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Una manera perfecta de hacer que su hogar sea lo más individualizado posible es con una selección personalizada de obras de arte. Las obras de arte están disponibles en su elección de temas, tamaños, géneros, formas, estilos, temas, colores y temas. Si tiene una colección de arte compuesta por cientos de cuadros, pintados a mano o de otro tipo, puede elegir los que mejor expresen sus intereses.
Para seleccionar cuadros para su colección que vayan con sus gustos y estilo, puede utilizar las opciones del menú lateral. Simplemente seleccionando opciones como color, tema, precio, tema, su selección se actualizará automáticamente. También puede guardar las obras de arte que desee como favoritas: esto le permitirá conservar sus favoritas personales para usarlas en el futuro. Si necesita compartir sus obras de arte con otros, también puede hacer públicas sus colecciones, es una forma creativa de compartir su arte preferido con otros amantes del arte, amigos o incluso clientes.
Puede haber una gran cantidad de obras de arte relacionadas con rouge : ya sea que esté comprando en línea por primera vez, o que ya sea un comprador frecuente, encontrar la obra de arte adecuada en línea puede resultar intimidante y consumir mucho tiempo:
Nuestro equipo de asesores de arte está aquí para ayudarlo: Artmajeur quiere que la compra de arte en línea sea fácil y segura. Todas nuestras obras de arte vienen con una garantía de devolución del dinero del 100 por ciento para que se sienta completamente seguro acerca de su adquisición en línea con nosotros.
Hemos creado una plataforma para que los artistas carguen sus obras de arte directamente en nuestro sitio web para ayudarlo a encontrar la pieza perfecta. Explore miles de grabados, esculturas y pinturas de los mejores artistas de la actualidad. Los precios van desde obras de arte muy asequibles hasta piezas muy valiosas en las que invertir, según el tipo y el tamaño de la obra de arte que esté buscando y sus requisitos de espacio. Es sorprendente ver la variedad de obras de arte originales disponibles en línea. Artmajeur lo tiene todo, ya sea que esté buscando una pintura al óleo hermosa y cara o un mueble para su hogar.
El land art, también conocido como arte de la tierra, se crea directamente en el paisaje esculpiéndolo o construyendo allí estructuras de materiales naturales. Los inicios del movimiento ecologista y la mercantilización generalizada del arte estadounidense a fines de la década de 1960 tuvieron un impacto en las ideas y obras que, en diversos grados, estaban alienadas del mercado del arte. El movimiento fue un desarrollo del conceptualismo y el minimalismo.
Las principales preocupaciones del movimiento artístico eran su oposición a la comercialización de las artes y su entusiasmo por el nuevo movimiento ecológico emergente. El predominio del sentimiento antiurbano y su pasión compensatoria por la vida en el campo coincidió con el movimiento artístico. Las aspiraciones espirituales de que la Tierra sirviera como hogar de la humanidad se encontraban entre estos impulsos.
Un método basado en procesos para crear arte en el que el artista realizaba excursiones al entorno circundante para recolectar objetos o realizar intervenciones específicas del sitio evolucionó rápidamente de lo que inicialmente había comenzado como una tendencia en la escultura para incorporar materiales naturales como tierra, rocas y plantas. Mientras que algunos artistas crearon intervenciones temporales y limitadas en el paisaje, otros utilizaron equipos mecánicos de movimiento de tierras para crear sus movimientos de tierra. Para la presentación en galerías, los artistas utilizaron con frecuencia fotografías, películas y mapas para documentar sus movimientos de tierra. Además, al combinar elementos orgánicos del entorno en esculturas e instalaciones, los artistas de la tierra crearon arte de la tierra en las galerías.
El Land Art fue una protesta contra la "comercialización despiadada" del arte en Estados Unidos durante las décadas de 1960 y 1970. Sin embargo, la documentación fotográfica se exhibía con frecuencia en los espacios convencionales de las galerías. Durante este tiempo, los defensores del land art rechazaron el museo o la galería como escenario de la actividad artística y crearon proyectos de paisajes monumentales que estaban fuera del alcance de la escultura transportable tradicional y el mercado del arte comercial. El arte minimalista y conceptual, así como las tendencias contemporáneas como De Stijl, el cubismo, el minimalismo y las obras de Constantin Brâncuși y Joseph Beuys, sirvieron de inspiración para el Land art.
