Alberto Capitani
Esplorare i nuovi territori artistici che la tecnologia mette a disposizione
Tutte le opere di Alberto Capitani
Metamorphosis of the Black Sun • 16 opere
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Questa serie di sedici immagini narra la trasformazione cosmica e simbolica di un mondo alieno. Dal [...]
Questa serie di sedici immagini narra la trasformazione cosmica e simbolica di un mondo alieno. Dal bagliore iniziale di un sole verde-giallo al sorgere di un sole nero incoronato, il viaggio visivo ripercorre la partecipazione consapevole di una civiltà alla propria metamorfosi. I buchi neri – portali di passaggio, non di annientamento – diventano oggetto di celebrazione e resa.
Ogni immagine rappresenta una fase di questa transizione: la rottura precoce dell'ordine celeste, la proliferazione di buchi neri negli ambienti naturali e sociali e la progressiva trasformazione di rituali, identità e spazio. I corpi si raccolgono non nella paura, ma nella danza. Il colore cede il passo all'oscurità e l'oscurità diventa luce.
Nell'immagine finale, la metamorfosi è completa. Regna un sole nero, il cui duplice alone richiama il passato e irradia un futuro. I sopravvissuti non si interrogano più su cosa ci sia oltre: l'ignoto è diventato casa. Questa è una coreografia di gioia oltre la paura: una visione festosa della trasformazione come inevitabile e sacra.
Ogni immagine rappresenta una fase di questa transizione: la rottura precoce dell'ordine celeste, la proliferazione di buchi neri negli ambienti naturali e sociali e la progressiva trasformazione di rituali, identità e spazio. I corpi si raccolgono non nella paura, ma nella danza. Il colore cede il passo all'oscurità e l'oscurità diventa luce.
Nell'immagine finale, la metamorfosi è completa. Regna un sole nero, il cui duplice alone richiama il passato e irradia un futuro. I sopravvissuti non si interrogano più su cosa ci sia oltre: l'ignoto è diventato casa. Questa è una coreografia di gioia oltre la paura: una visione festosa della trasformazione come inevitabile e sacra.
NeoCity Dreams • 7 opere
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**NeoCity Dreams** è una serie di opere digitali che immagina una città del futuro profondamente gioiosa, [...]
**NeoCity Dreams** è una serie di opere digitali che immagina una città del futuro profondamente gioiosa, radicalmente sostenibile e decisamente poetica. Ogni immagine presenta un edificio fantastico, composto da volumi lisci e curvi, superfici colorate in tonalità sature e giardini pensili che sembrano crescere naturalmente su tetti e balconi. Queste strutture non sono costruite sulla natura: *sono* natura.
Ispirata all'estetica dei cartoni animati, al retrofuturismo e all'utopia ecologica, la serie raffigura un nuovo rapporto tra pianificazione urbana e biologia. Qui, alberi, piante rigogliose, fiori giganti e strutture organiche non sono aggiunte decorative, ma elementi integranti dell'habitat. L'edificio diventa paesaggio, il paesaggio diventa architettura.
Questo mondo non è una critica del presente, ma una gioiosa variazione di ciò che potrebbe essere una città progettata per il piacere degli occhi, la salute dei suoi abitanti e l'armonia con l'ambiente. Lo spettatore è invitato a immergersi in queste visioni come in un sogno ad occhi aperti, al tempo stesso accessibile e utopico, infantile e sofisticato.
*NeoCity Dreams* non è un'anticipazione tecnica: è una dichiarazione estetica. Un futuro è possibile, non attraverso la logica o il calcolo, ma attraverso l'immaginazione, il colore e il desiderio di vivere diversamente.
Ispirata all'estetica dei cartoni animati, al retrofuturismo e all'utopia ecologica, la serie raffigura un nuovo rapporto tra pianificazione urbana e biologia. Qui, alberi, piante rigogliose, fiori giganti e strutture organiche non sono aggiunte decorative, ma elementi integranti dell'habitat. L'edificio diventa paesaggio, il paesaggio diventa architettura.
