Cébé，天堂钢琴，2014。布面丙烯，80 x 80 厘米。
毫无疑问，音乐和艺术代表了两个相关的学科，通过声音的非物质性和图像的魅力，能够揭示人类的感受和经验，无论是积极和快乐的方面，还是更内省和严重的。正是由于这些特点，上述艺术自古以来就发挥了突出的作用，特别是自古典文明诞生以来，它们的结合产生了两种截然不同的组合：讲述音乐的艺术和支持音乐的艺术。关于后一方面，参考希腊和罗马的圆形剧场和剧院就足够了，例如埃皮达鲁斯剧院（埃皮达鲁斯，希腊），它建于公元前 4 世纪，代表着建筑设计的杰作以最大限度地提高声学效果。
Polyclitus the Younger，埃皮达鲁斯剧院，公元前 340 年，埃皮达鲁斯。
另一方面，就讲述音乐故事的艺术而言，这种配对已经通过主要画家、平面设计师和雕塑家的工作实现了几个世纪，他们旨在使音乐家和乐器不朽，因此也记录了它们的演变。在最早的例子中，早期地中海文明的小雕像和花瓶向我们讲述了这个故事，就像来自基克拉迪群岛的公元前 2 世纪的琴手一样。后者的大理石雕像描绘了一个打算弹奏里拉琴的人，是按照基克拉迪艺术典型的人体形态的最纯粹的几何图形制作的。另一方面，为了表现希腊世界的艺术与音乐关系，我们可以以黑色背景的红柱双耳瓶为例，描绘俄耳甫斯演奏七弦琴，这是一部来自阿提卡的血管作品，现收藏于佩加蒙博物馆在柏林。同样的“音乐”神话也在罗马世界被重新提出，更具体地说，在巴勒莫考古博物馆保存的马赛克地板上，装饰着被动物包围的俄耳甫斯。然而，在古罗马的例子之前，塔尔奎尼亚墓地中的伊特鲁里亚壁画能够突出音乐世界更有趣的一面，因为它们使伴着舞者的七弦琴和奥洛斯演奏者永垂不朽。
七弦琴演奏家，公元前 2 世纪，大理石。雅典：国家博物馆。 
被动物包围的俄耳甫斯，第一至第二世纪。 AD，罗马地板马赛克。巴勒莫：考古博物馆。
艺术与音乐联系的历史一直延续到中世纪，在那个时代，除了绘画和雕塑之外，发光的手稿也成为传播音乐知识的重要手段，就像诗人和音乐家纪尧姆的《财富》( Remède de Fortune ) de Machaut，其历史可追溯至 14 世纪，代表了该主题最全面的艺术文学资源之一。仍然在这个时期的主题上，提到罗马式和哥特式大教堂的门户也很重要，在许多情况下，这些门户都是手持乐器的天使或圣徒雕塑。这种艺术、宗教和音乐结合的例子是巴黎圣母院的圣安妮门户和圣地亚哥德孔波斯特拉的荣耀门户。
Guillaume de Macaut, Remede de fortune , 4th cent., 发光手抄本。
几个世纪后，更准确地说是在十五世纪后期，一些最伟大的佛兰德大师通过艺术讲述了音乐世界，正如在汉斯·梅姆林的天使音乐家（约 1485 年）和希罗尼穆斯·博斯的人间花园中可以看到的那样喜悦（1480-1490）。然而，在后一幅画中，放置在代表地狱的三联画右侧面板中的乐器似乎暗示着一种绝非悦耳的旋律的声音，即一种相当烦人和混乱的噪音，也可以在以五角星形式转录的音符组合出现在作品中。与博世一样，卡拉瓦乔在 1595 年的《在飞往埃及的航班上休息》中也表现出非常关注乐谱所传达的信息。事实上，弗拉芒作曲家诺埃尔·鲍德维恩（Noel Bauldewijn）根据《雅歌》（Song of Song of
H. Bosch， 《人间乐园》 ，1480 年。油画。马德里：普拉多博物馆。
卡拉瓦乔，在飞往埃及的航班上休息，1595 年。布面油画。罗马：Doria Pamphilj 画廊。
