Esculturas de arte tribal a la venta

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¿Cómo definir estilo Arte tribal ?

Las artes visuales y la cultura material de los pueblos indígenas se denominan arte tribal, a veces conocido como arte no occidental, arte etnográfico o, de manera más controvertida, arte primitivo. El arte tribal suele tener una función ritual o espiritual. El diseño y la artesanía de objetos de culturas tribales, típicamente con orígenes rurales, se conoce como arte tribal.

En el siglo XIX, los famosos profesionales del arte occidental ni siquiera consideraban que el arte no occidental fuera arte. En cambio, estos objetos fueron vistos como reliquias y ejemplos de sociedades "exóticas" o "primitivas". Pero en la segunda mitad del siglo XX, las actitudes sobre las artes tribales han cambiado. Antes de que surgiera el posmodernismo en la década de 1960, los críticos de arte veían las artes tribales principalmente desde un punto de vista formalista, dando poca consideración al significado simbólico, el contexto histórico o cultural, o la intención del artista de la pieza. Desde entonces, el arte tribal, como el arte africano en las colecciones occidentales, ha llegado a ser muy valorado por los coleccionistas internacionales, las exposiciones y el mercado del arte.

La frase "tribal" podría connotar un tipo de arte menos sofisticado que se asocia con el primitivismo y sugiere una falta de habilidad, diseño, intención o concepto. Sin embargo, a medida que los museos reexaminan y recurren a sus colecciones en reconocimiento de la realidad de que el arte tribal está lejos de ser simple y primitivo y con frecuencia tiene una habilidad de ejecución que va mucho más allá de lo que esperamos, está ganando cada vez más interés público. Además, tiene el poder de llegar a nuestras almas. Nuestros instintos internos pueden despertarse y nos conectamos con su verdad como resultado de su convincente presencia y energía emocional, mejorando nuestra percepción de la profundidad espiritual.

Históricamente, los antropólogos occidentales, los coleccionistas privados y los museos de etnografía e historia natural han coleccionado obras de arte tribales. En las colecciones de los museos, el arte tribal se puede dividir en tres categorías principales: Arte de América y Oceanía, especialmente de Australia, Melanesia, Nueva Zelanda y Polinesia; y el arte africano, en particular el del África subsahariana.

arte tribal africano

Tallas de piedra, tallas de madera (máscaras y esculturas), joyería, cestería, textiles, pipas, instrumentos musicales, armamento, abalorios y el diseño de elementos arquitectónicos como puertas y ornamentación de paredes son ejemplos de arte tribal africano. El desarrollo de estas artesanías se vio impactado por la accesibilidad de herramientas, recursos y conocimientos; no todas las tribus se dedican a estos esfuerzos artísticos. El material más típico era la madera, frecuentemente decorada con arcilla, pintura, conchas, abalorios, marfil, metal, plumas, pelo de animales, rafia y, en contadas ocasiones, incluso con piedras semipreciosas.

El arte africano era parte fundamental de una religión que lo abarcaba todo. Las fuerzas vitales supuestamente presentes en todos los seres vivos estaban representadas por imágenes específicas que actuaban como sus encarnaciones o representantes. La esencia de la ascendencia de la tribu fue preservada por estas representaciones de los muertos, quienes con frecuencia hablaban por ellos y brindaban a las personas la oportunidad de conectarse con los espíritus de los antepasados. Los artefactos tribales africanos se crearon típicamente como arte religioso, para un uso ceremonial o ritual específico, a pesar de que muchas de las formas utilizadas incluyen componentes seculares y algunas obras de arte son puramente decorativas y ornamentales.