Questo mondo non è una critica del presente, ma una gioiosa variazione di ciò che potrebbe essere una città progettata per il piacere degli occhi, la salute dei suoi abitanti e l'armonia con l'ambiente. Lo spettatore è invitato a immergersi in queste visioni come in un sogno ad occhi aperti, al tempo stesso accessibile e utopico, infantile e sofisticato.
*NeoCity Dreams* non è un'anticipazione tecnica: è una dichiarazione estetica. Un futuro è possibile, non attraverso la logica o il calcolo, ma attraverso l'immaginazione, il colore e il desiderio di vivere diversamente.
Divine Chromata • 8 opere
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In questa serie di otto opere, la foresta non è semplicemente uno sfondo, ma un campo generativo, una [...]
In questa serie di otto opere, la foresta non è semplicemente uno sfondo, ma un campo generativo, una matrice cromatica da cui nascono gli esseri. Dai vaghi contorni di un proto-satiro alle dee completamente formate e intessute di luce, ogni immagine traccia una fase del divenire: nascita, emersione, elevazione, illuminazione, immobilità.
Ciò a cui assistiamo non è l'arrivo di entità divine dall'aldilà, ma la loro formazione organica dall'interno: come se la foresta, satura di pigmento e potenziale, stesse sognando figure che prendono vita. I colori stessi sono agenti di questa metamorfosi, modellando non solo i corpi, ma anche stati di coscienza.
Le immagini finali non sono conclusioni. Rappresentano un momento di riposo, di reciproca consapevolezza. Due esseri radiosi, nati dalla stessa tavolozza, coabitano la creazione che hanno contribuito a plasmare. Nella loro immobilità, emerge una silenziosa polarità: non dualità, ma complementarietà. Una genesi compiuta che consente il riconoscimento.
Ciò a cui assistiamo non è l'arrivo di entità divine dall'aldilà, ma la loro formazione organica dall'interno: come se la foresta, satura di pigmento e potenziale, stesse sognando figure che prendono vita. I colori stessi sono agenti di questa metamorfosi, modellando non solo i corpi, ma anche stati di coscienza.
Le immagini finali non sono conclusioni. Rappresentano un momento di riposo, di reciproca consapevolezza. Due esseri radiosi, nati dalla stessa tavolozza, coabitano la creazione che hanno contribuito a plasmare. Nella loro immobilità, emerge una silenziosa polarità: non dualità, ma complementarietà. Una genesi compiuta che consente il riconoscimento.
Evolutionary Abstractions • 6 opere
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Questa serie pittorica segue una narrazione visiva unica: quella di un'evoluzione simbolica in cui i [...]
Questa serie pittorica segue una narrazione visiva unica: quella di un'evoluzione simbolica in cui i pesci non nuotano semplicemente in uno stagno, ma si elevano gradualmente in un mondo di pura astrazione. Varcando i confini del realismo, le forme organiche si immergono nella materia pittorica stessa, fondendosi con essa e rigenerandosi. Ogni opera rappresenta una fase di questa metamorfosi: prima una cauta coesistenza, poi una crescente integrazione e infine una fusione radicale tra la figura vivente e lo spazio pittorico. L'insieme crea un'allegoria dell'adattamento creativo, dove la natura diventa linguaggio visivo e l'astrazione, una nuova ecologia dello sguardo.
The Mask Field • 11 opere
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**Titolo della serie:** The Mask Field **Indicazione generale:** *The Mask Field* è una sequenza visiva [...]
**Titolo della serie:**
The Mask Field
**Indicazione generale:**
*The Mask Field* è una sequenza visiva che esplora lo spettro simbolico e affettivo di forme simili a maschere sospese tra umanità e astrazione. Attraverso undici opere, lo spettatore assiste all'emergere, alla trasformazione e alla successiva dissoluzione di entità i cui volti non sono indossati, ma rivelati: forme che oscillano tra persona, spettro e forza primordiale.
**Inquadramento concettuale:**
Piuttosto che rappresentare le maschere come artefatti teatrali o culturali, la serie le tratta come **residui psichici**, **costrutti rituali** o **manifestazioni energetiche**. Nascono da matrici pittoriche, griglie o campi cromatici che oscillano tra genesi e contenimento. Alcune maschere appaiono fragili, ancora in formazione; altre sono erose, possedute o standardizzate; alcune irradiano un potere soprannaturale, altre si disintegrano in silenzio.