El primer Land art fue creado en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan por Douglas Leichter y Richard Saba en 1967, según el artículo de la crítica de arte Grace Glueck en The New York Times. El repentino surgimiento del Land art en 1968 se puede atribuir a una generación de artistas, la mayoría de los cuales tenían poco más de 20 años, que respondían al aumento del activismo político del año, así como al rápido crecimiento de los movimientos ambientales y de liberación de la mujer.
Un ejemplo de land art que sirvió como medio para identificar públicamente a un grupo de artistas pioneros fue una exposición colectiva de 1968 llamada "Earthworks" que se llevó a cabo en la Galería Dwan de Nueva York. "Earthworks" mostró la documentación de proyectos específicos del sitio de artistas como Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim y Stephen Kaltenbach, ya que algunos de los artistas en la exposición tenían problemas para encontrar el terreno apropiado para su trabajo específico del sitio. A través de mapas, fotos, transparencias y dibujos, la exposición catalogó cómo se conceptualizaba su trabajo. Irónicamente, a pesar de los esfuerzos de estos artistas por rechazar las instituciones convencionales, con frecuencia tuvieron que aceptar financiamiento de ellas para desarrollar sus proyectos.
Robert Smithson fue quizás el artista más conocido que trabaja en este género. Como respuesta a la desvinculación del Modernismo de los problemas sociales, su ensayo de 1968 "La sedimentación de la mente: Proyectos de la Tierra" ofreció un marco crítico para el movimiento. The Spiral Jetty (1970), que Smithson creó como un embarcadero largo (1500 pies) en forma de espiral que sobresale del Gran Lago Salado en el norte de Utah, Estados Unidos, es su obra de arte terrestre más conocida y probablemente la más famosa. Cuánto del trabajo, si es que hay alguno, es visible depende de los niveles cambiantes del agua.
El primer museo estadounidense en presentar una exposición de arte de la Tierra, simplemente titulada Earth Art, fue el Museo de Arte Herbert F. Johnson de la Universidad de Cornell en febrero de 1969. Las obras de arte se exhibieron en el museo y en todo el campus de Ithaca de la Universidad de Cornell. , brindando un lugar para piezas que luego continuarían desafiando el estatus del arte como mercancía, particularmente aquellas instalaciones que borraban las líneas entre el contexto de un objeto y su entorno.
La recesión tuvo un impacto significativo en la financiación del arte terrestre a mediados de la década de 1970. Muchos artistas dependían de los patrocinadores para pagar costosas parcelas de tierra para poder terminar obras a gran escala. El movimiento perdió una de sus figuras más significativas cuando Robert Smithson murió en un accidente aéreo en 1973, y terminó. Aquellos cuyas reputaciones se construyeron sobre el arte de la Tierra, como De Maria, Heizer, Morris y Andre, cambiaron el enfoque de su trabajo para adaptarse a entornos institucionales y de galerías. Aunque conceptualmente no tiene relación con las obras de vanguardia de los pioneros del land art, la palabra "land art" ha entrado en la corriente principal del arte público y, a veces, se usa incorrectamente para describir cualquier forma de arte en la naturaleza.
El trabajo pionero de Robert Smithson debe incluirse en cualquier análisis del land art. Para crear composiciones escultóricas tridimensionales, comenzó combinando varios materiales. Esto condujo a una serie de obras "non-sites", en las que se colocaron dentro de galerías esculturas hechas de tierra y rocas traídas de las expediciones. Estas esculturas incluían con frecuencia mapas, papeleras, espejos, vidrio y neón. Los movimientos de tierra de Smithson, Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) y Amarillo Ramp (1973) son sus creaciones más famosas (1973). Al eliminar por completo el arte del contexto de la galería e integrarlo en el terreno natural, alteró para siempre los conceptos preconcebidos de la forma escultórica en el arte contemporáneo.