跳过大约两个世纪的时间跨度，十九世纪的特点是对艺术和音乐之间关系的看法更加亲密。事实上，这个时代所描绘的球员在他们的学习中被更多地收集，因此，在他们的世界中。这方面的一个例子是 Thomas Couture 的The Bagpipe Player ，他完全专注于他的练习，并不关心他的周围环境。最后，重要的是要强调，随着 20 世纪的到来，这对艺术音乐组合如何被先锋派不可磨灭地改变了，这些先锋派是对现实前所未有的愿景的无情承载者。刚刚得到肯定的是巴勃罗毕加索的吉他（1912-1913），它目前保存在纽约现代艺术博物馆，代表了音乐的三维理想化，旨在通过有形的体积和厚度获得“具体性”和形式。此外，上述杰作，无论出于何种目的和目的，都能够再现声音，它不再只是一件代表某物的艺术品，而是一种表达乐器存在的媒介。
Kristof Toth，双联雕塑大提琴手 + 竖琴演奏家，2020 年。雕塑，青铜石，52 x 30 x 15 厘米 / 10.00 公斤。
Karen Axikyan，旋律，2020。雕塑，金属上的金属，41 x 26 x 10 cm / 1.20 kg。
Artmajeur 艺术家作品中艺术与音乐的结合
通过艺术讲述音乐世界故事的永恒胎记一直延续到今天。事实上，这种愿望激发了许多当代艺术家的作品，包括 Artmajeur 的艺术家，他们经常受到过去最伟大的具象例子的启发。然而，这种模仿最高艺术传统的意愿伴随着强烈的创新愿望，旨在丰富艺术与音乐之间的历史联系，这在皮埃尔·杜库克、马西莫·亚科维利和杰米·李的作品中得到了很好的体现。
Pierre Duquoc， Ghost # 36，2022 年。摄影，操纵摄影/纸本数码照片，50 x 75 厘米。
皮埃尔·杜库克：幽灵 #36
Pierre Duquoc 的镜头名为Ghost #36 ，使用一种有点自相矛盾的技巧捕捉到了一位女小提琴手；事实上，正如艺术家本人所说，摄影师不习惯让他的作品变得模糊。然而，在现实中，Duquoc 将上述矛盾推得更远，因为他从原本锐利的镜头中重现了模糊。该程序旨在调查日常生活中微小的消失，即捕捉并存储在我们记忆中的那些短暂的时刻，然后将其转化为记忆。舞台上的表演，通常以重复和有序的动作为特征，结果证明特别适合呈现回忆的概念，还因为音乐家一旦表演结束，就会产生一种促进重演的“消失”。另一方面，在艺术史的主题上， Ghost #36与 Giacomo Balla 的《小提琴手之手》有着多重关联，在这幅画中，这位意大利大师通过接近摄影模糊的光学效果捕捉到了音乐家的动作.
马西莫·亚科维利，《强大》，2022 年。木雕，74 x 24 x 24 厘米。
马西莫·亚科维利：强大
雅科维利的雕塑是用真正的小提琴制作的，是后者乐器分解的结果，旨在在观众中产生对物体的多重、碎片化和解剖的视觉。在这种背景下，这件艺术品以其所有的相对性呈现给观众，因为在展示已知的小提琴形象的同时，它以一种前所未有的、非常规的方式重新提出了它，摆脱了任何习俗。此外，强大的作品让人想起阿尔曼标志性的分解小提琴雕塑，其设计目的是同时在一个物体中展示不同的形式和视角。这位法国大师与其他艺术家如新现实主义的 Yves Klein 和 Jean Tinguely 一样，有恢复真实和过时物体的习惯，以便通过改变它们的感知和揭示它们的本质来将它们分解成它们的形式。因此，雅科维利作品的特点与最高的艺术史传统高度相似。
杰米·李，巴迪·里奇，2022。布面丙烯/喷漆，70 x 70 厘米。
杰米·李：巴迪·里奇
Jamie Lee 的波普绘画以借鉴美国著名鼓手和乐队领队巴迪·里奇的 Roy Lichtenstein 的风格进行描绘。这样的题材选择不应该让我们感到惊讶，因为波普艺术一直与音乐世界息息相关。事实上，自二十世纪以来，最流行的文化形式趋向于多媒体，即文字、音乐、图像和舞蹈的结合，创造出复杂的艺术成果。此外，在不断提及现代性和新的大众现象时，上述运动显然将音乐及其主角考虑在内。在彼得布莱克、大卫霍克尼、理查德汉密尔顿和安迪沃霍尔的作品中可以找到对音乐世界的明显参考，因此来自 Artmajeur 的艺术家的作品完全符合一个伟大的传统。
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur杂志
