是什么启发您进行创作并成为一名艺术家？
我出生在里约热内卢北部的一个贫民窟，艺术很早就出现在我的脑海中，成为我逃离周围现实束缚的一种方式，一种构建自身语言的方式，一种将结构性暴力转化为创造力的方式。我最初被动态影像、绘画、3D动画、音乐，以及后来的动态所吸引。但最重要的是，我渴望让那些无形的叙事——家庭、离散、亲密、酷儿——鲜活地存在，这驱使着我真正地去创作。这并非一种舒适的选择：而是一种用我内心的感受和看待世界的方式回应世界的方式——有时，街上被遗弃的物品会成为一幅画作的支撑，有时，艺术中心或博物馆会邀请我舞动起来，用不同的方式表达自我。
您的艺术背景是什么？迄今为止，您尝试过的技术和主题是什么？
在圣保罗完成3D动画培训后，我于图卢兹完成文学学习，并考入巴黎美术学院。在巴黎美术学院，我与克劳德·克洛斯基、帕特里克·费根鲍姆，尤其是艾曼纽·黄合作，还曾与美国加州艺术学院交换，并在日本东京进行了一次精彩的游学。我的创作背景涵盖跨学科：绘画、表演、装置、影像、摄影、木工、陶瓷……通过这些媒介，我探索边缘领域，并创作经常组合呈现的跨学科项目：身体在运动中探索，物品承载着历史、关怀的姿态和抵抗的机制。我经常使用现成的物品——床架、摇篮、木板、轮胎——将它们转化为图像性和意义的载体。
哪三个方面使您与其他艺术家不同，使您的作品独一无二？
我的视角从流散和生态诗意的锚点转变而来。我将殖民记忆、生态消失以及边缘生存的形式联系起来，从而重塑我的视角，也希望重塑公众对所探讨主题的视角。将身体作为档案库对我来说意义非凡。通过舞蹈表演，我将身体变成了一个传递和修复的空间，而回收的材料则成为历史的支撑，一种抵抗的媒介，一种连接私密与政治的界面。
你的灵感来自哪里？
我的灵感源于颤抖、挣扎和残存。从我的日常生活、从朋友们的路过、从贫民窟、从非裔巴西人的歌曲、从黑色大西洋的碎片故事中，也从植物、孩子、街道和旅行中，从那些饱经挫折的诗人——爱德华·格里桑、弗朗茨·法农、格拉达·基隆巴——以及像莱西·布兰当、卡埃塔诺·维罗索、阿尼塔和埃米西达这样的音乐家——那里汲取灵感。
你的艺术创作手法是什么？你想在观者心中唤起什么样的视觉、感觉或感受？
我力求创造一种感官体验，将记忆、流离失所与修复交织在一起。我希望观者感到不安、接纳和触动。我的作品并非刻意描绘，而是传达：流亡的张力，揉皱布料的柔软——就像最近在协和剧院外墙上看到的一样——以及被抹去的故事的阴影——就像在《世界摇篮曲》中一样。我的作品旨在将幸存的事物展现出来。
您的作品创作过程是怎样的？
我的创作过程是混合的。有些作品非常自发——通常具有表演性——直觉引导着创作。其他作品则需要大量的准备工作、阅读、研究、采访和材料收集。“Chant du Bitume”是用80个回收轮胎制成的埃菲尔铁塔，灵感源于围绕一座象征巴黎郊区的纪念碑进行的探索；而我的床架通常是在我私密的工作室里制作的，介于数字拼贴和在绘画媒介中漫游之间。我在接受和创作阶段之间交替进行。我把工作室视为一个情感实验室，在这里，意外是语言的一部分。
您使用特殊的工作技巧吗？
是的，我开发了一种在废弃物上作画的方法，比如床架或婴儿床，它们变成了“物件画布”。我经常用油画或丙烯颜料，以及混合媒介进行创作。在表演中，我会用绳索、线和身体的痕迹来表现无形的张力。最大的作品通常是与我身边的团队合作完成的，对此我深表感激。
您的工作中有什么创新之处吗？
将废弃物品、表演与物品联系起来，创造出非传统的展览和叙事手法。有时，我甚至会想要“打扰”观众的目光。初次看到我的作品，人们很难理解，难以理解支撑物的来源，也难以理解图像的创作方式。在我的装置作品中，我们看到倒转的钟表、垂直移动的水平线、以及表达自我的不规则形体……这是一种增强现实，与梦幻般的世界进行鲜活的对话。