Andy Goldsworthy es un conocido escultor y fotógrafo de land art que trabaja en y con la naturaleza. Su producción se puede clasificar en proyectos permanentes y temporales. Estos últimos están diseñados para desaparecer al final del ciclo de vida y están construidos a partir de componentes orgánicos y transitorios. Crea una serie de diseños repetitivos, que incluyen espirales, círculos y líneas serpenteantes, a partir de ramas, hojas, rocas y hielo. Lo efímero en el centro de estas iniciativas es un reflejo de una ecología frágil y un entorno natural en constante cambio.
A pesar de verse eclipsada por su famoso esposo, Robert Smithson, Holt creó un cuerpo de trabajo que era único y tenía matices más futuristas. Algunos de los mejores trabajos de Holt apenas están ahí cuando se utiliza una estrategia de no dejar rastro. Holt reconoció el vínculo entre el arte y el ecoactivismo antes y con mayor claridad que los otros Land Artists.
Uno de los lugares más reconocibles es el Monumento a los Veteranos de Vietnam diseñado por Maya Lin en Washington, DC. Su firma fue el uso de un muro simple y bajo para seguir los contornos del terreno circundante. Su enfoque minimalista del arte público implica agregar algo que parece haber sido agregado después pero que, sin embargo, encaja.
Sus instalaciones al aire libre presentan pequeños oleajes de tierra apenas perceptibles que pueden pasar desapercibidos si no se miran desde una gran altura o desde una gran distancia. Su última atención se ha centrado en las esculturas de interior, que intelectual y visualmente evocan el terreno ondulado de áreas geográficas lejanas y preservan una preocupación ambiental implícita.
Una figura influyente en el desarrollo del Land Art, particularmente en cómo el cuerpo humano interactúa y regresa a la naturaleza, fue la artista feminista cubana Ana Mendieta. Mendieta produjo más de 200 piezas utilizando su cuerpo y la tierra como medio de sus provocativas esculturas. Su trabajo tiene múltiples capas, es profundamente filosófico y está relacionado con varias tradiciones artísticas, incluido el conceptualismo, el land art, la performance y el arte corporal. Mendieta se estableció como una pionera del arte de la tierra a través de su serie de fotos y videos Silueta (1973–1980). Para demostrar el vínculo inquebrantable entre el planeta y la naturaleza humana, la artista esculpió su cuerpo en varios paisajes para su proyecto.
En sus esculturas, instalaciones y landworks, Walter de Maria empleó formas geométricas para producir una sucesión de repeticiones que exploraban el vínculo entre lo relativo y lo absoluto. Lighting Field (1977), su obra de arte terrestre más conocida, es una cuadrícula de cuadrados de una milla por un kilómetro que se colocó en una parte remota del desierto de Nuevo México. Cuatrocientos postes hechos de acero inoxidable pulido que miden más de veinte pies de altura y tienen puntas puntiagudas que definen un plano horizontal, el punto de atracción para los rayos, conforman la cuadrícula. El visitante puede ingresar a la cuadrícula físicamente u observarla desde la distancia, en una serie de poderosas ilusiones ópticas que varían con el tiempo y el espacio, el arte, el paisaje y la naturaleza chocan.
Michael Heizer ha sido una figura importante en el movimiento del land art. Es conocido por su capacidad para construir obras a gran escala y explorar la interacción entre el espacio positivo y negativo. Comenzó su carrera artística con una serie de lienzos curvos que denominó "pintura en negativo". A fines de la década de 1960, creó su primera pieza de tierra negativa, que fue "Norte, Este, Sur y Oeste". Este proyecto fue su primer intento de movimiento de tierras a gran escala, y se hizo a partir de una colección de agujeros con formas geométricas que se excavaron en el desierto de Sierra Nevada.
A fines de la década de 1960, el artista comenzó su interacción directa con la naturaleza utilizando su paseo como medio, motivado por el deseo de usar el paisaje de nuevas maneras. Long intentó subvertir el lenguaje y las aspiraciones del arte y llevarlo a un nivel más básico, íntimo y fundamental a través de una secuencia de gestos repetitivos o caminatas prolongadas en solitario. Su objetivo era ejemplificar en sí mismo las posibilidades de una conversación no adulterada entre el hombre y el medio ambiente. El tiempo, el espacio y la distancia son los temas de este innovador proyecto de land art conceptual, y se expanden a una escala masiva.
