十六世纪的佛罗伦萨：Andrea del Sarto、Pontormo 和 Rosso Fiorentino

想象一下你自己走在 1500 年代的佛罗伦萨（托斯卡纳），有机会近距离观察最近建造的 Duomo 大教堂、相邻和较旧的洗礼堂，以及同样位于当前历史中心的标志性建筑，新圣母玛利亚教堂，兰兹凉廊，旧宫等。现在您身处文艺复兴的摇篮，您可以认为，在上述地方，在现代几乎没有变化，生活和工作艺术史上最伟大的艺术家，其中有一位大师和他的两位学生：安德烈亚德尔萨托、蓬托尔莫和罗索菲奥伦蒂诺。我相信没有比描述他们在上述著名的托斯卡纳地区诞生和构思的一些最著名的杰作更好的方式来展示这三位伟大的创意天才，同时也强调他们工作方式的差异.说起安德烈·德尔·萨托，生于1486年、被乔治·瓦萨里定义为“无误”的画家的佛罗伦萨艺术家安德烈·德尔·萨托，被评论家正式公认为第一代“怪人”即小学生先锋的大师绘画风格主义的代表，如 Pontormo 和 Rosso Fiorentino，他们渴望成为完美艺术的典范，能够以完全不墨守成规、“表现主义”、公然和大胆透视的方式超越自然之美。回到 Andrea del Sarto，他与刚才提到的其他两个不同，他并没有在他的艺术中肆无忌惮，以优雅的方式“重新提出”传统类型的曲目，其中的作品形成，其中的纪念性人物的数量、颜色和技术的变化以及可用的最现代提示的使用都得到了强调。这种风格特征体现在大师最著名的杰作之一中，例如佛罗伦萨乌菲齐美术馆保存的 1518 年作品《鹰身女妖的圣母》，其中圣母站在基座上，怀抱圣婴耶稣。描绘在面板的中央。在这种情况下，麦当娜的腿由两个长着五颜六色羽毛的天使支撑，在他们的两侧，以类似于他们更传统的肖像画的方式描绘了福音传教士圣约翰和弗朗西斯的形象。鹰身女妖的麦当娜，其名称恰好取自上述雕刻在底座上的神话人物，由乔治·瓦萨里 (Giorgio Vasari) 确定，它也可以更改其名称，因为今天的评论家认为，在上述怪物中最有可能描绘的是蝗虫，，正是约翰，在圣母的身边，带着一本在《启示录》中描述的书，永垂不朽。事实上，在《启示录》的第九章中，他宣布了这些怪物的到来，这些怪物被描述为长着女人的头和肚子像铁胸甲的人物，能够折磨所有没有上帝印记的人类。他们的额头（tau）。在这种情况下，选择描绘第六封印的天使圣弗朗西斯也是合理的，在约翰的预言中，他会随身携带 tau 标记选民的脸。

Andrea del Sarto， 《鹰身女妖的麦当娜》 ，1517 年。油画，207 x 178。佛罗伦萨：乌菲兹美术馆。

Pontormo，运送死去的基督，1526-28 年。面板上的蛋彩画，313 x 192 厘米。佛罗伦萨：圣费利西塔教堂。

Rosso Fiorentino，沃尔泰拉的沉积，1521 年。面板油画，375 x 186 厘米。 Volterra：Pinacoteca 和 Museo Civico。

