarb, erkannte er die Bedeutung der Kunst für Menschen, die er bewunderte, darunter den einflussreichen Musikmanager und Mentor Clive Davis. Dean teilte mit: „Ich wollte meine Wände mit bedeutungsvollen Kunstwerken schmücken. Ich wollte Clive Davis beeindrucken, wann immer er mein Zuhause besuchte.“ (Tatsächlich ziert ein von Davis signiertes Ducati-Motorrad jetzt stolz das Foyer von Dean und Keys‘ Villa in Englewood, New Jersey.)

In den späten 1990er Jahren begann Dean, Kunstgalerien zu besuchen und Fragen zu stellen, um zu verstehen, warum Menschen bereit waren, beträchtliche Summen zu zahlen, etwa 50.000 Dollar für ein kleines Gemälde. Er beharrte auf seiner Suche, auch wenn er sich unwillkommen fühlte. „Ich wurde unglaublich neugierig und ging hin und her. Sie haben mich nie wirklich ernst genommen. Ich hatte geflochtene Haare und trug weite Hosen.“

Mit der Zeit wurden die Händler auf ihn aufmerksam, als er anfing, Einkäufe zu tätigen, darunter frühe Anschaffungen wie eine Suppendose von Andy Warhol Campbell's und Dracula aus der diamantenbesetzten „Myths“-Serie des Pop-Künstlers im Jahr 1981. Dean erinnerte sich an die Künstler, die er ursprünglich erworben hatte, bezeichnet sie alle als Meister. Allerdings mangelte es diesen Akquisitionen an persönlichen Verbindungen.

Der Wendepunkt kam um das Jahr 2005, als er begann, sich mit Künstlern aus der näheren Umgebung auseinanderzusetzen. Dean erzählte von einem Erlebnis, als er Ernie Barnes zu sich nach Hause flog, um Orte zum Aufhängen von Gemälden auszuwählen. Ernie Barnes, ein verstorbener afroamerikanischer Künstler aus Durham, North Carolina, der zuvor eine Karriere im Profifußball hatte, wurde durch Werke wie „Sugar Shack“ (1971) bekannt, eine surreale Darstellung schwarzer Figuren, die unter Bannern mit den Namen tanzen Musiklegenden wie „Big Daddy“ Rucker und Marvin Gaye.

Als Dean tiefer in die Welt der schwarzen Kunst eintauchte, wurde ihm klar, dass es in der Community selbst nicht genügend Sammler gab. Während er sich weiterhin für Kunst aller Hintergründe und Kulturen interessiert, legt die Dean Collection einen besonderen Schwerpunkt auf afroamerikanische Künstler, die lange Zeit übersehen wurden. Vor dem jüngsten Anstieg des Interesses organisierten Museumskuratoren selten Einzelausstellungen für schwarze Künstler, und sowohl private als auch öffentliche Sammler erwarben ihre Werke selten in nennenswertem Umfang. Den wenigen schwarzen Künstlern, denen es gelang, bedeutende Märkte zu etablieren, taten sie dies oft mit der Unterstützung einer ausgewählten Gruppe von Förderern, darunter AC Hudgins, ein engagierter Sammler und Vorstandsmitglied des Museum of Modern Art, die verstorbene Aktivistin und Sammlerin Peggy Cooper Cafritz aus Washington, DC und andere schwarze Künstler wie David Hammons, der Ed Clarks umfassende abstrakte Werke leidenschaftlich sammelte.

In ihrem Bemühen, dieses Unterstützungsnetzwerk zu erweitern, engagierten sich Dean und Keys maßgeblich für das Sammeln schwarzer Kunst. Dean betonte, dass diese Künstler Anerkennung verdienen und dass sie die treibende Kraft hinter der Veränderung sein müssen, die sie sehen wollen.

