Galerie Saint germain

MARIUS est né en 1956 et il commence très tôt sa carrière de peintre, tout juste après avoir étudié quatre années à l’école des Beaux Arts de Varsovie. Il fait preuve déjà d’un éclectisme remarquable, avec une technique picturale affirmée dans des styles différents. Il est un des rares artistes à avoir toujours vécu de sa peinture, contrairement à beaucoup d’autres qui ne connaissent le succès que très tardivement. Son talent le fera remarquer par un marchand Français et celui-ci le fera venir en France dès 1980 pour lui organiser plusieurs expositions personnelles.

Si MARIUS se trouve satisfait des résultats encourageants de ses premières expositions personnelles auprès du public Parisien, sa passion secrète reste les tableaux de style Cubiste qu’il exécute pour son plaisir personnel sans chercher à en faire commerce. Il sent intuitivement que c’est peut être un des seuls domaines de la peinture qui n’a pas été exploité à fond et dans lequel il reste encore à découvrir et à créer.

Les tableaux cubistes contemporains que l’on peut voir actuellement dans les galeries sont généralement des pastiches inspirés des grands maîtres du genre et ceux-ci ne présentent qu’un intérêt mineur, même si ils restent d’agréables motifs décoratifs. Il en va tout autrement pour l’œuvre de MARIUS qui porte réellement une empreinte personnelle et on ne peut assimiler ses tableaux à aucun autre artiste. Il est devenu lui-même une référence dans le genre.

Sa dernière grande exposition en 2006 à New York : Rétrospective à la galerie Interart a été couronnée de succès et il est maintenant représenté par plusieurs galeries outre-atlantique.
Marius vit et peint à l'étranger mais on peut trouver ses tableaux en France à la galerie Art & Collection, 7 rue du Dauphin à Honfleur.

Ces quelques tableaux pour un rapide aperçu de l'œuvre de celui que les Américains ont déjà surnommé "the last cubist master"
Rendez vous sur son site pour plus d'informations: et

Il est toujours décevant de se trouver devant des tableaux de style cubiste qui font irrémédiablement penser à Picasso, comme si la vision du cubisme ne passait que par cet artiste. Si Picasso est un des fondateurs du mouvement et certainement son représentant le plus charismatique, il n’a pas à lui seul épuisé toute les perspectives qu’offrait ce mouvement.
Il faut aussi reconnaître le fort pouvoir créatif d’artistes comme Georges Braque, peintre cubiste des origines avec Picasso, et par la suite de Metzinger, Juan Gris, Robert Delaunay, Albert Gleizes, Fernand Leger, André Lhote, puis plus tard de Francis Picabia et Roger de la Fresnaye.

Ce sont toujours des pastiches de ces artistes que l’on retrouve chez les peintres qui veulent s’adonner à cette forme d’art. Il faut reconnaître la difficulté de se démarquer de ces artistes qui ont à eux tous développé la plupart des possibilités de construction géométrique offertes par le Cubisme. MARIUS échappe à cette règle car on trouve chez lui le meilleur de la créativité de chacun des plus grands peintres du genre.

Il attache une grande importance à la qualité de son dessin comme le faisait Picasso. Chacun de ses tableaux est précédé de plusieurs dessins préparatoires auxquels il attache un soin particulier.

Il reprend l’emploi de pochoirs, comme l’avait fait avant lui Georges BRAQUE, mais dans un style plus personnel et plus moderne.
La texture de ses tableaux est pour lui très importante et il prend grand soin de ses effets de matières. Si l’on examine attentivement un de ses tableaux, on pourra constater que chaque parcelle peinte est différente de la parcelle qui se trouve à coté, et on ne se trouve jamais devant de grands aplats uniformes.

Il est en cela unique car on ne peut trouver ce soin du détail chez aucun des maîtres du cubisme dont la plupart se sont montrés assez « rustiques » dans leur manière de peindre.
Georges Braque a étudié le lien entre la forme de l’objet de la peinture et l’espace que cette forme engendre. On remarque dans les premières œuvres de Braque une palette de tons gris et bruns, avec des touches très subtiles d’ocre, noir et vert. Ce choix étroit et volontairement limité dans la gamme de couleurs était à la base des techniques principales de ce que l’on a nommé cubisme analytique et il souhaitait ainsi mettre en avant la réalité de l’objet et son existence dans l’espace, plutôt que son apparence. La différence essentielle entre la première phase de la peinture cubiste de 1908 à 1911, appelée cubisme analytique, et celle qui suivra sous le vocable de cubisme synthétique, concerne l’approche de la représentation des objets. Les objets dans la phase analytique semblent être dissipés dans l’espace autour d’eux, tandis que dans la phase synthétique ils sont visuellement matérialisés, à l’aide d’un système des plans illuminés, changeables, et grâce à l’emploi plus élaboré de la couleur.
MARIUS ne rentre dans aucune de ces deux catégories car il revient à la source première qui a inspiré le cubisme, à savoir l’Art Nègre. Il ne pratique jamais la déstructuration totale en petites facettes, mais s’attache à la forme picturale pure qui s’obtient par l’identification de la forme au contenu. N’étant plus attachée aux objets de la perception, sa peinture veut œuvrer hors des signes de ces objets. Elle crée un univers formel nouveau en faisant jouer l’infinité des formes possibles, librement conçues. Car ayant eu la chance de pouvoir contempler toute l’œuvre Cubiste de ses prédécesseurs, MARIUS a compris que la déformation des corps existants n’est pas la solution suffisante en elle même. D’où l’émancipation des couleurs qui peuvent être dissociées des formes. On pourra remarquer une présence féminine omniprésente dans la plupart de ses tableaux. Pour peindre un corps de femme, il va résumer un corps en cherchant ses lignes essentielles, en développant sur la surface de la toile les visages et les corps en leurs parties constitutives, tout en y adjoignant une rigoureuse précision géométrique.