Junto con Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson y Oppenheim, la primera generación de artistas de Land incluía a Oppenheim. En la década de 1960, crearon este nuevo género de arte utilizando la tierra como medio. Las primeras intervenciones de Oppenheim en el mundo natural, en contraste con las de muchos de sus contemporáneos, tomaron la forma de eliminación, volviendo al principio escultórico tradicional de tallar, en palabras del propio artista, "quitando en lugar de agregar". Los límites geopolíticos, las zonas horarias y la degradación natural son solo algunos ejemplos de los sistemas sociales y naturales a los que se hace referencia y se destacan en Annual Rings (1968), un trabajo específico del sitio. La reproducción del mapa sirve para demostrar cómo el mapeo juega un papel en la creación de fronteras antinaturales y frecuentemente violentas entre los estados y el río, una frontera natural, sirve como herramienta para estas fronteras internacionales.
Oppenheim cuestionó "los valores relativos de los sistemas de orden por los que vivimos" al yuxtaponer elementos naturales con ideas artificiales como la nación y las zonas horarias. Al mismo tiempo, artistas de la tierra como Robert Smithson y Walter de Maria también producían Earthworks específicos del sitio donde los entornos naturales se ponían en conflicto con intervenciones artificiales.
"Los nombres de los minerales y los minerales mismos no difieren entre sí, porque en el fondo tanto del material como de la impresión se encuentra el comienzo de un número abismal de fisuras. Las palabras y las rocas contienen un lenguaje que sigue una sintaxis de escisiones y Mire cualquier palabra el tiempo suficiente y verá que se abre en una serie de fallas, en un terreno de partículas, cada una de las cuales contiene su propio vacío”.
“No soy un artista, pero ocasionalmente trabajo deliberadamente en un contexto público. Algunas esculturas necesitan el movimiento de las personas a su alrededor para funcionar”.
“Incluso en invierno, una mancha aislada de nieve tiene una cualidad especial”.
"Eres una pequeña mota en este vasto espacio".
“El arte es muy complicado porque es lo que haces por ti mismo. Es mucho más difícil para mí hacer esas obras que los monumentos o la arquitectura. ”
"Mi arte se basa en la creencia de una energía universal, que lo atraviesa todo: del insecto al hombre, del hombre al espectro, del espectro a la planta, de la planta a la galaxia. Mis obras son las venas de irrigación de este fluido universal. A través de por ellos asciende la savia ancestral, las creencias originales, los cúmulos primordiales, los pensamientos inconscientes que animan el mundo.”
"Me gustan los desastres naturales y creo que pueden ser la forma de arte más elevada posible de experimentar".
“Toda buena obra debe tener al menos diez significados.”
“Una obra de arte fuerte realmente deja a la gente sin palabras. Se sienten un poco enojados porque no lo entienden”.
“Una escultura, un mapa, una fotografía; todas las formas de mi trabajo son iguales y complementarias. El conocimiento de mis acciones, en cualquiera de sus formas, es el arte. Mi arte es la esencia de mi experiencia, no una representación de ella”.
“La mayor parte de mi trabajo proviene de ideas. Por lo general, solo puedo hacer unas pocas versiones de cada idea. Land Art y Body Art fueron conceptos particularmente fuertes que permitieron muchas permutaciones. Sin embargo, me encontré con ganas de avanzar hacia otra cosa”.
Obras de arte originales, ediciones limitadas e impresiones: Compre obras de arte originales de los mejores artistas del mundoNuestra galería de arte en línea presenta la colección más grande de obras de arte originales en línea, incluida una selección exclusiva de obras de arte rouge de artistas emergentes y famosos de todo el mundo. ¡Artmajeur ofrece millones de obras de arte como pinturas, esculturas y fotografías de los mejores artistas contemporáneos de la actualidad!
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Obtenga una selección personalizada de pinturas y obras de arte
Una manera perfecta de hacer que su hogar sea lo más individualizado posible es con una selección personalizada de obras de arte. Las obras de arte están disponibles en su elección de temas, tamaños, géneros, formas, estilos, temas, colores y temas. Si tiene una colección de arte compuesta por cientos de cuadros, pintados a mano o de otro tipo, puede elegir los que mejor expresen sus intereses.