Eine der bedeutendsten Sammlungen afroamerikanischer Kunst

Im letzten Jahrzehnt hat die Dean Collection eine vielfältige Sammlung von über 1.000 Kunstwerken zusammengetragen, darunter Künstler wie Kehinde Wiley, KAWS, Jeffrey Gibson und Ansel Adams. Diese Kunstwerke befassen sich häufig mit Themen wie Machtdynamiken, historischen Erzählungen, Rassenperspektiven und Geschlechterfragen, die für Dean und Keys jeweils eine tiefgreifende persönliche Bedeutung haben. Die Sammlung zeichnet sich auch durch ihre Inklusivität aus und hebt zahlreiche Künstlerinnen wie Toyin Ojih Odutola, Deana Lawson und Deborah Roberts sowie autodidaktische Künstlerinnen wie das aufstrebende Talent Reginald Sylvester II hervor.

Im Jahr 2015 beauftragten Dean und Keys Sylvester mit der Erstellung eines Porträts von Nasir, einem ihrer fünf Kinder, was, wie Sylvester es ausdrückte, „zweifellos eine Startrampe für mich war“. Er erklärte weiter: „Als Künstler anzufangen, kann eine Herausforderung sein. Wenn man fleißig arbeitet, ist die Anerkennung möglicherweise schwer zu erreichen und man bleibt von bestimmten Personen möglicherweise unsichtbar. Eine so frühe Unterstützung zu erhalten, war zweifellos inspirierend und motivierend.“

Während sich das Paar auf die Festigung seiner Kunstsammlung konzentrierte, entwickelte sich die Dean Collection zu einer der bedeutendsten Zusammenstellungen von Werken afroamerikanischer Künstler, darunter renommierte Persönlichkeiten wie Lorna Simpson, Derrick Adams, Mickalene Thomas und Nina Chanel Abney . Keys betonte ihr Engagement für das Sammeln junger Farbkünstler und betrachtete dies als kulturelle Verpflichtung. Sie führte aus: „So sollte es sein. Es geht darum, andere aufzurichten und ein Vermächtnis fortzuführen.“ Sie möchte sehen, dass ihr Ansatz andere, insbesondere junge Künstler, beeinflusst, um die Bedeutung und den Einfluss der Kunst zu erkennen.

Im Vergleich zu anderen Sammlern ihres Formats, die ihre Sammlungen und Beweggründe oft geheim halten, sind Dean und Keys deutlich transparenter in Bezug auf ihre Absichten und Bestrebungen. Ihr Ethos ist in einem informellen Motto zusammengefasst, wie es der 38-jährige Keys formuliert: „Für den Künstler, vom Künstler, mit den Menschen.“ Sie teilen neu erworbene Werke gerne auf dem Instagram-Konto der Dean Collection, um sie der Öffentlichkeit leicht zugänglich zu machen. In jüngsten Beiträgen wurden Kunstwerke wie Henry Taylors „Cornerstone“ (2016–19) vorgestellt, das einen Obdachlosen in Los Angeles zeigt, der ein Schild hält, auf dem er um Essen bittet; „So What“ (2016) des jamaikanischen Künstlers Paul Anthony Smith bietet die Vision einer Frau in einem Federkostüm, die den Karneval feiert, gesehen durch ein Muster, das an einen Windschutzzaun erinnert; und die großartige dreiteilige Himmelskomposition „Lead Me Gently Home“ (2019) der jungen Malerin Naudline Pierre, die die ausdrucksstarke und farbenfrohe Tradition des verstorbenen amerikanischen Malers Bob Thompson fortsetzt.