您有最适合自己的格式或媒介吗？
我经常回归身体的创作形式：表演、沉浸式装置、原木绘画。例如，摇篮是一个反复出现的主题——介于庇护与陷阱、起源与失落、碎片与禁锢之间。我喜欢以身体的尺度进行创作，呼应流放、关怀与依恋的历史。
你在哪里创作作品？在这个空间里，你如何组织你的创作？
过去三年，我在罗曼维尔和巴黎郊区蒙特勒伊的工作室工作，与其他艺术家共享空间。如今，我的旅行次数更多了，前往举办场域特定作品的场所。工作室呈现出全新的维度，合作也成为一种快乐的体验，与每个空间的独特之处相得益彰。
你的工作需要你出差吗？出差能给你带来什么？
是的，我经常旅行去展览、表演或参与驻留项目。旅行让我能够走出艺术中心，接触不同的故事，拓宽我敏感的视野。近年来，我与塞内加尔、比利时、意大利、巴西、法国等国家合作过很多次……每个国家都帮助我重新构建我的表达方式，并以不同的方式聆听。
您如何想象未来您的作品和艺术家生涯的发展？
我希望深化跨学科合作：与音乐家、研究人员、舞蹈家和活动家。我热爱举办舞蹈表演的剧院和场所。我也在推动与西非和中非建立更紧密的联系。
您最新的艺术作品的主题、风格或技巧是什么？
我最新的作品是《阿努·普雷托》（Anu Preto），一幅10米长的原木壁画。这幅作品以滑嘴阿尼鸟为中心人物，向流散记忆和边缘化地区致敬，这种鸟儿常常被拒绝，却承载着反抗的故事。这幅作品由法国-巴西季和巴西文化部资助，在协和剧院的户外舞台上创作，是贫民窟创新博览会（Expo Favela Innovation）的一部分。
能否和我们讲讲您最重要的一次展览经历？
我近期最重要的展览经历或许是担任巴黎贫民窟博览会的艺术总监，我连续举办了两届。这项在欧洲开创性的举措让我有机会将来自法国、巴西及其他地区贫民窟及其周边地区的艺术家、企业家、思想家和活动家聚集在一起，进行一场罕见而激烈的创意与政治对话。
2025年7月的展览是一个尤为重要的时刻：来自边缘的企业家和艺术家首次占据了巴黎市中心一个享有盛誉的空间，以一种诗意而政治性的方式重新利用了所谓的“贵族”艺术空间。这场展览使多位艺术家的作品得以被纳入重要的公共和私人收藏。在这次展览上启动的“贫民窟艺术”项目是一个强有力的姿态：它揭示了那些有力的、往往不为人知的艺术实践，这些实践质疑文化等级制度并转移了中心。
在当代艺术、社会抗争和离散记忆交汇的语境中呈现自己的作品，是将我的两个世界——艺术姿态的世界和集体建构的世界——融合在一起的一种方式。这不仅仅是为了展览，更是为了创造一个修复和重塑的空间。
此外，我对我的行为艺术作品《4(a)ch/cords》也记忆犹新，它曾在布鲁塞尔的Cloud Seven画廊和金门宫展出，是与不同背景的艺术家合作创作的集体作品。这个融合声音、动作、文本和空间性的表演项目，拓展了我对张力下的身体、交织的记忆以及无符号共享创作形式的研究。
如果您可以创作一件艺术史上著名的作品，您会选择哪一件？
可能是佩诺内的一棵树，或者科妮莉亚·帕克的装置。也可能是史蒂夫·麦奎因的一些电影，比如《熊》。因为它们以一种激进的精准性探讨了记忆、肉体、共鸣和创伤。
16. 如果您可以邀请任何一位著名艺术家（已故或健在）共进晚餐，您会邀请谁？
我会选择迈克尔·杰克逊，因为他疯狂的人生，他超越时代的酷儿明星地位，他的舞台和编舞天赋，以及他化痛苦为光明的能力。他是一位全面而复杂的艺术家，饱经世事的种种压力，始终在不断蜕变。
如果我的梦想更大，我会邀请大卫·鲍伊，让这场晚宴成为一场偶像盛宴。他们两位都重新定义了性别、身份、流行音乐和身体的轮廓。他们以各自的方式演绎未来：杰克逊以其星光熠熠的舞步，鲍伊则以他变幻莫测的化身。
Olimpia Gaia Martinelli