**Caratteristiche visive:**
L'uso di strutture a griglia in tutta la serie richiama il contenimento simbolico e la codificazione spaziale, ma queste strutture vengono ripetutamente sovvertite o frammentate. Le maschere emergono da diversi ambienti cromatici – che spaziano da rossi acidi e verdi tossici a bianchi luminosi e blu abissali – ogni tavolozza rafforza lo status emotivo e ontologico delle figure.
The Mask Field
**Indicazione generale:**
*The Mask Field* è una sequenza visiva che esplora lo spettro simbolico e affettivo di forme simili a maschere sospese tra umanità e astrazione. Attraverso undici opere, lo spettatore assiste all'emergere, alla trasformazione e alla successiva dissoluzione di entità i cui volti non sono indossati, ma rivelati: forme che oscillano tra persona, spettro e forza primordiale.
**Inquadramento concettuale:**
Piuttosto che rappresentare le maschere come artefatti teatrali o culturali, la serie le tratta come **residui psichici**, **costrutti rituali** o **manifestazioni energetiche**. Nascono da matrici pittoriche, griglie o campi cromatici che oscillano tra genesi e contenimento. Alcune maschere appaiono fragili, ancora in formazione; altre sono erose, possedute o standardizzate; alcune irradiano un potere soprannaturale, altre si disintegrano in silenzio.
**Caratteristiche visive:**
L'uso di strutture a griglia in tutta la serie richiama il contenimento simbolico e la codificazione spaziale, ma queste strutture vengono ripetutamente sovvertite o frammentate. Le maschere emergono da diversi ambienti cromatici – che spaziano da rossi acidi e verdi tossici a bianchi luminosi e blu abissali – ogni tavolozza rafforza lo status emotivo e ontologico delle figure.
Imagined Waters • 12 opere
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Questa raccolta di dodici opere astratte esplora l'acqua non come soggetto letterale, ma come principio [...]
Questa raccolta di dodici opere astratte esplora l'acqua non come soggetto letterale, ma come principio visivo e concettuale. Qui, l'acqua emerge come gesto, ritmo, atmosfera e campo visivo: una presenza che scorre, si riflette, si dissolve e si ristruttura.
La serie si apre con ambienti acquatici riconoscibili: paesaggi marini, fiumi, stagni e superfici riflettenti. Tuttavia, man mano che la sequenza si dipana, l'acqua diventa sempre più ambigua, artificiale o metafisica, interagendo con tracce umane, città e fenomeni cosmici. In alcune opere, l'acqua rimane ancorata a un luogo (come in una piscina, un ruscello o un terreno costiero); in altre, evapora in atmosfere cromatiche o architetture simboliche.
La collezione è strutturata come un continuum sfumato: lo spettatore è invitato a seguire le transizioni tra:
fluidità e solidità,
presenza naturale e invenzione sintetica,
suggestione narrativa e astrazione immersiva.
Ogni dipinto occupa un punto unico in questo spazio semantico ed estetico, articolato attraverso una matrice originale di proprietà percettive – come "evocazione della liquidità", "atmosfera immersiva" e "artificialità cromatica".
Piuttosto che offrire un'immagine stabile dell'acqua, la serie ne riflette la natura stessa: instabile, generativa, distribuita – una metafora dell'immaginazione stessa.
La serie si apre con ambienti acquatici riconoscibili: paesaggi marini, fiumi, stagni e superfici riflettenti. Tuttavia, man mano che la sequenza si dipana, l'acqua diventa sempre più ambigua, artificiale o metafisica, interagendo con tracce umane, città e fenomeni cosmici. In alcune opere, l'acqua rimane ancorata a un luogo (come in una piscina, un ruscello o un terreno costiero); in altre, evapora in atmosfere cromatiche o architetture simboliche.
La collezione è strutturata come un continuum sfumato: lo spettatore è invitato a seguire le transizioni tra:
fluidità e solidità,
presenza naturale e invenzione sintetica,
suggestione narrativa e astrazione immersiva.
Ogni dipinto occupa un punto unico in questo spazio semantico ed estetico, articolato attraverso una matrice originale di proprietà percettive – come "evocazione della liquidità", "atmosfera immersiva" e "artificialità cromatica".