Sammler, die gezielt nach Kunst mit tiefgreifenden rassischen und kulturellen Themen suchen, sind relativ selten, und die Dean Collection zeichnet sich durch ihre leidenschaftliche Beschäftigung mit solchen Werken aus. Ein Großteil der historischen Bedeutung und der Dringlichkeit der Sammlung ist auf die Arbeit eines anderen prominenten Künstlers, Arthur Jafa, zurückzuführen. Dean drückte sein Erstaunen aus und sagte: „Wir sind die ersten afroamerikanischen Sammler seiner Werke“, was den bahnbrechenden Charakter ihres Unterfangens unterstrich. Dieser Pioniergeist motivierte sie zu bedeutenden Anschaffungen, darunter ein monumentales Stück aus Jafas „Big Wheel“-Skulpturenserie mit imposanten, in Ketten gewickelten Reifen. Darüber hinaus erwarben sie „Apex“ (2013), eine von Jafas frühen Videoarbeiten, die aus Standbildern besteht, die zu einem Techno-Beat unterlegt sind und an den rhythmischen Klang eines Herzmonitors erinnern.

Dean nutzte seinen Einfluss auch, um Kehinde Wiley davon zu überzeugen, sich von „Femme Piquée par un Serpent“ (2008) zu trennen, einem monumentalen, 25 Fuß langen Ölgemälde, das einen schwarzen Mann in Jeans, einer Baseballkappe und Adidas zeigt, der in einer Schlange liegt Pose inspiriert von klassischer Kunst aus Jahrhunderten. Während der Ausstellung dieses Werks in Wileys Umfrage 2015 im Brooklyn Museum mit dem Titel „A New Republic“ äußerte Dean seinen Wunsch, es zu erwerben, worauf Wiley zunächst antwortete: „Oh Schatz, es steht nicht zum Verkauf.“

Heute ziert dieses bemerkenswerte Stück einen Spiegelraum in ihrem Wohnhaus. Dean und Keys entfernen manchmal Möbel aus diesem Raum, damit Gäste, die oft zu ihren berühmten Zusammenkünften eingeladen werden, ungestört feiern und nach Herzenslust tanzen können.

Künstler schützen

An einem warmen Sommertag hatte Dean Termine bei Sotheby's, wo er sich mit einer Sache beschäftigte, die ihm am Herzen lag: „Dean's Choice“. Keys, inspiriert von ihrem Engagement für den Aufbau von Gemeinschaften und Inklusion, erläuterte dieses Konzept als „etwas, das ein Sammler annehmen und sagen könnte: ‚Wenn ich dieses Kunstwerk verkaufe, möchte ich, dass eine Lizenzgebühr an den Künstler oder die Familie des Künstlers zurückgegeben wird.‘ .' Das macht absolut Sinn! Wie könnte man das Werk eines Künstlers zu Beginn für 10.000 US-Dollar kaufen, und später hat es einen Wert von 30 Millionen US-Dollar, ohne dass ein Anteil an ihn oder seine Familie geht?“

Denken Sie an „Past Times“, das Meisterwerk von Kerry James Marshall, das mit 21,1 Millionen US-Dollar einen Rekord aufstellte. Ursprünglich wurde es 1997 für lediglich 25.000 US-Dollar verkauft. Kurz nach der hochkarätigen Übernahme durch Diddy im Jahr 2018 entmutigte ein weiterer überraschender Vorfall den in Chicago lebenden Künstler. Als seine Heimatstadt ankündigte, das geschätzte Wandgemälde „Knowledge and Wonder“, das er 1995 für die Chicago Public Library geschaffen hatte, mit einem geschätzten Preis zwischen 10 und 15 Millionen US-Dollar bei Christie's New York versteigern zu lassen, äußerte sich Marshall in einer Erklärung teilte ARTnews mit: „Die Stadt der großen Schultern hat aus den Früchten meiner Arbeit das größtmögliche Quäntchen Wert herausgeholt.“

Die Pläne für diesen Verkauf wurden zurückgezogen, nachdem es zu erheblichen Kontroversen kam. Es gibt jedoch zahlreiche Fälle, in denen Kunstwerke schwarzer Künstler auf dem Sekundärmarkt beträchtliche Summen erzielten, so dass die Künstler selbst keinen Anteil am Erlös hatten. Insbesondere die aufstrebenden Künstlerinnen Jordan Casteel und Tschabalala Self, die beide in der Dean Collection vertreten sind, wurden kürzlich Zeuge, wie ihre frühen Werke, die während ihrer Studienzeit entstanden waren, für Hunderttausende Dollar versteigert wurden. Die Auktionspreise dieser frühen Stücke könnten den Verlauf ihrer Karriere erheblich beeinflussen.