抛开“世界末日”的背景，让我们继续我们关于佛罗伦萨三位天才的故事，谈谈蓬托尔莫，这位艺术家于 1494 年出生在现今的恩波利（佛罗伦萨）镇的一个地区，从他搬到了托斯卡纳首府，以便经常光顾皮耶罗·迪·科西莫、安德里亚·德尔·萨托、马里奥托·阿尔贝蒂内利和弗拉·巴尔托洛梅奥的工作室，并与列奥纳多·达·芬奇建立零星联系。在这个丰富的创作环境中，他甚至被拉斐尔和米开朗基罗等伟大的艺术家认可为一种绘画神童，这一特征将引导他冒险进行实验和创新，这在他那个时代并不常见理解，以至于瓦萨里认为他的作品有些离奇、无节制和过度。现在，这种观点在很大程度上被评论家所取代，他们认为上述大师是一位有才华的艺术家，能够设计出自己的、反传统和反古典的绘画风格，在诸如《沉积》（约 1526-1528 年）等艺术作品中发现)，他独特的风格特征对一个被各个时代的艺术家广泛研究的主题给出了特殊的解释。然而事实上，c.的杰作更合适。 1526 年将是基督的运输，因为以一种有点原始的方式，该作品没有描绘十字架，而是暗指耶稣的尸体被带到坟墓的情节和哀悼它的情节。同样，拉斐尔的早期作品，即 1507 年的博尔盖塞沉积，也在其构图中结合了与后两集相关的主题。回到托斯卡纳杰作的描述，保存在圣费利西塔教堂（佛罗伦萨）的卡波尼礼拜堂，它描绘了两个年轻人意图支撑耶稣的身体，而正在观察现场的圣母正在被救出由在场的女性。这幅作品，还包括尼哥底母和圣约翰的形象，被认为是一种壮观的表现，具有丰富的情感反应，转化为精致优雅的视觉效果，可以被认为是一种极具远见的文体宣言。另一方面，几年前是罗索·菲奥伦蒂诺 (Rosso Fiorentino) 的《沉积》( Deposition )，这是一幅 1521 年的油画，保存在 Pinacoteca di Volterra（托斯卡纳），这幅画中基督从具有巨大结构的十字架上被废除，能够创造，连同木制楼梯，一个强大的风景机器，其中包括两个角色，他们打算安放死去的尸体，其中尼哥底母和约瑟夫阿里马泰亚是可识别的，以及由两个女人支撑的处女，跪着的抹大拉，男孩抱着梯子，使徒约翰流下了眼泪。作品的创新之处在于多重因素；首先，罗索描绘了基督故事中迄今未被充分代表的一个时刻，即在他的身体从十字架上分离后的确切时刻，他通过男人的手和手臂的不确定支撑下降，这是一个不稳定的细节，旨在产生一个绘画中强烈的张力和悬浮感。其次，场景设定在马太记述的黄昏（27:45；57），其标志是真正的情感爆发，这是由十字架和梯子的静止布置与人在上面的活力之间的对比所赋予的在抹大拉的问题较少的运动中，十字架进一步向下重复。最后，快速比较一下 Pontormo 和 Rosso，使前者的作品具有戏剧性的特点是透视空间的缺乏，这种特性旨在赋予角色极大的不稳定感，从而转化为不安全感和痛苦，而令人沮丧的是第二个杰作主要是由于运动中“变形”物体的角度体积，以及红色色调的优势。最后，在这种情况下，值得指出的是，这个故事只代表了托斯卡纳艺术浩瀚历史的一小部分，这个地区一直是伟大大师的故乡，如乔托、米开朗基罗、达芬奇、契马布埃, Piero della Francesca, Amedeo Modigliani 等，以及当代人才的摇篮，例如 Artmajeur 的原创和创新艺术家 Karim Carella、Francioni Mastromarino 和 Simone Parri。