La iniciación en grupos de edad, como las "sociedades" de hombres jóvenes o ancianos, cada una de las cuales tiene sus propios símbolos y motivos de culto únicos, es la base de muchos rituales tribales. Tales "sociedades" son conocidas por su abundancia de estatuillas y máscaras talladas, muchas de las cuales representan deidades patronas como el Dios del Trueno o el Dios del Fuego. Aunque algunas sociedades fabricaban tallas casi exclusivamente como un artículo de lujo, eran tan omnipresentes y populares como las máscaras y tenían un significado ritual. La tribu yoruba en Nigeria eran hábiles talladores de figuras redondas y con frecuencia coronaban sus máscaras típicamente grandes con hordas de muñecos muy vivos, creando la ilusión de que se estaba celebrando una fiesta. Los escultores podían alcanzar una estatura y notoriedad que era algo similar a la de un artista conocido en Occidente debido al excelente calibre y reputación de la escultura africana entre otras tribus, especialmente la yoruba.

Arte tribal oceánico

La subregión de Oceanía se compone de cuatro regiones etnogeográficas distintas: Polinesia, Micronesia, Melanesia y Australasia. El arte tribal de Oceanía se refiere a las tradiciones culturales y la historia creativa de los pueblos indígenas que viven en estas cuatro áreas. Esta cultura lapita eventualmente tuvo un impacto en la mayor parte de Polinesia, Micronesia y Melanesia. Otro factor fue la civilización vietnamita Dong-Son, que floreció alrededor del año 600 dC y fue un importante comerciante en el Pacífico occidental. Se han encontrado artefactos de bronce de esta civilización en toda Oceanía.

Aunque cada región y grupo de islas tenía sus tradiciones estéticas únicas que daban forma a sus artes y oficios, el arte tribal oceánico estaba vinculado a eventos paganos relacionados con lo sobrenatural, la adoración de espíritus y la fertilidad. Se produjo una gran variedad de formas de arte, que incluyen pintura corporal, tatuajes, pintura, escultura, tallado en madera y arte textil, y la mayoría de los materiales utilizados por artistas y artesanos son perecederos. Como resultado, solo ha persistido una pequeña cantidad de ejemplos, excluyendo los edificios de piedra y la escultura.

Las monumentales esculturas de piedra (moai) en Rapa Nui/Isla de Pascua y las Marquesas, que ejemplifican el uso de diseños que incorporan figuras antropomórficas con lenguas protuberantes y ojos saltones, comunes en muchas áreas orientales y remotas de Polinesia, se encuentran entre los ejemplos famosos del arte polinesio. que han sobrevivido. Otros ejemplos incluyen la tela de corteza muy ornamentada en la Polinesia occidental.

Debido a que se usaban en complicados ritos paganos y prácticas de culto en toda Melanesia, las máscaras eran un motivo clave en el arte indígena. Las reliquias tribales de Micronesia también incluyen cuencos de madera tallada, botes pintados y máscaras de madera estilizadas, además de pintura corporal y tatuajes. La pintura corporal, la pintura rupestre, la pintura de corteza, los grabados rupestres, los menhires, el tallado, la escultura y los adornos ornamentales en herramientas y armas son solo algunos ejemplos de los numerosos estilos y medios utilizados en el arte aborigen australiano.

arte tribal americano

El arte indio americano se ha visto profundamente afectado tanto por el estilo de vida nómada y cazador del primero como por el entorno un poco más estático pero empobrecido del segundo. Otro aspecto significativo en el surgimiento de tradiciones creativas regionales distintas fue la accesibilidad de recursos que incluyen madera, mimbre, metal, huesos de animales, arcilla y algodón.

Las tribus del suroeste eran expertas en tejer, hacer cerámica y crear frescos. Estas tribus incluían a los pueblos Zuni, Navajo y Hopi, así como a los Hohokam del sur de Arizona, los Ansazi del norte de Arizona y Nuevo México, los Mimbres del suroeste de Nuevo México y los Ansazi. Los nativos americanos del suroeste inventaron la pintura con arena, a menudo conocida como pintura en seco (en particular, los navajos).