„Dean's Choice“ erweist sich als mögliche Lösung, um dieser Ungleichheit entgegenzuwirken, indem es Verkäufern die Möglichkeit bietet, einen Teil ihres Verkaufserlöses dem ursprünglichen Schöpfer des Werks zuzuteilen. Dean betonte, dass es bei diesem Vorschlag „nicht um Wohltätigkeit“ gehe, sondern vielmehr um einen Appell an echte Gönner. Er zog einen Vergleich und sagte: „Wenn Sie etwas in einem Pfandhaus verpfänden, werden sie tun, was sie tun müssen – es ist der Handelsposten.“ Dean ist davon überzeugt, dass gewissenhafte Käufer und Verkäufer auf dem Sekundärmarkt als Beschützer der Künstler fungieren sollten.

Joeonna Bellorado-Samuels, Direktorin der Jack Shainman Gallery in New York, betrachtet Keys und Dean eher als Verbündete und Teamkollegen als als bloße Kunden. Sie betonte die Bedeutung ihres öffentlichen Eintretens für Künstlerrechte und nannte „Dean’s Choice“ und ihre Zusammenarbeit mit Sotheby’s als wirkungsvolle Initiativen. Bellorado-Samuels, der die Aufnahme von Hank Willis Thomas‘ Edelstahlskulptur „Strike“ (2018) und Yiadom-Boaykes „Stone Arabesque“ (2018), einem vierteiligen Gemälde mit einer schwarzen Ballerina, in die Dean Collection ermöglicht hat, sieht sie als Führungskräfte, die eine wichtige Rolle übernehmen. Sie bemerkte: „Sie bringen Ideen zum Ausdruck, die vielleicht schon einmal geflüstert wurden. Ihre Offenheit ist wirklich wichtig.“

„Dean's Choice“ ist nur eines der Konzepte, die Keys und Dean entwickelt haben, um einen Teil der Kunstgewinne an Künstler zurückzuleiten. 2015 führten sie „No Commission“ ein, eine Kunstmesse, bei der teilnehmende Künstler 100 Prozent der Erlöse aus ihren Verkäufen behalten. Letztes Jahr starteten sie eine Förderinitiative namens „St(art)ups“, die 20 Künstlern weltweit 5.000 US-Dollar zur Verfügung stellte, um die Organisation ihrer Ausstellungen zu unterstützen. Darüber hinaus planen sie, nächstes Jahr eine App namens „Smart Collection“ vorzustellen. Dean beschrieb es als „eine abonnementbasierte Plattform, bei der Künstler 100 Prozent ihrer Verkäufe behalten.“ Dieses Konzept, das teilweise während Deans Studium an der Harvard Business School im Jahr 2017 entwickelt wurde, zielt darauf ab, Künstlern, die keinen Zugang zur traditionellen Galerievertretung haben, eine Möglichkeit zu bieten, ihre Werke zu präsentieren und zu verkaufen.

„Traumland“ & „Kreativland“

Darüber hinaus gibt es Dreamland, eine informelle Künstlerresidenz, die 2017 von Dean und Keys in Arizona gegründet wurde. Dean erklärte, dass es zwar allen Künstlern offen steht, unabhängig von ihrem Hintergrund, er möchte aber, dass afroamerikanische Künstler wissen, dass es einen Ort gibt, der Afrikanern gehört -Amerikaner, wohin sie gehen können, um sich vom Druck der Shows und Verkäufe zu befreien. Er stellt sich Dreamland als einen Zufluchtsort für Künstler vor, um neu zu denken und den Kopf frei zu bekommen.