Para seleccionar cuadros para su colección que vayan con sus gustos y estilo, puede utilizar las opciones del menú lateral. Simplemente seleccionando opciones como color, tema, precio, tema, su selección se actualizará automáticamente. También puede guardar las obras de arte que desee como favoritas: esto le permitirá conservar sus favoritas personales para usarlas en el futuro. Si necesita compartir sus obras de arte con otros, también puede hacer públicas sus colecciones, es una forma creativa de compartir su arte preferido con otros amantes del arte, amigos o incluso clientes.
Puede haber una gran cantidad de obras de arte relacionadas con rouge : ya sea que esté comprando en línea por primera vez, o que ya sea un comprador frecuente, encontrar la obra de arte adecuada en línea puede resultar intimidante y consumir mucho tiempo:
Nuestro equipo de asesores de arte está aquí para ayudarlo: Artmajeur quiere que la compra de arte en línea sea fácil y segura. Todas nuestras obras de arte vienen con una garantía de devolución del dinero del 100 por ciento para que se sienta completamente seguro acerca de su adquisición en línea con nosotros.
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El land art, también conocido como arte de la tierra, se crea directamente en el paisaje esculpiéndolo o construyendo allí estructuras de materiales naturales. Los inicios del movimiento ecologista y la mercantilización generalizada del arte estadounidense a fines de la década de 1960 tuvieron un impacto en las ideas y obras que, en diversos grados, estaban alienadas del mercado del arte. El movimiento fue un desarrollo del conceptualismo y el minimalismo.
Las principales preocupaciones del movimiento artístico eran su oposición a la comercialización de las artes y su entusiasmo por el nuevo movimiento ecológico emergente. El predominio del sentimiento antiurbano y su pasión compensatoria por la vida en el campo coincidió con el movimiento artístico. Las aspiraciones espirituales de que la Tierra sirviera como hogar de la humanidad se encontraban entre estos impulsos.
Un método basado en procesos para crear arte en el que el artista realizaba excursiones al entorno circundante para recolectar objetos o realizar intervenciones específicas del sitio evolucionó rápidamente de lo que inicialmente había comenzado como una tendencia en la escultura para incorporar materiales naturales como tierra, rocas y plantas. Mientras que algunos artistas crearon intervenciones temporales y limitadas en el paisaje, otros utilizaron equipos mecánicos de movimiento de tierras para crear sus movimientos de tierra. Para la presentación en galerías, los artistas utilizaron con frecuencia fotografías, películas y mapas para documentar sus movimientos de tierra. Además, al combinar elementos orgánicos del entorno en esculturas e instalaciones, los artistas de la tierra crearon arte de la tierra en las galerías.
El Land Art fue una protesta contra la "comercialización despiadada" del arte en Estados Unidos durante las décadas de 1960 y 1970. Sin embargo, la documentación fotográfica se exhibía con frecuencia en los espacios convencionales de las galerías. Durante este tiempo, los defensores del land art rechazaron el museo o la galería como escenario de la actividad artística y crearon proyectos de paisajes monumentales que estaban fuera del alcance de la escultura transportable tradicional y el mercado del arte comercial. El arte minimalista y conceptual, así como las tendencias contemporáneas como De Stijl, el cubismo, el minimalismo y las obras de Constantin Brâncuși y Joseph Beuys, sirvieron de inspiración para el Land art.
El primer Land art fue creado en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan por Douglas Leichter y Richard Saba en 1967, según el artículo de la crítica de arte Grace Glueck en The New York Times. El repentino surgimiento del Land art en 1968 se puede atribuir a una generación de artistas, la mayoría de los cuales tenían poco más de 20 años, que respondían al aumento del activismo político del año, así como al rápido crecimiento de los movimientos ambientales y de liberación de la mujer.
Un ejemplo de land art que sirvió como medio para identificar públicamente a un grupo de artistas pioneros fue una exposición colectiva de 1968 llamada "Earthworks" que se llevó a cabo en la Galería Dwan de Nueva York. "Earthworks" mostró la documentación de proyectos específicos del sitio de artistas como Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim y Stephen Kaltenbach, ya que algunos de los artistas en la exposición tenían problemas para encontrar el terreno apropiado para su trabajo específico del sitio. A través de mapas, fotos, transparencias y dibujos, la exposición catalogó cómo se conceptualizaba su trabajo. Irónicamente, a pesar de los esfuerzos de estos artistas por rechazar las instituciones convencionales, con frecuencia tuvieron que aceptar financiamiento de ellas para desarrollar sus proyectos.