En el Medio Oeste, las tribus eran las únicas responsables de dar forma a la cultura. Estas tribus fueron reconocidas por su intrincado arte textil, así como por sus conocidos movimientos de tierra, o "montículos de efigies", que se construyeron para parecerse a diferentes animales. El arte tribal también comprendía pipas de piedra esculpidas con patrones que iban desde lo extremadamente realista hasta lo abstracto, además de cuencos de madera tallada y adornos de cobre y piedra pulida.

La región sureste también producía pipas con forma de pájaros y animales, conchas finamente talladas y accesorios de ropa pintadas elaboradamente. A pesar de usar arcilla mediocre, era conocida por producir cerámica exquisita. Se crearon piezas de cerámica y se adornaron con una variedad de patrones florales y geométricos para usos ceremoniales, religiosos y privados.

La cestería de los nativos americanos era un tipo de arte prominente en la costa oeste, particularmente en California. La tribu iroquesa de los indios del noreste, en particular, era conocida por sus cinturones tejidos de wampum, sus púas de puercoespín y sus máscaras de la False Face Society. El mejor arte tribal producido en el Noroeste fue la escultura, particularmente la talla en madera. Los tótems, las pequeñas figuritas de madera y las máscaras cuidadosamente pintadas y frecuentemente incrustadas con piedras y conchas de abulón se encontraban entre los estilos más populares de escultura tallada a mano.

Cómo el arte tribal influyó en el arte moderno

A mediados del siglo XIX, a medida que más expediciones traían artefactos tribales, comenzó a crecer el interés por lo que entonces se conocía como primitivismo/arte primitivo, típicamente el arte del África negra. Importantes exposiciones de arte tribal de finales del siglo XIX y principios del XX también expusieron arte no occidental a la comunidad artística occidental. En el Museo de Arte Moderno se llevaron a cabo exposiciones importantes, como Arte indio americano de 1941 y Arte negro africano de 1935.

Los artistas descubrieron un modelo para una alternativa al arte occidental en las estatuas de dioses tribales y máscaras rituales, cuyas formas no naturalistas y muy estilizadas también incorporaron imágenes poderosas y muy emotivas. El arte tribal tuvo una influencia significativa en artistas famosos como Vincent Van Gogh y Henri Matisse, Paul Gauguin y Pablo Picasso. El efecto temprano más sorprendente fue el cubismo, que, al fragmentar la imagen y renunciar a la perspectiva, debilitó rápidamente el paradigma occidental al basarse principalmente en las implicaciones formales del arte tribal. El arte abstracto fue uno de los principales resultados de esto.

El grupo alemán Die Brücke comenzó a centrarse más en los elementos primitivos, instintivos y rituales del arte no occidental alrededor del mismo período, estableciendo el principal movimiento de arte moderno conocido como expresionismo. Los dadaístas promovieron la ruptura del paradigma occidental inspirándose en el arte tribal, el cubismo y el expresionismo en Zürich, Nueva York y finalmente en París. La obra pictórica o escultórica dadaísta se componía mayoritariamente de collage y assemblage, su contrapartida tridimensional. El hecho de que el arte puede crearse de cualquier cosa y no tiene que ser pintado, tallado o modelado fue establecido por este trabajo compuesto por materiales encontrados. Su imaginería incorporaba con frecuencia aspectos del arte tribal y era de confrontación a nivel político, social o estético. Dada presentó los conceptos que finalmente llevaron al arte conceptual, cuyo impacto se mezcló con el de las otras corrientes del arte moderno para crear el vasto, amplio, enormemente rico, variado y globalmente diverso río de arte contemporáneo del que disfruta el mundo actualmente.

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El arte contemporáneo es una vibrante constelación de expresiones artísticas. Este universo creativo abarca una amplia variedad de medios, desde pinturas, esculturas y fotografías hasta dibujos, grabados, arte textil y arte digital, cada medio es una estrella que brilla con su propio resplandor distintivo. Los artistas utilizan diversos soportes y materiales para dar vida a sus visiones, como lienzo, madera, metal e incluso innovadores lienzos digitales para la creación de obras maestras virtuales.