Andrea Pisano， Cardinal #01，2020年。数字艺术、数字绘画/蒙太奇/纸上二维数字作品，100 x 70 厘米。

保罗·里齐 (Paolo Rizzi)， Deviless I， 2021 年。纸板油画，106 x 65 厘米。

Karim Carella，日出时的柏树，2017 年。纸本数码照片，80 x 80 厘米。

Karim Carella：日出时的柏树

托斯卡纳的风景，艺术家和诗人的故乡，如果可以用一个词来形容自己，他一定会选择CIPRESSI！事实上，至今仍在流通的大部分托斯卡纳明信片都让 Val d'Orcia 的风景永垂不朽，其标志是上述树的存在，这些树在山脊上成排排列，具有那些典型的柱状面容狭窄，这也是 Carella 照片的特征。尽管如此，让大家知道柏树实际上原产于东地中海盆地是一件好事，腓尼基人、希腊人和伊特鲁里亚人从该地区将柏树进口到意大利。事实上，它在托斯卡纳土地上的古老存在也可以在艺术史上的经典杰作中找到，其中比托·安吉利科、保罗·乌切洛和列奥纳多·达·芬奇的作品无疑脱颖而出。说到后一位大师，就不能不提到1472年的《天使报喜》，这是一幅保存在乌菲齐美术馆的壁画，在文艺复兴时期的宫殿前，花园葱郁，大天使加百列跪在圣母面前。，递给她象征纯洁的百合花问候她。正是这样的景象，设置在上述自然主义地点，周围环绕着四棵高大的柏树，在暮色中，它们与其他茂盛的植物交替出现。因此，托斯卡纳 Carella 的照片获得了额外的意义，旨在将其置于不断发展的伟大历史和艺术传统中。

Francioni Mastromarino, Leonardo da Vinci ，2021 年。兵马俑雕塑和其他基材，40 x 35 x 32 厘米/15.00 千克。

Francioni Mastromarino:达芬奇

我们可以简单地用一句话/口号来解读达芬奇雕塑：一个托斯卡纳，致敬并诠释另一个托斯卡纳！事实上，Florentine Eleonora Francioni 与 Antonio Mastromarino 组成了艺术二人组 Francioni Mastromarino，目前活跃于彼得拉桑塔（托斯卡纳），通过上述协会，创作了一部可能旨在庆祝列奥纳多·达·芬奇的作品，无可争议的天才所有时代的艺术世界，1452 年出生于芬奇（托斯卡纳）。特别是 Francioni Mastromarino 的雕塑似乎正是受到托斯卡纳艺术家于 1517 年创作的自画像的启发，现在保存在都灵皇家图书馆.这幅乐观的纸上画描绘了这位大师在他生命的最后几年，当时他已年迈，留着又长又浓密的胡须，皱着眉头，他在法国度过他生命的暮年，他的故乡曾被召唤为弗朗西斯一世服务。正是上述描绘不仅被认为是艺术史上的偶像，而且也是我们今天在尝试时仍然提到的唯一真实的艺术家肖像想象一下意大利天才的特征。尽管如此，许多学者认为，莱昂纳多并不是乐观的人，因为在绘制这幅画时，长胡须和头发并不流行。此外，大师在 63 岁时（作品日期为该时期）饱受疾病折磨，导致他的右手关节活动能力下降，这一事实使他无法在作品中展示细节。自画像。尽管对雕像的年代和身份存有疑虑，但可以肯定的是：莱昂纳多作品的不朽在伟大艺术二人组的作品中得以延续。

Simone Parri，为什么不同？ , 2016. 木塑雕塑，107 x 76 x 5 cm / 2.00 kg。

Simone Parri：为什么不同？

通过西蒙娜·帕里 (Simone Parri) 的作品，我们再次回到佛罗伦萨，这座艺术家创作灵感的城市，然而，其背景有时显然更加国际化，以至于他的《为什么不同？ ，可以说旨在促进对差异的接受，也许与 Július Koller（1939-2007）的作品相呼应，他是 1960 年代以来最重要的东欧艺术家之一。特别是，这位 Artmajeur 艺术家的雕塑可以与问号 b 相提并论。 ，这件 1969 年的作品是通过使用带有两个华丽把手的木托盘制成的，Koller 在上面涂上了白色油漆，随后刻上了一个大问号。这样一个被斯洛伐克人自己描述为“反绘画”的物体，象征着科勒生活和工作的国家捷克斯洛伐克当时社会政治背景的不确定性。事实上，在后一个地方，1968 年之后，政治局势变得更加压抑，以至于前卫艺术创作主要成为私人活动。然而，科勒拒绝了更传统的学院派艺术，选择追随更“颠覆”的运动，如达达、新现实主义、情境主义国际和激浪派。最后，值得一提的是，即使是关于“不明飞行物”概念组的作品，这样的艺术家如何使用问号，以逃避严酷的政治局势，在平行现实中寻求庇护，例如外星人生命形式。