심령주의의 영향을 받은 예술의 한 형태, 주로 회화는 심령주의 예술, 영혼 예술, 영매 예술 또는 심령 그림이라고 합니다. 영적 예술은 모더니즘에 중요한 영향을 미쳤으며 결과적으로 오늘날 예술에 영향을 미쳤습니다.
Georgiana Houghton과 Piet Mondrian은 두 명의 유명한 영적 예술가입니다. 강신술은 또한 Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Kasimir Malevich 및 František Kupka의 선구적인 추상 미술에 영감을 주었습니다. Houghton과 다른 Spiritualist 예술가들은 역사가들이 Spiritualism과 오컬트 환경의 중요성을 인식하도록 도왔습니다.
최근 몇 년 동안 많은 미술 전문가들은 현대 추상 미술의 발전에 대한 강신술의 기여를 인정하고 있습니다. 선도적인 현대 예술가들은 여전히 영성과 상호 작용하고 있습니다. 브라질의 저명한 치료사 존 오브 갓(John of God)의 지시에 따라 세르비아의 행위 예술가 마리나 아브라모비치(Marina Abramovic)는 무당이 되었습니다. 그녀의 작품에는 아프리카계 미국인과 호주 원주민 전통에서 가져온 것뿐만 아니라 많은 정신주의적 요소가 있습니다.
많은 예술가들이 심령술의 영향을 받았지만 심령술사들이 "영혼 예술"이라고 부르는 것을 창조한 사람은 거의 없었습니다. 정확히 "정신 예술"을 구성하는 것은 세 가지 주요 범주로 분류할 수 있습니다. "침전된" 예술 작품; 강령회 동안 영매의 손으로 그린 영혼의 초상화; 자신의 손이 영혼의 인도를 받는다고 주장하는 중형 예술가가 만든 창작물.
매체는 "침전"의 첫 번째 사례에서 영혼이 인간 예술가를 사용하여 손을 이끌지 않았다고 주장합니다. 대신 그들은 그림을 직접 만들었습니다. 영혼 예술의 두 번째 예인 영혼 초상화에서 영매가 강신술이 절정에 이르렀을 때 강령회에 참석했다고 말한 영혼의 초상화를 스케치하는 것이 매우 인기가 있었습니다. 사람의 역사, 현재, 미래를 영매나 투시력으로 묘사한 "오라그래프"는 두 번째 유형의 "정신 예술"에 가깝습니다.
Spiritualists에 따르면 "정신 예술"의 세 번째 유형은 예술가의 손을 지시하는 영혼이 만든 건축, 조각 및 회화 작품으로 구성됩니다. 두 번째 부류(영혼 초상)에서는 영매의 손도 자주 영이 지시한다고 하는데, 세 번째 부류에서는 영자 자체의 초상보다는 다양한 예술 작품이 창작된다.
David Duguid(1832-1907)는 영혼 그림을 "촉진"할 수 있는 최초의 잘 알려진 매체였습니다. Duguid는 정신 화가의 도움을 받아 자주 그림을 그렸지만, 그의 강령회 동안 그의 가이드는 "직접"(침전) 그림도 만들었습니다.
뉴욕 Lily Dale의 Spiritualist 커뮤니티에 거주했던 Campbell 형제는 아마도 촉발 그림을 전문으로 하는 최초의 매체였을 것입니다. 형제가 아님에도 불구하고 Allen Campbell(1833–1919)과 Charles Shourds(1863–1926)는 집을 공유하고 함께 강신술을 행했습니다. 캠벨 형제는 공개적으로 완성된 나폴레옹과 에이브러햄 링컨을 포함하여 가장 유명한 초상화를 만드는 동안 캔버스에 손을 대지 않았습니다. 오늘날에도 Lily Dale의 관광객과 지역 주민들은 Campbells의 걸작 앞에서 영적인 만남을 가졌다고 주장합니다.
The Bangs Sisters, Elizabeth(1859-1920)와 May Mary Elvira(1862-1917)는 고인의 침전된 초상화로 똑같이 유명했습니다. 그들이 사기로 자주 노출되었지만 Campbell Brothers와 Bangs Sisters는 American Spiritualist 커뮤니티의 상당 부분에 의해 강력하게 보호되었습니다.
앤 오델리아 디스 데바(Ann Odelia Diss Debar, 1849–1911)로도 알려진 "스와미 로라 호로스(Swami Laura Horos)"는 여러 유럽의 옛 거장들의 영혼에 의해 인도된다고 주장했으며 영혼 그림과도 관련이 있었습니다. Debar는 사기죄로 유죄 판결을 받고 런던 성전에서 부도덕한 성행위를 한 후 1901년에 투옥되었습니다.