Una pintura contemporánea, por ejemplo, puede tejer su historia a través de los trazos magistrales de acrílico o óleo, mientras que una escultura contemporánea puede cantar su canción en el lenguaje de la piedra, el bronce o objetos encontrados. Las artes fotográficas capturan y manipulan la luz para producir imágenes impactantes, mientras que la técnica de la impresión utiliza técnicas como la litografía y la serigrafía para producir múltiples de una sola imagen impactante. El arte textil juega con telas y fibras, mientras que el arte digital empuja los límites de la creación con tecnología innovadora.

El atractivo del arte contemporáneo reside en su naturaleza desafiante de límites, su búsqueda constante de la experimentación y su reflexión constante de la evolución de la experiencia humana. Esta creatividad ilimitada, junto con su fuerte comentario social y personal, hace que cada pieza de arte contemporáneo sea un emblema único de su tiempo, un espejo que refleja las realidades y los sueños de nuestro complejo mundo. Nos susurra, nos mueve, provoca el pensamiento y enciende una respuesta emocional profunda, agitando el alma de cualquiera dispuesto a escuchar. Es, en efecto, el lenguaje de emociones e ideas, hablado en el dialecto de nuestra era.

Orígenes e historia del arte contemporáneo

Las artes escultóricas también presenciaron una metamorfosis. Los escultores comenzaron a experimentar con nuevos materiales y formas, a menudo creando obras de arte que interactuaban con el espectador y el espacio circundante, fomentando una sensación de compromiso. El dibujo, una práctica atemporal, también evolucionó, con artistas que incorporaban técnicas y conceptos innovadores para redefinir su papel en el arte contemporáneo.

La fotografía, un medio relativamente nuevo, surgió como una herramienta poderosa en el panorama del arte contemporáneo. Nacida en el siglo XIX, realmente se consolidó en la segunda mitad del siglo XX, difuminando las líneas entre el arte y la documentación. La técnica de impresión, una práctica que se remonta a la antigüedad, vio renovado interés y experimentación con técnicas como la litografía, el grabado y la serigrafía ganando prominencia.

El ámbito del arte textil se expandió dramáticamente, ya que los artistas comenzaron a apreciar la versatilidad y la calidad táctil de las telas y las fibras. Los artistas comenzaron a utilizar textiles para desafiar los límites entre el arte, la artesanía y el diseño.

El inicio de la tecnología digital a finales del siglo XX anunció una nueva era para el arte contemporáneo. El arte digital surgió cuando los artistas comenzaron a aprovechar nuevas tecnologías para crear experiencias inmersivas e interactivas, a menudo difuminando la línea entre el mundo virtual y el físico.

Evoluciones de estas obras contemporáneas en el mercado del arte

La fotografía, en manos de Artistas Contemporáneos, ha expandido sus horizontes, mezclándose sin problemas con la tecnología digital para crear imágenes impresionantes que desafían nuestra percepción de la realidad. El dibujo, también, ha trascendido las fronteras del papel, incorporando elementos multimedia y técnicas exploratorias para redefinir su papel en el discurso artístico. La técnica de grabado sigue floreciendo, con artistas contemporáneos utilizando métodos tradicionales de maneras innovadoras para entregar comentarios sociales y personales potentes.

El arte textil, antes considerado como una artesanía, ahora ocupa un lugar prominente en el mundo del arte contemporáneo, con artistas que lo utilizan para explorar temas de identidad, tradición y patrimonio cultural. Mientras tanto, el arte digital, el miembro más nuevo de la familia del arte contemporáneo, ha revolucionado la forma en que creamos e interactuamos con el arte, presentando experiencias inmersivas que difuminan la frontera entre lo virtual y lo físico.