Robert Smithson fue quizás el artista más conocido que trabaja en este género. Como respuesta a la desvinculación del Modernismo de los problemas sociales, su ensayo de 1968 "La sedimentación de la mente: Proyectos de la Tierra" ofreció un marco crítico para el movimiento. The Spiral Jetty (1970), que Smithson creó como un embarcadero largo (1500 pies) en forma de espiral que sobresale del Gran Lago Salado en el norte de Utah, Estados Unidos, es su obra de arte terrestre más conocida y probablemente la más famosa. Cuánto del trabajo, si es que hay alguno, es visible depende de los niveles cambiantes del agua.
El primer museo estadounidense en presentar una exposición de arte de la Tierra, simplemente titulada Earth Art, fue el Museo de Arte Herbert F. Johnson de la Universidad de Cornell en febrero de 1969. Las obras de arte se exhibieron en el museo y en todo el campus de Ithaca de la Universidad de Cornell. , brindando un lugar para piezas que luego continuarían desafiando el estatus del arte como mercancía, particularmente aquellas instalaciones que borraban las líneas entre el contexto de un objeto y su entorno.
La recesión tuvo un impacto significativo en la financiación del arte terrestre a mediados de la década de 1970. Muchos artistas dependían de los patrocinadores para pagar costosas parcelas de tierra para poder terminar obras a gran escala. El movimiento perdió una de sus figuras más significativas cuando Robert Smithson murió en un accidente aéreo en 1973, y terminó. Aquellos cuyas reputaciones se construyeron sobre el arte de la Tierra, como De Maria, Heizer, Morris y Andre, cambiaron el enfoque de su trabajo para adaptarse a entornos institucionales y de galerías. Aunque conceptualmente no tiene relación con las obras de vanguardia de los pioneros del land art, la palabra "land art" ha entrado en la corriente principal del arte público y, a veces, se usa incorrectamente para describir cualquier forma de arte en la naturaleza.
El trabajo pionero de Robert Smithson debe incluirse en cualquier análisis del land art. Para crear composiciones escultóricas tridimensionales, comenzó combinando varios materiales. Esto condujo a una serie de obras "non-sites", en las que se colocaron dentro de galerías esculturas hechas de tierra y rocas traídas de las expediciones. Estas esculturas incluían con frecuencia mapas, papeleras, espejos, vidrio y neón. Los movimientos de tierra de Smithson, Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) y Amarillo Ramp (1973) son sus creaciones más famosas (1973). Al eliminar por completo el arte del contexto de la galería e integrarlo en el terreno natural, alteró para siempre los conceptos preconcebidos de la forma escultórica en el arte contemporáneo.
Andy Goldsworthy es un conocido escultor y fotógrafo de land art que trabaja en y con la naturaleza. Su producción se puede clasificar en proyectos permanentes y temporales. Estos últimos están diseñados para desaparecer al final del ciclo de vida y están construidos a partir de componentes orgánicos y transitorios. Crea una serie de diseños repetitivos, que incluyen espirales, círculos y líneas serpenteantes, a partir de ramas, hojas, rocas y hielo. Lo efímero en el centro de estas iniciativas es un reflejo de una ecología frágil y un entorno natural en constante cambio.
A pesar de verse eclipsada por su famoso esposo, Robert Smithson, Holt creó un cuerpo de trabajo que era único y tenía matices más futuristas. Algunos de los mejores trabajos de Holt apenas están ahí cuando se utiliza una estrategia de no dejar rastro. Holt reconoció el vínculo entre el arte y el ecoactivismo antes y con mayor claridad que los otros Land Artists.
Uno de los lugares más reconocibles es el Monumento a los Veteranos de Vietnam diseñado por Maya Lin en Washington, DC. Su firma fue el uso de un muro simple y bajo para seguir los contornos del terreno circundante. Su enfoque minimalista del arte público implica agregar algo que parece haber sido agregado después pero que, sin embargo, encaja.