19세기의 가장 유명하고 전설적인 오컬티스트이자 뉴에이지 운동의 창시자인 헬레나 블라바츠키 부인(1831-1891)도 그녀의 경력 초기에 영혼 그림의 촉진에 참여했습니다.
빅토르 위고(1802–1855)는 채널 제도의 저지 거주지에서 열린 강령회에서 정신 그림을 그렸습니다. 그 당시 미국에서 사망한 사랑하는 사람의 초상화를 찾는 사람들이 번창하는 심령술사 시장을 지원하기도 했습니다. 그곳에서 웰라 퍼시(1833~1900)와 리지 펫 앤더슨(1839~1896; 저명한 인물)은 삶과 강신술의 동반자였습니다. 그들은 영혼의 도움으로 만들어진 작품만을 다루는 브루클린 기반 출판물인 Gallery of Spirit Art에서 홍보했습니다.
강령회에 나타나는 영 초상화는 여전히 현재 영성주의 장면의 일부이며, 사망한 사랑하는 사람을 알아보았다고 생각하는 개인에게는 매우 영향을 미치는 경험이 될 수 있습니다. Frank Leah(1886-1972)와 Coral Polge(1924-2001), 두 명의 영국 정신 예술가는 이 분야에서 국제적으로 유명했습니다.
영국의 Coral Ryder와 Ann Bridge Davies, 캐나다의 Francesca Ferraro, 네덜란드의 Angelique van Bezouwen 등 수백 명의 정신 화가들이 전통을 이어가고 있습니다.
황홀 그림을 연습하는 브라질 강신술사들은 자주 유명한 화가와 조각가의 작품을 소개합니다. José Medrado(b. 1961)는 무아지경의 아크릴 그림과 많은 정신 조력자의 도움을 받아 예술 작품을 제작하는 것이 얼마나 간단한지에 대해 전 세계적으로 잘 알려져 있습니다. 트랜스 상태에서 그는 Renoir, Vincent Van Gogh, Claude Monet, Matisse, Gauguin, Cassatt, Da Vinci, Morisot, Manet과 같은 회화 거장의 영향으로 그림을 그렸습니다. 브라질의 Medrado로도 잘 알려진 Luiz Antônio Gasparetto(1949-2018)는 Degas, Sandro Botticelli, Amedeo Modigliani 및 기타 많은 유명 예술가의 지도를 받아 손으로 그림을 그리고 조각합니다.
정신 건축의 일부 예도 이 범주에 속합니다. 매체를 사용하여 Iulia Hasdeu(1869–1888)는 Câmpina에 있는 그녀의 유명한 "Castle Hasdeu"와 부쿠레슈티에 있는 그녀의 무덤에 대한 건축 계획을 공개했습니다. 1880년에서 1899년 사이에 이탈리아 상원의원과 프리메이슨 페데리코 로사차(1813-1899)를 위해 건설된 비엘라 근처의 이탈리아 마을 로사짜는 정신 건축의 또 다른 예입니다. 화가 Giuseppe Maffei(1821-1901)가 디자인했습니다. 그것은 평생 건축가로 일한 적이 없는 히포의 아우구스티누스(354–430)의 영혼과 투스카니 볼테라 출신의 익명의 남자가 그에게 준 계획에 기반을 두었습니다.
최근 몇 년 동안 예술 산업에서 영성에 대한 관심이 부활했습니다. 박물관에서는 신비주의와 종교를 광범위하게 탐구한 사망한 예술가들에게 사후에 관심을 기울이고 있습니다. 2018-19년 구겐하임 미술관에서 열린 매혹적인 Hilma af Klint 전시회는 박물관 역사상 가장 많은 방문객이 방문한 전시회가 되었으며 아마도 이것의 가장 잘 알려진 예일 것입니다. 휘트니 미술관은 2020년 아그네스 펠튼(Agnes Pelton)의 20여 년 만에 처음으로 개인전을 열었습니다.
영성의 개념은 현대 미술을 포함하여 21세기의 수많은 문화적 담론에서 점점 더 중요해지고 있습니다. 영적 또는 종교적 전통은 영적인 것으로 간주되는 예술에 암시되거나 표현될 수 있습니다. 과거에는 예술과 종교의 연결고리가 영성과 예술의 매개 역할을 해왔다. 그러나 서유럽에서 조직화된 종교의 몰락에도 불구하고 다른 문화 영역, 특히 예술 분야에서 영성과 관련된 관심이 증가했습니다.
Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces.
A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology.
The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.
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The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.
The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.
Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.
The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design.
The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.
Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.
As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.
Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.
Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.
These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.
As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.
1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.
2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.
3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.
4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.
5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.
6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.
7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.
The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.
"Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.
"Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.
"Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.
"Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.
"Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.
"Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.
"Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.
"For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.
"Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.
"One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.
These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.
