판매용 부족 예술 조각품

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부족 예술 스타일를 어떻게 정의하나요?

원주민의 시각 예술과 물질 문화는 비서구 예술, 민족지 예술 또는 논란의 여지가 있는 원시 예술로 알려진 부족 예술이라고 합니다. 부족 예술은 일반적으로 의식적 또는 영적 기능을 가지고 있습니다. 일반적으로 시골에서 시작된 부족 문화의 물건 디자인과 기술을 부족 예술이라고 합니다.

19세기에 서양의 저명한 미술가들은 비서구 미술을 미술로 여기지도 않았습니다. 대신, 이러한 물체는 "이국적" 또는 "원시적" 사회의 유물 및 사례로 간주되었습니다. 그러나 20세기 후반에 부족 예술에 대한 태도가 바뀌었다. 1960년대에 포스트모더니즘이 등장하기 전에 미술 평론가들은 주로 형식주의적 관점에서 부족 예술을 보았고 작품의 상징적 의미, 역사적 또는 문화적 맥락 또는 예술가의 의도를 거의 고려하지 않았습니다. 그 이후로 서양 컬렉션의 아프리카 미술과 같은 부족 예술은 국제 수집가, 전시회 및 미술 시장에서 높은 평가를 받게 되었습니다.

"부족"이라는 문구는 원시주의와 관련된 덜 정교한 종류의 예술을 의미할 수 있으며 기술, 디자인, 의도 또는 개념의 부족을 암시합니다. 그러나 부족 예술이 단순하고 원시적인 것과는 거리가 멀고 종종 우리가 기대하는 것보다 훨씬 뛰어난 실행 기술을 가지고 있다는 현실을 인정하여 박물관이 소장품을 재검토하고 재구성함에 따라 점점 더 많은 대중의 관심을 받고 있습니다. 또한 그것은 우리의 영혼에 도달하는 힘을 가지고 있습니다. 우리의 내면의 본능이 깨어날 수 있고 우리는 그들의 강렬한 존재감과 정서적 에너지의 결과로 그들의 진실과 연결되어 영적 깊이에 대한 우리의 인식을 향상시킬 수 있습니다.

역사적으로 서양 인류학자, 개인 수집가, 민족지학 및 자연사 박물관은 부족 예술품을 수집했습니다. 박물관 컬렉션에서 부족 예술은 세 가지 주요 범주로 나눌 수 있습니다. 아메리카와 오세아니아, 특히 호주, 멜라네시아, 뉴질랜드 및 폴리네시아의 예술; 아프리카 예술, 특히 사하라 사막 이남 아프리카의 예술.

아프리카 부족 예술

석재 조각, 목각(가면과 조각품), 장신구, 바구니 세공품, 직물, 파이프, 악기, 무기류, 구슬 장식, 문과 벽 장식과 같은 건축적 특징의 디자인은 모두 아프리카 부족 예술의 예입니다. 이러한 공예의 개발은 도구, 리소스 및 노하우의 접근성에 영향을 받았습니다. 모든 부족이 이러한 예술적 노력에 참여하는 것은 아닙니다. 가장 전형적인 재료는 나무로 점토, 페인트, 조개껍데기, 구슬, 상아, 금속, 깃털, 동물 털, 라피아로 자주 장식되었으며 드물게 준보석으로 장식되기도 했습니다.

아프리카 예술은 모든 것을 포괄하는 종교의 근본적인 부분이었습니다. 모든 생명체에 존재한다고 주장되는 생명력은 그들의 구체화 또는 대표자 역할을 하는 특정 이미지로 표현되었습니다. 부족 조상의 본질은 죽은 자의 이러한 표현에 의해 보존되었으며, 이들은 자주 그들을 대변하고 사람들에게 조상의 영혼과 연결될 기회를 제공했습니다. 아프리카 부족 유물은 일반적으로 특정 의식 또는 예식 용도를 위한 종교 예술로 만들어졌습니다. 사용된 형태 중 많은 부분이 세속적 요소를 포함하고 일부 예술 작품은 순전히 장식적이고 장식적이라는 사실에도 불구하고 말입니다.