Deans Begeisterung erreichte ihren Höhepunkt, als er über ein langfristiges Projekt sprach, das er und Keys sich vorgestellt hatten: eine neue Institution mit dem vorläufigen Namen Creativeland. Diese Institution wird als Raum für Kreative aus verschiedenen Bereichen dienen, um gemeinsam an Ideen in den Bereichen Kunst, Technologie und Wirtschaft zu arbeiten. Ihre Vision umfasst Pläne für einen Campus mit Ausstellungsräumen für ihre Sammlung, einem Aufführungszentrum, Klassenzimmern und Wohn-/Arbeitsräumen für Besucher. Sie haben einen Standort mit einer Fläche von über 100 Hektar Land im Bundesstaat Macedon, New York, einer kleinen Stadt etwa 20 Meilen von Rochester entfernt, identifiziert. Bildung ist ein entscheidender Aspekt des Projekts, da Dean darauf abzielt, der Kulturgemeinschaft wichtige Werkzeuge zur Verfügung zu stellen, die von seiner Zeit in Harvard inspiriert sind, um Künstlern dabei zu helfen, mehrere Plätze am Tisch und in Gremien zu gewinnen. Ziel ist es, Kreative zu stärken und ihnen Ressourcen für den Erfolg zur Verfügung zu stellen.

Keys betonte, dass ihre Initiativen darauf abzielen, inklusiv zu sein und gleiche Wettbewerbsbedingungen zu schaffen und Kunst für alle zugänglicher und vorteilhafter zu machen. Als Paar, das sich intensiv mit der Art von Arbeit beschäftigt, die ihnen ursprünglich den Erfolg bescherte, wissen sie den Wert der Beziehungen zwischen Künstlern auf einzigartige Weise zu schätzen. Sie verstehen Aspekte der Kunst, die andere möglicherweise übersehen, weil sie nicht ihre Haupteinnahmequelle ist.

Dean und Keys definieren die Rolle zeitgenössischer Sammler neu. Neben einflussreichen schwarzen Sammlern wie der Philanthropin Pamela J. Joyner, dem ehemaligen MTV-Produzenten Bernard Lumpkin und dem vielseitigen Musik- und Technologiemanager Troy Carter sind sie aktivistische Förderer, die ihre Rolle als Gelegenheit sehen, mit Künstlern in Kontakt zu treten und sicherzustellen, dass ihre Arbeit einen Platz in der Welt findet sinnvolle Sammlungen. Gleichzeitig tragen sie zur Diversifizierung der Kunstgeschichte bei und helfen Künstlern dabei, mit einem Publikum in Kontakt zu treten, das ihre Erfahrungen teilt und einen Kontext bietet, in dem ihre Darstellung Priorität hat und geschätzt wird.

Derrick Adams, dessen Arbeiten Teil der Dean Collection sind, teilte seine Sichtweise: „Für mich ist es wichtig, dass junge schwarze Sammler meine Werke erwerben. Die Erzählungen, die ich in meine Kunst einbeziehe, beziehen sich auf die täglichen Erfahrungen schwarzer Menschen. Menschen zu haben, die.“ Es nicht nur aus formaler Sicht zu verstehen, sondern auch aus der Perspektive des Vermächtnisses hat mehr Gewicht – es stärkt die Kraft.“

Darüber hinaus haben Dean und Keys bemerkenswerte Ausstellungen mit Kunst außerhalb ihrer eigenen Sammlung organisiert. „Dreamweavers“, eine zweimonatige Gruppenausstellung, die im Februar im UTA Artist Space in Los Angeles (betrieben von der United Talent Agency) eröffnet wurde, zeigte 20 schwarze zeitgenössische Künstler, darunter Carrie Mae Weems, Cy Gavin, Ming Smith und Karon Davis. Die Ausstellung feierte eine zeitgenössische „schwarze Renaissance“ in der künstlerischen Produktion, wie sie von Kuratorin Nicola Vassell beschrieben wurde, die die Dean Collection betreut. Freunde, darunter Beyoncé und Jay-Z, erwarben Werke aus der Show für ihre eigenen Sammlungen.