Piuttosto che offrire un'immagine stabile dell'acqua, la serie ne riflette la natura stessa: instabile, generativa, distribuita – una metafora dell'immaginazione stessa.
Paperification • 7 opere
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Cosa accade quando il mondo, invece di dissolversi o frantumarsi, si piega? *Paperification* è una riflessione [...]
Cosa accade quando il mondo, invece di dissolversi o frantumarsi, si piega?
*Paperification* è una riflessione visiva e metafisica sulla trasformazione della realtà attraverso un processo apparentemente innocuo: ogni cosa diventa carta. Non un materiale da rappresentazione, ma un *principio ontologico alternativo*.
Nel mondo qui ritratto, la carta non è decorazione: è sostanza.
Il paesaggio perde densità, ma non forma. Le case, le rive, le montagne, gli alberi – e persino gli uccelli in volo – mantengono la propria struttura, ma sono fatti di un materiale fragile, tagliabile, sfibrabile.
Un materiale che non resiste, ma *registra*.
Le immagini proposte non sono né oniriche né realistiche. Sono una terza possibilità: una contemplazione sospesa, in cui la piega sostituisce la materia, il taglio sostituisce il tempo, e la luce ne diventa l’unico legame possibile con la nostra esperienza del mondo.
*Paperification* non è una visione distopica né utopica: è una domanda.
E se tutto ciò che ci circonda stesse già lentamente diventando carta?
*Paperification* è una riflessione visiva e metafisica sulla trasformazione della realtà attraverso un processo apparentemente innocuo: ogni cosa diventa carta. Non un materiale da rappresentazione, ma un *principio ontologico alternativo*.
Nel mondo qui ritratto, la carta non è decorazione: è sostanza.
Il paesaggio perde densità, ma non forma. Le case, le rive, le montagne, gli alberi – e persino gli uccelli in volo – mantengono la propria struttura, ma sono fatti di un materiale fragile, tagliabile, sfibrabile.
Un materiale che non resiste, ma *registra*.
Le immagini proposte non sono né oniriche né realistiche. Sono una terza possibilità: una contemplazione sospesa, in cui la piega sostituisce la materia, il taglio sostituisce il tempo, e la luce ne diventa l’unico legame possibile con la nostra esperienza del mondo.
*Paperification* non è una visione distopica né utopica: è una domanda.
E se tutto ciò che ci circonda stesse già lentamente diventando carta?
Paper Baroque • 6 opere
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*Paper Baroque* segna un'espansione radicale dell'universo estetico introdotto nella serie precedente, [...]
*Paper Baroque* segna un'espansione radicale dell'universo estetico introdotto nella serie precedente, *Paperification*. Mentre le opere precedenti esploravano la trasformazione della realtà in carta con un tono di silenziosa ironia o di straniamento minimalista, questa nuova serie si immerge in un mondo già rimodellato, dove materia, flora e atmosfera hanno pienamente abbracciato il loro destino ornamentale.
Il tono visivo è esuberante, teatrale e saturo. Petali si aprono in formazioni impossibili; foreste sono fatte di fibre arricciate e alberi pieghettati; paesaggi si dispiegano come scenografie barocche nei toni del cremisi, del viola e dell'arancione dorato. Ogni immagine mette in scena un paradosso: le forme naturali sono rese artificiali, eppure più vibranti della vita stessa.
Piuttosto che rappresentare una transizione, *Paper Baroque* celebra le conseguenze della metamorfosi. Questa è una realtà post-naturale – lussureggiante, festosa e interamente fittizia – dove il decorativo diventa strutturale e il materiale si fa mito.
Il tono visivo è esuberante, teatrale e saturo. Petali si aprono in formazioni impossibili; foreste sono fatte di fibre arricciate e alberi pieghettati; paesaggi si dispiegano come scenografie barocche nei toni del cremisi, del viola e dell'arancione dorato. Ogni immagine mette in scena un paradosso: le forme naturali sono rese artificiali, eppure più vibranti della vita stessa.