Sus instalaciones al aire libre presentan pequeños oleajes de tierra apenas perceptibles que pueden pasar desapercibidos si no se miran desde una gran altura o desde una gran distancia. Su última atención se ha centrado en las esculturas de interior, que intelectual y visualmente evocan el terreno ondulado de áreas geográficas lejanas y preservan una preocupación ambiental implícita.
Una figura influyente en el desarrollo del Land Art, particularmente en cómo el cuerpo humano interactúa y regresa a la naturaleza, fue la artista feminista cubana Ana Mendieta. Mendieta produjo más de 200 piezas utilizando su cuerpo y la tierra como medio de sus provocativas esculturas. Su trabajo tiene múltiples capas, es profundamente filosófico y está relacionado con varias tradiciones artísticas, incluido el conceptualismo, el land art, la performance y el arte corporal. Mendieta se estableció como una pionera del arte de la tierra a través de su serie de fotos y videos Silueta (1973–1980). Para demostrar el vínculo inquebrantable entre el planeta y la naturaleza humana, la artista esculpió su cuerpo en varios paisajes para su proyecto.
En sus esculturas, instalaciones y landworks, Walter de Maria empleó formas geométricas para producir una sucesión de repeticiones que exploraban el vínculo entre lo relativo y lo absoluto. Lighting Field (1977), su obra de arte terrestre más conocida, es una cuadrícula de cuadrados de una milla por un kilómetro que se colocó en una parte remota del desierto de Nuevo México. Cuatrocientos postes hechos de acero inoxidable pulido que miden más de veinte pies de altura y tienen puntas puntiagudas que definen un plano horizontal, el punto de atracción para los rayos, conforman la cuadrícula. El visitante puede ingresar a la cuadrícula físicamente u observarla desde la distancia, en una serie de poderosas ilusiones ópticas que varían con el tiempo y el espacio, el arte, el paisaje y la naturaleza chocan.
Michael Heizer ha sido una figura importante en el movimiento del land art. Es conocido por su capacidad para construir obras a gran escala y explorar la interacción entre el espacio positivo y negativo. Comenzó su carrera artística con una serie de lienzos curvos que denominó "pintura en negativo". A fines de la década de 1960, creó su primera pieza de tierra negativa, que fue "Norte, Este, Sur y Oeste". Este proyecto fue su primer intento de movimiento de tierras a gran escala, y se hizo a partir de una colección de agujeros con formas geométricas que se excavaron en el desierto de Sierra Nevada.
A fines de la década de 1960, el artista comenzó su interacción directa con la naturaleza utilizando su paseo como medio, motivado por el deseo de usar el paisaje de nuevas maneras. Long intentó subvertir el lenguaje y las aspiraciones del arte y llevarlo a un nivel más básico, íntimo y fundamental a través de una secuencia de gestos repetitivos o caminatas prolongadas en solitario. Su objetivo era ejemplificar en sí mismo las posibilidades de una conversación no adulterada entre el hombre y el medio ambiente. El tiempo, el espacio y la distancia son los temas de este innovador proyecto de land art conceptual, y se expanden a una escala masiva.
Junto con Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson y Oppenheim, la primera generación de artistas de Land incluía a Oppenheim. En la década de 1960, crearon este nuevo género de arte utilizando la tierra como medio. Las primeras intervenciones de Oppenheim en el mundo natural, en contraste con las de muchos de sus contemporáneos, tomaron la forma de eliminación, volviendo al principio escultórico tradicional de tallar, en palabras del propio artista, "quitando en lugar de agregar". Los límites geopolíticos, las zonas horarias y la degradación natural son solo algunos ejemplos de los sistemas sociales y naturales a los que se hace referencia y se destacan en Annual Rings (1968), un trabajo específico del sitio. La reproducción del mapa sirve para demostrar cómo el mapeo juega un papel en la creación de fronteras antinaturales y frecuentemente violentas entre los estados y el río, una frontera natural, sirve como herramienta para estas fronteras internacionales.