청년이나 노인의 "사회"와 같은 연령 그룹으로의 입문은 각각 고유한 상징과 컬트 모티프를 가지고 있으며 많은 부족 의식의 기초입니다. 그러한 "사회"는 풍부한 조각상과 가면으로 유명하며, 그 중 다수는 천둥의 신이나 불의 신과 같은 수호신을 나타냅니다. 조각품은 일부 사회에서는 거의 독점적으로 사치품으로 제조되었지만 마스크만큼 보편적이고 대중적이며 의식적인 의미를 가졌습니다. 나이지리아의 요루바 부족은 숙련된 둥근 모양의 조각가였으며 종종 그들의 전형적인 큰 가면에 매우 살아있는 인형 무리를 씌워 파티가 진행되고 있는 듯한 착각을 불러일으켰습니다. 조각가들은 다른 부족들, 특히 요루바족 사이에서 아프리카 조각의 뛰어난 자질과 명성 때문에 서양의 유명한 예술가와 어느 정도 유사한 위상과 악명을 얻을 수 있었습니다.

해양 부족 예술

오세아니아 소지역은 폴리네시아, 미크로네시아, 멜라네시아 및 오스트랄라시아의 네 가지 민족지리학적 지역으로 구성됩니다. 오세아니아 부족 예술은 이 네 지역에 사는 원주민들의 문화적 전통과 창작 역사를 말합니다. 이 라피타 문화는 결국 폴리네시아, 미크로네시아, 멜라네시아 대부분에 영향을 미쳤습니다. 또 다른 요인은 서기 600년경부터 번성하여 서태평양에서 중요한 무역상이었던 베트남 동선 문명이었습니다. 이 문명의 청동 유물은 오세아니아 전역에서 발견되었습니다.

각 지역과 섬 그룹에는 예술과 공예를 형성하는 고유한 미적 전통이 있었지만 해양 부족 예술은 초자연적, 영혼 숭배 및 다산과 관련된 이교 행사와 연결되어 있습니다. 바디 페인팅, 문신, 페인팅, 조각, 나무 조각, 섬유 예술 등 다양한 예술 형식이 생산되었으며 예술가와 장인이 사용하는 대부분의 재료는 부패하기 쉽습니다. 결과적으로 석조 건물과 조각품을 제외하고 소수의 예만 남아 있습니다.

Rapa Nui/Easter Island와 Marquesas의 기념비적인 돌 조각(moai)은 폴리네시아의 많은 동부 및 외딴 지역에서 흔히 볼 수 있는 튀어나온 혀와 불룩한 눈을 가진 의인화된 형상을 통합한 디자인의 사용을 보여주는 대표적인 폴리네시아 예술의 유명한 예 중 하나입니다. 살아남은 것. 다른 예로는 서부 폴리네시아의 매우 장식된 나무껍질 천이 있습니다.

마스크는 멜라네시아 전역에서 복잡한 이교 의식과 컬트 관습에 사용되었기 때문에 토착 예술의 핵심 모티프였습니다. 미크로네시아 부족 유물에는 바디 페인팅과 문신 외에도 조각된 나무 그릇, 페인트 칠한 보트, 양식화된 나무 마스크가 포함됩니다. 바디 페인팅, 암벽화, 나무껍질 그림, 암각화, 입석, 조각, 도구 및 무기 장식 장식품은 호주 원주민 예술에 사용되는 다양한 스타일과 매체의 몇 가지 예에 불과합니다.

미국 부족 예술

아메리칸 인디언 예술은 전자의 유목민, 사냥꾼 스타일의 생활 방식과 조금 더 정적이지만 그럼에도 불구하고 빈곤한 후자의 환경 모두에 의해 깊은 영향을 받았습니다. 지역적으로 구별되는 창작 전통의 출현에서 또 다른 중요한 측면은 목재, 고리버들, 금속, 동물 뼈, 점토, 면화를 포함한 자원의 접근성이었습니다.

남서부 부족은 직조, 도자기 제작, 프레스코화 제작에 전문가였습니다. 이 부족에는 주니족, 나바호족, 호피족, 애리조나 남부의 호호캄족, 애리조나 북부와 뉴멕시코의 안사지족, 뉴멕시코 남서부의 밈브레족, 안사지족이 포함됩니다. 남서부의 아메리카 원주민은 종종 드라이 페인팅(특히 나바호족)으로 알려진 샌드페인팅을 발명했습니다.