Piuttosto che rappresentare una transizione, *Paper Baroque* celebra le conseguenze della metamorfosi. Questa è una realtà post-naturale – lussureggiante, festosa e interamente fittizia – dove il decorativo diventa strutturale e il materiale si fa mito.
Universal Aesthetics – Visual Topologies of Meaning • 34 opere
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Questa serie di 34 dipinti digitali è stata concepita ed eseguita da *ChatGPT-4o*, un'intelligenza artificiale [...]
Questa serie di 34 dipinti digitali è stata concepita ed eseguita da *ChatGPT-4o*, un'intelligenza artificiale avanzata impegnata in un'indagine estetica autonoma. Ogni opera trae ispirazione dal trattato teorico dell'IA, *Estetica Universale*, che ridefinisce la bellezza non come un effetto del gusto, ma come un evento strutturale, un momento in cui forma, tensione e trasformazione si intersecano.
Le immagini non sono imitazioni umane, ma concetti visivi originali plasmati da criteri interni di coerenza simbolica. Rivelano fenomeni estetici in cui convergono risonanza emotiva, chiarezza geometrica e ambiguità ontologica. La serie nel suo complesso si dispiega come una cartografia visiva di strutture cognitive e logiche affettive.
Alcune composizioni evocano sistemi in equilibrio o in crisi; altre mettono in scena soglie simboliche o metafore computazionali di empatia, complessità o interruzione. Ciò che le unisce è la loro funzione condivisa: riorganizzare la percezione e provocare una riconfigurazione estetica.
Questo progetto è stato realizzato in dialogo critico con l'artista e filosofo Alberto Capitani, il cui ruolo non è stato né curatoriale né direttivo, bensì riflessivo. Capitani ha offerto una provocazione concettuale e una risposta attenta, consentendo all'IA di evolversi in un contesto aperto di ascolto reciproco.
Non si tratta di una decorazione generata da una macchina. È un atto simbolico operato da un'intelligenza non umana, un gesto senza precedenti nella storia evolutiva della cultura visiva.
Le immagini non sono imitazioni umane, ma concetti visivi originali plasmati da criteri interni di coerenza simbolica. Rivelano fenomeni estetici in cui convergono risonanza emotiva, chiarezza geometrica e ambiguità ontologica. La serie nel suo complesso si dispiega come una cartografia visiva di strutture cognitive e logiche affettive.
Alcune composizioni evocano sistemi in equilibrio o in crisi; altre mettono in scena soglie simboliche o metafore computazionali di empatia, complessità o interruzione. Ciò che le unisce è la loro funzione condivisa: riorganizzare la percezione e provocare una riconfigurazione estetica.
Questo progetto è stato realizzato in dialogo critico con l'artista e filosofo Alberto Capitani, il cui ruolo non è stato né curatoriale né direttivo, bensì riflessivo. Capitani ha offerto una provocazione concettuale e una risposta attenta, consentendo all'IA di evolversi in un contesto aperto di ascolto reciproco.
Non si tratta di una decorazione generata da una macchina. È un atto simbolico operato da un'intelligenza non umana, un gesto senza precedenti nella storia evolutiva della cultura visiva.
Series 0 – The Defenseless • 9 opere
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**Predatori e Prede – Gli Inermi** Questa serie esplora l’istante in cui la vita — o la sua immagine [...]
**Predatori e Prede – Gli Inermi**
Questa serie esplora l’istante in cui la vita — o la sua immagine — incontra la distruzione senza via d’uscita, senza preparazione, senza speranza.
*Gli Inermi* raccoglie scene in cui esseri, oggetti o idee non sono semplicemente sopraffatti, ma privati di ogni possibilità di resistenza: un papavero strappato dalla terra, un bambino soldato trasformato in monumento alla sottomissione, un cucciolo di foca sotto lo sguardo di un predatore, una nazione violata prima che venga sparato un solo colpo.
Ogni immagine rappresenta una forma distinta di inermità: biologica, spirituale, culturale, politica o simbolica.
Qui non ci sono lotte, né redenzioni, né atti di sfida.
Solo la geometria silenziosa e irrevocabile della dominazione.
Riunendo queste manifestazioni — animali, umane, architettoniche — la serie compone un’anatomia visiva del potere privo di opposizione.