Oppenheim cuestionó "los valores relativos de los sistemas de orden por los que vivimos" al yuxtaponer elementos naturales con ideas artificiales como la nación y las zonas horarias. Al mismo tiempo, artistas de la tierra como Robert Smithson y Walter de Maria también producían Earthworks específicos del sitio donde los entornos naturales se ponían en conflicto con intervenciones artificiales.
"Los nombres de los minerales y los minerales mismos no difieren entre sí, porque en el fondo tanto del material como de la impresión se encuentra el comienzo de un número abismal de fisuras. Las palabras y las rocas contienen un lenguaje que sigue una sintaxis de escisiones y Mire cualquier palabra el tiempo suficiente y verá que se abre en una serie de fallas, en un terreno de partículas, cada una de las cuales contiene su propio vacío”.
“No soy un artista, pero ocasionalmente trabajo deliberadamente en un contexto público. Algunas esculturas necesitan el movimiento de las personas a su alrededor para funcionar”.
“Incluso en invierno, una mancha aislada de nieve tiene una cualidad especial”.
"Eres una pequeña mota en este vasto espacio".
“El arte es muy complicado porque es lo que haces por ti mismo. Es mucho más difícil para mí hacer esas obras que los monumentos o la arquitectura. ”
"Mi arte se basa en la creencia de una energía universal, que lo atraviesa todo: del insecto al hombre, del hombre al espectro, del espectro a la planta, de la planta a la galaxia. Mis obras son las venas de irrigación de este fluido universal. A través de por ellos asciende la savia ancestral, las creencias originales, los cúmulos primordiales, los pensamientos inconscientes que animan el mundo.”
"Me gustan los desastres naturales y creo que pueden ser la forma de arte más elevada posible de experimentar".
“Toda buena obra debe tener al menos diez significados.”
“Una obra de arte fuerte realmente deja a la gente sin palabras. Se sienten un poco enojados porque no lo entienden”.
“Una escultura, un mapa, una fotografía; todas las formas de mi trabajo son iguales y complementarias. El conocimiento de mis acciones, en cualquiera de sus formas, es el arte. Mi arte es la esencia de mi experiencia, no una representación de ella”.
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Intrigantemente, comprar una obra de arte contemporánea no se trata solo de mejorar su espacio estéticamente; es un testimonio de su buen gusto y una inversión inteligente. La historia nos ha demostrado que el arte, especialmente del género contemporáneo, tiende a apreciarse con el tiempo, convirtiéndose en aún más valioso a medida que la reputación de los artistas crece. Esta verdad atemporal hace que adquirir una obra de arte contemporánea sea una empresa atractiva y gratificante.En la intersección de la estética y la inversión se encuentra Artmajeur, una galería de arte internacional en línea que nos complace presentar. Entre la multitud de plataformas en línea, Artmajeur es incomparable, ya que cuenta con una amplia y exclusiva selección de obras de arte contemporáneo. Esta galería cuidadosamente curada ofrece una multitud de piezas de artistas emergentes y maestros establecidos por igual, ofreciéndole una amplia paleta de obras de arte para resonar con su gusto y estilo únicos.Lo que distingue a Artmajeur como galería de arte en línea no es solo la calidad y variedad de las obras de arte disponibles. Es la mezcla convincente de servicio de clase mundial, políticas amigables para el comprador y precios altamente competitivos lo que hace que nuestra plataforma sea excepcional. Esto significa que no solo estás comprando una obra de arte; estás invirtiendo en una experiencia. La política de envío gratuito de nuestra galería en todo el mundo es un plus, asegurando que la obra de arte elegida llegue a ti de manera segura, sin importar dónde te encuentres. Además, con una política de devolución gratuita de 14 días, puedes comprar con tranquilidad, sabiendo que puedes revisar tu decisión si es necesario.
Sumérgete en el excepcional mundo del arte contemporáneo con Artmajeur, y deja que tu espacio sea un lienzo para lo extraordinario. Embárcate con nosotros en este viaje artístico, sabiendo que cada pieza que añades a tu vida no es sólo una pincelada de belleza, sino también una genial inversión. Mientras recorremos juntos este hermoso paisaje del arte contemporáneo, descubramos la alegría de no sólo ser consumidores, sino también mecenas y conocedores de las artes.Artmajeur
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