Das Ausstellungsengagement des Paares erstreckt sich auch auf die Leihgabe von Kunstwerken für institutionelle Ausstellungen. Anfang des Jahres zeigte „Gordon Parks: Selections from the Dean Collection“ in der Ethelbert Cooper Gallery der Harvard University 80 Fotografien aus der Karriere des legendären Künstlers. Die Ausstellung wurde möglich, nachdem Keys als Vatertagsgeschenk genügend Stücke erworben hatte, um die Dean Collection zum größten privaten Besitzer von Gordon Parks‘ Fotografien zu machen. Parks' Arbeit reichte von Modefotografie bis hin zur Dokumentation der Bürgerrechtsbewegung auf ergreifende und ehrliche Weise. Keys betonte, wie wichtig es sei, ihre Kultur zu sammeln, und betonte das Engagement ihres Mannes für diese Mission.

Botschafter der Gordon Parks Foundation

Peter W. Kunhardt Jr., der Geschäftsführer der Gordon Parks Foundation, bemerkte: „Alicia und Swizz verbindet seit fast einem Jahrzehnt eine Freundschaft.“ Nachdem er sie kennengelernt hatte, fügte er hinzu: „Ich war von beiden aufgrund ihres umfassenden Wissens über Parks, seine Erzählung und sein Leben wirklich beeindruckt.“ Als sie ihren Wunsch zum Ausdruck brachten, als Fürsprecher der Stiftung zu fungieren, hätte Kunhardt nicht zufriedener sein können. „Hier haben wir zwei höchst bedeutende Künstler in ihren jeweiligen Bereichen, die über verstorbene Künstler nachdenken und darüber nachdenken, wie das Erbe von Einzelpersonen wie Gordon Parks immer noch Bedeutung haben und in der heutigen Welt einen Einfluss haben kann.“

Deans Engagement für Gordon Parks ist tief in seinem Engagement verwurzelt, die Erzählung im Rahmen einer umfassenderen Mission, das Erbe einflussreicher Farbkünstler zu bewahren und zu verewigen, neu zu gestalten. Um in dieser Hinsicht ein wirksamerer Fürsprecher zu sein, übernahm er 2015 die Position eines Vorstandsmitglieds im Brooklyn Museum, wo er weiterhin fleißig tätig ist. Anne Pasternak, die Direktorin des Museums, betonte: „Diese Person nutzt seinen beträchtlichen Einfluss in der Welt, eine Position mit bedeutender Macht, zum Wohle anderer – Künstler, Institutionen. Er geht über das Eigeninteresse hinaus, was unter Menschen in ähnlichen Positionen eine Seltenheit ist.“ . Sowohl er als auch Alicia haben ihre Positionen gezielt und aktiv zum Wohle der Allgemeinheit genutzt. Das ist Teil ihrer Grundüberzeugungen.“

Dean selbst ermutigt andere, seine Ressourcen zu nutzen, indem er sagt: „Ich sage allen: Hört zu, nutzt mich als Kraft für Veränderungen.“ Zusätzlich zu seiner Rolle im Vorstand der Americas Foundation der Serpentine Galleries in London steht er auf einer Linie mit Pasternak als „Disruptor“. Nach einer Nachmittagsdiskussion über Rosé fasste er seine Befürwortung wie folgt zusammen: „Kontaktieren Sie mich, wenn Sie bereit sind, den Status quo zu stören.“

Mit Blick auf die Zukunft stellt er sich die praktische Umsetzung der von ihm besprochenen Initiativen vor, etwa die Schaffung eines größeren Gleichgewichts auf dem Kunstmarkt, die Ausweitung von No Commission zu einem bedeutenderen Unterfangen und die Einführung von Smart Collection. Als er diese Unternehmungen aufzählte, hielt er kurz inne und gab zu: „Alleine schaffe ich das nicht.“ Diese Anerkennung unterstreicht die Bedeutung gemeinsamer Anstrengungen verschiedener Seiten zur Förderung dieses Anliegens.