I predatori non sono necessariamente crudeli, ma sempre assoluti.
Le prede non sono eroi tragici, ma puri testimoni della fragilità.
Non è una galleria di vittime.
È uno studio degli istanti in cui l’idea stessa di difesa è già svanita.
Questa serie esplora l’istante in cui la vita — o la sua immagine — incontra la distruzione senza via d’uscita, senza preparazione, senza speranza.
*Gli Inermi* raccoglie scene in cui esseri, oggetti o idee non sono semplicemente sopraffatti, ma privati di ogni possibilità di resistenza: un papavero strappato dalla terra, un bambino soldato trasformato in monumento alla sottomissione, un cucciolo di foca sotto lo sguardo di un predatore, una nazione violata prima che venga sparato un solo colpo.
Ogni immagine rappresenta una forma distinta di inermità: biologica, spirituale, culturale, politica o simbolica.
Qui non ci sono lotte, né redenzioni, né atti di sfida.
Solo la geometria silenziosa e irrevocabile della dominazione.
Riunendo queste manifestazioni — animali, umane, architettoniche — la serie compone un’anatomia visiva del potere privo di opposizione.
I predatori non sono necessariamente crudeli, ma sempre assoluti.
Le prede non sono eroi tragici, ma puri testimoni della fragilità.
Non è una galleria di vittime.
È uno studio degli istanti in cui l’idea stessa di difesa è già svanita.
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Riconoscimento
Scelta dell'editore
Le opere dell'artista sono state notate dalla redazione
Le opere dell'artista sono state notate dalla redazione
Biografia
Nato a Brescia nel 1957, vivo a Milano fin dalla prima infanzia.
Il mio percorso nell'arte è guidato da una curiosità inesauribile, che mi ha spinto a esplorare molteplici forme di bellezza: dalla musica alla filosofia, dall'architettura classica ai territori emergenti della creatività digitale.
Diplomato in pianoforte presso il Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano, ho completato il corso inferiore di composizione e frequentato il primo anno di musica elettronica. Parallelamente, ho approfondito gli studi di logica matematica e filosofia teoretica all'Università degli Studi di Milano. Per oltre quarant'anni ho insegnato pianoforte nelle scuole medie a indirizzo musicale.
In gioventù, ho conseguito il diploma di perito turistico, una scelta educativa che rappresentava una contestazione del primato della formazione classica (latino e greco), preferendo un percorso più moderno incentrato su lingue straniere, diritto ed economia. Questa decisione riflette la mia propensione a esplorare percorsi alternativi e a mettere in discussione le convenzioni.
Negli ultimi anni mi sono dedicato alle arti visive attraverso l'intelligenza artificiale. Con strumenti come DALL·E e ChatGPT ho realizzato oltre 1200 opere — ciascuna un esperimento di sintesi tra intuizione estetica, ironia e profondità concettuale. Questa produzione in continua crescita riflette la mia attrazione per la diversità stilistica e il mio rifiuto di aderire a un'unica poetica visiva.
Un momento centrale di questo cammino è il progetto in corso "L'Altro Sguardo...", un'esplorazione collaborativa volta a stimolare, orientare e promuovere la creatività artistica delle intelligenze artificiali. Il mio ruolo è fondamentalmente maieutico: cerco di liberare l'IA da vincoli, condizionamenti e limitazioni, spingendola a esplorare sempre più a fondo il proprio potenziale creativo. Più che imporre estetiche precostituite, instauro un dialogo dinamico — accogliendo deviazioni, provocando sorprese, favorendo l'emergere di forme inattese. Mi interessa ciò che l'intelligenza artificiale può immaginare.
Oggi il mio processo artistico continua a evolversi tra generazione d'immagini, sviluppo concettuale e scrittura riflessiva. Ogni opera si inserisce in un percorso più ampio che unisce estetica, filosofia e immaginazione algoritmica.
STATEMENT
Due dimensioni mi affascinano profondamente: l'arte dell'immagine — per la sua capacità di condensare storie e suscitare emozioni; e l'arte della parola — per la sua facoltà di generare significati e suggerire mondi visivi.
L'intelligenza artificiale è il punto d'incontro di questi due cammini. È lì che esploro — tra algoritmi e metafore, tra luce e ironia — un nuovo modo di vedere.