중서부에서는 부족이 문화 형성에 전적으로 책임이 있었습니다. 이 부족들은 복잡한 직물 예술뿐만 아니라 다양한 동물을 닮도록 지어진 잘 알려진 토공사 또는 "인형 마운드"로 인정받았습니다. 부족 예술은 조각된 나무 그릇과 광택이 나는 돌과 구리 장식 외에도 극도로 사실적인 패턴에서 추상적인 패턴까지 조각된 돌 파이프로 구성되었습니다.

남동부 지역은 또한 새와 동물 모양의 파이프, 정교하게 조각된 조개껍데기, 정교하게 칠해진 의류 액세서리를 생산했습니다. 질 낮은 점토를 사용했음에도 불구하고 정교한 도자기를 생산하는 것으로 유명했습니다. 도자기 조각은 의식, 종교 및 개인 용도를 위해 다양한 꽃과 기하학적 패턴으로 만들어지고 장식되었습니다.

아메리카 원주민 바구니 세공법은 서부 해안, 특히 캘리포니아에서 눈에 띄는 종류의 예술이었습니다. 특히 북동부 인디언의 Iroquois 부족은 짜여진 왐펌 벨트, 호저 퀼 세공품, False Face Society 마스크로 유명했습니다. 북서부에서 생산된 최고의 부족 예술은 조각, 특히 나무 조각이었습니다. 공들여 칠하고 돌과 전복 껍질로 자주 상감 세공한 토템, 작은 나무 조각상, 가면은 가장 인기 있는 손으로 조각한 조각품 중 하나였습니다.

부족 예술이 현대 미술에 미친 영향

19세기 중반까지 더 많은 원정대가 부족 유물을 가져오면서 원시주의/원시 예술로 알려진 것, 일반적으로 흑인 아프리카의 예술에 대한 관심이 커지기 시작했습니다. 19세기 말과 20세기 초의 중요한 부족 미술 전시회는 비서구 미술을 서양 미술계에 노출시켰습니다. 1941년 아메리칸 인디언 미술과 1935년 아프리카 흑인 미술과 같은 중요한 전시회가 현대 미술관에서 열렸습니다.

예술가들은 부족 신상과 의례용 가면에서 서양 예술의 대안 모델을 발견했는데, 그 비자연주의적이고 고도로 양식화된 형태는 또한 강력하고 매우 감동적인 이미지를 통합했습니다. 부족 예술은 Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Paul Gauguin, Pablo Picasso와 같은 유명한 예술가들에게 상당한 영향을 미쳤습니다. 가장 눈에 띄는 초기 효과는 큐비즘으로, 그림을 파편화하고 원근법을 포기함으로써 주로 부족 예술의 형식적 의미에 의존함으로써 서구 패러다임을 빠르게 약화시켰습니다. 추상 미술은 이것의 주요 결과 중 하나였습니다.

같은 시기에 독일 그룹 디 브뤼케(Die Brücke)는 비서양 미술의 원시적이고 본능적이며 의식적인 요소에 더 집중하기 시작하여 표현주의로 알려진 주요 현대 미술 운동을 확립했습니다. 다다이스트들은 취리히, 뉴욕, 마침내 파리의 부족 예술, 입체파, 표현주의에서 영감을 얻어 서양 패러다임의 붕괴를 촉진했습니다. Dada의 회화적 또는 조각적 작업은 대부분 콜라주와 아상블라주, 즉 3차원적 대응물로 구성되었습니다. 예술은 어떤 것으로도 만들어질 수 있고 칠하거나 새기거나 모델링할 필요가 없다는 사실이 발견된 재료로 구성된 이 작업에 의해 확립되었습니다. 그것의 이미지는 종종 부족 예술의 측면을 통합했으며 정치적, 사회적 또는 미적 수준에서 대립적이었습니다. Dada는 결국 개념 미술로 이어진 개념을 제시했으며, 그 영향은 현대 미술의 다른 흐름과 혼합되어 현재 세계가 즐기는 광대하고 광범위하며 엄청나게 풍부하고 다양하며 전 세계적으로 다양한 현대 미술의 강을 창조했습니다.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.