Estas diversas formas de arte contemporáneo tienen un valor significativo en el mercado del arte actual, no solo debido a su atractivo estético sino también a su capacidad para encapsular y comunicar ideas y emociones complejas. Coleccionistas, curadores y amantes del arte en todo el mundo buscan estas obras, atraídos por su inherente dinamismo, su uso innovador de materiales y sus expresiones elocuentes de nuestra experiencia humana compartida. Como testimonio de nuestros tiempos, estas obras de arte contemporáneo encapsulan el pulso de nuestra sociedad y la resonancia de las voces individuales, grabando para siempre nuestra narrativa colectiva en los anales de la historia del arte.

Artistas contemporáneos famosos

Al adentrarnos en el vibrante mundo del arte contemporáneo, nos encontramos con una variedad de artistas que dan forma a este campo dinámico. Cada uno es un maestro en su medio - pintura, escultura, fotografía, dibujo, grabado, textil o arte digital - que empujan los límites artísticos, reflejando nuestra era y desafiando las percepciones. Vamos a explorar a estos notables contribuyentes y sus obras innovadoras.

1. Gerhard Richter - Conocido por su enfoque multifacético en la pintura, Richter desafía los límites del medio, oscilando magistralmente entre estilos abstractos y fotorealistas. Sus obras, ya sea presentando pigmentos tirados con raspador o imágenes fotográficas borrosas, se involucran en un diálogo fascinante con la percepción.

2. Jeff Koons - Una figura destacada en la escultura contemporánea, Koons crea piezas monumentales que exploran temas de consumismo, gusto y cultura popular. Sus icónicos animales de globos, construidos en acero inoxidable pulido a espejo, cautivan con su comentario juguetón pero profundo.

3. Cindy Sherman - Una aclamada fotógrafa, Sherman utiliza su lente para explorar la identidad y los roles sociales, especialmente de las mujeres. Renombrada por sus autorretratos conceptuales, asume una miríada de personajes, empujando los límites de la fotografía como medio de expresión artística.

4. David Hockney - Hockney, con su prolífica producción que abarca seis décadas, es una figura clave en el dibujo contemporáneo. Su uso audaz del color y su lúdica exploración de la perspectiva transmiten una embriagadora sensación de alegría y una celebración desinhibida de la vida.

5. Kiki Smith - Una impresora innovadora, el trabajo de Smith explora la condición humana, particularmente el cuerpo femenino y sus connotaciones sociales y culturales. Sus grabados y litografías hablan de experiencias universales de la vida, la muerte y la transformación.

6. El Anatsui - Un maestro del arte textil, Anatsui crea impresionantes instalaciones similares a tapices a partir de tapas de botellas y retazos de aluminio descartados. Estas relucientes y flexibles esculturas combinan la estética africana tradicional con la sensibilidad del arte contemporáneo, abordando temas de consumo, desperdicio y la interconexión de nuestro mundo.

7. Rafael Lozano-Hemmer - Una figura destacada en el arte digital, Lozano-Hemmer utiliza la tecnología para crear instalaciones interactivas que combinan la arquitectura y el arte de la performance. Su obra, a menudo participativa, explora temas de vigilancia, privacidad y la relación entre las personas y sus entornos.

Obras de arte contemporáneo destacadas

El panorama del arte contemporáneo es un mosaico dinámico de diversas expresiones e ideas innovadoras, cada obra de arte es un diálogo único con su audiencia. Aquí hay una selección de algunas obras de arte contemporáneo de renombre, que abarcan varios medios como la pintura, la escultura, la fotografía, el dibujo, el grabado, el arte textil y el arte digital, que han influido profundamente en este movimiento vibrante.

Estas piezas, en su diversidad, ejemplifican la rica variedad del arte contemporáneo, cada pieza es un comentario único sobre nuestro mundo y un testimonio del potencial ilimitado de la expresión creativa.