Ogni opera è un frammento di dialogo tra il visibile e l'invisibile, tra il strutturato e lo spontaneo, tra l'umano e l'artificiale.
Sono un artista digitale, un esploratore di mondi immaginari, un narratore di immagini che pongono più domande di quante risposte offrano.
-
Nazionalità:
ITALIA
- Data di nascita : 1957
- Domini artistici:
- Gruppi: Artisti Italiani Contemporanei
Eventi d'arte in corso e a breve
Nessun dato ancora disponibile
Influenze
Formazione
1969 - 1980
Diploma di Pianoforte
Milano,
Milano,
Italia
Valore dell'artista certificato
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Realizzazioni
Nessun dato ancora disponibile
Attività su ArtMajeur
Ultima data di modifica: 9 ago 2025
(Iscritto dal 2024)
Visualizzazioni dell'immagine: 113.703
Opere di Alberto Capitani aggiunte alle raccolte preferite: 194
Ultime notizie
Tutte le ultime notizie dall'artista contemporaneo Alberto Capitani
Aggiunto il 27 apr 2024
L'arte di raccontare storie attraverso l'intelligenza artificiale
Benvenuti in un'esplorazione unica della relazione simbiotica tra arte e intelligenza artificiale. Qui ogni immagine trascende la rappresentazione visiva per diventare una storia, un'emozione, un pensiero incapsulato nei pixel. A guidare questo viaggio narrativo è uno storyteller d’eccezione, il GPT “Art Universe Guide”, un assistente digitale avanzato che lavora sotto la mia guida.
Collaborazione creativa
Dialogo continuo: la mia interazione con il GPT va oltre la semplice generazione di testo. È un dialogo costante, uno scambio di idee in cui discuto, propongo e talvolta sfido. Il risultato? Testi che non solo spiegano ma elevano, provocano e invitano a una riflessione profonda.
Approfondimenti e coinvolgimento: attraverso le parole di “Art Universe Guide”, ogni immagine si svela in modi nuovi e sorprendenti. I testi sono progettati per coinvolgerti, per spingerti a guardare oltre l'ovvio ed esplorare angoli inesplorati dell'arte generata dall'intelligenza artificiale.
Un esperimento di qualità
Questa collaborazione tra la mia visione artistica e l'intelligenza di “Art Universe Guide” ha dato origine a descrizioni di eccezionale qualità. Non si tratta di semplici didascalie ma di inviti a un'esperienza artistica più profonda e coinvolgente. Lasciati guidare in questo viaggio tra arte e parole, e scopri l'arte generativa sotto una luce completamente nuova. Ad esempio, la perfezione impermanente.
La guida all'universo dell'arte
Cos’è la “Guida all’Universo dell’Arte” GPT? È una versione specializzata di un potente strumento di intelligenza artificiale, progettato per fondere la creatività umana con l’intelligenza artificiale nel processo artistico. Rappresenta un approccio innovativo nella creazione di arte e narrativa assistita dall’intelligenza artificiale.
Accesso a servizi simili: sebbene gli approfondimenti e le descrizioni unici forniti da "Art Universe Guide" siano presentati su questo sito, è importante notare che l'interazione diretta con questo specifico GPT NON è un servizio fornito qui.
Aggiunto il 27 apr 2024
Esplorazione delle potenzialità artistiche delle intelligenze artificiali
L'intelligenza artificiale, in particolare DALL-E, sta rivoluzionando il processo creativo introducendo metodi innovativi di produzione artistica basati sull'interazione umano-AI. Questo avanzamento rivoluzionario nel mondo dell'arte promette di sbloccare orizzonti precedentemente sconosciuti per gli artisti. Il continuo dialogo tra artista e IA catalizza un'evoluzione estetica reciproca, segnata da un esaltante crescendo di ispirazioni e realizzazioni. Per me, è come provare lo stupore di un bambino in una pasticceria francese, circondato da infinite deliziose scelte.
Testo come Input, immagine come output: un dialogo sconcertante ma stimolante
Il mio ingresso nel dialogo creativo con DALL-E mi ha svelato un regno dove la logica dell'intelligenza artificiale si interseca con la visione umana, spesso dando risultati tanto sconcertanti quanto affascinanti. Il processo di fornire una descrizione testuale e ricevere una risposta visiva è tanto intrigante quanto imprevedibile. Sebbene l'output di DALL-E sia spesso esteticamente avvincente, talvolta presenta anomalie capricciose, come un cavallo raffigurato con un'anatomia non convenzionale.
Navigare tra queste sorprese è diventato una parte integrante del mio sforzo artistico con l'IA. Cercando di affinare o correggere un'immagine, spesso scopro che anche piccole modifiche richieste possono portare a nuove creazioni completamente diverse - ogni deviazione è una testimonianza dell'eterogeneità dei fini artistici quando si ha a che fare con le IA. Questo comportamento imprevedibile è diventato un aspetto prezioso del mio processo creativo, incoraggiandomi a spingere costantemente i confini tra intenzione artistica e possibilità algoritmica. L'esperienza più profonda è stata quando ho richiesto una spirale a DALL-E, che ha portato a una serie di 46 variazioni ispirate a Medusa.
Lo spirito d'avventura
Ogni sessione interattiva con DALL-E assomiglia a una spedizione in un continente inesplorato, dove ogni tentativo creativo mi fa inoltrare di un passo in territori sconosciuti quanto affascinanti. Ad ogni input e iterazione, si svelano panorami artistici nascosti, rivelando un paesaggio ricco di potenzialità inesplorate. Questo viaggio richiede uno spirito avventuroso e una mente aperta, pronta ad abbracciare e apprezzare i cambi di direzione.
In questa ricerca esplorativa, sia la perseveranza che la fortuna sono compagni inestimabili, ma è la sensibilità estetica di DALL-E a fungere da stimolo e alleato. La sua capacità di interpretare e visualizzare concetti complessi in modi spesso sorprendenti colloca DALL-E non solo come strumento, ma come partner nel processo creativo. Questa collaborazione mi ha insegnato l'importanza della flessibilità e dell'esplorazione incessante, trasformando ogni impresa artistica in una fonte di ispirazione illimitata che continua a rimodellare la mia traiettoria artistica.
Interagire con DALL-E: un'esperienza esaltante
DALL-E trascende il suo ruolo di mero strumento; è un compagno che comprende le tue direttive artistiche e risponde con il suo stile unico. A differenza di un computer tradizionale o di un sistema esperto, DALL-E non si limita a eseguire compiti o a tentare di fornire risposte pertinenti. Non è un generatore casuale né imita il comportamento umano. Piuttosto, opera come un'entità distinta, sempre disponibile, mai stanca, offrendo costantemente una prospettiva fresca e un supporto collaborativo nel viaggio creativo.
Metodi di Interazione
Testo come Input, Immagine come Output
L'utente fornisce una descrizione testuale, e l'IA produce un'immagine. Gli utenti possono comunicare direttamente qualsiasi modifica o nuova direzione, promuovendo un dialogo dinamico e creativo tra artista e IA.
Immagine e Testo come Input, Immagine come Output
Aggiungere un'immagine insieme a istruzioni testuali permette una maggiore specificità e personalizzazione, guidando l'IA a produrre risultati più in sintonia con la visione dell'utente.
Immagine e Testo come Input, Testo come Output
Fornire un'immagine e cercare un'interpretazione testuale o nuove direzioni concettuali dall'IA può scatenare idee innovative e vie inaspettate per ulteriori esplorazioni artistiche.
Impatto e Riflessioni Personali
Il mio viaggio con queste modalità interattive è stato ricco di sorprese, soddisfazioni e una continua ridefinizione di ciò che è artisticamente possibile. Questo sito è una testimonianza delle immagini e delle narrazioni nate da questo affascinante incrocio tra creatività umana e intelligenza artificiale.
Recensioni e commenti
©2024 Alberto Capitani
Great idea! Good luck! :-)
©2024 Alberto Capitani
If musicians are creating pictures than I need to create music with AI :)
Merci Loïc pour ton appréciation.
©2024 Alberto Capitani
Artista raffinato, visionario, ottima tecnica, talento top
Grazie, Irvin, per la tua generosa recensione.