ÇATLAK MAVİ II (2018) Heykeli Pin Vega
Soyut sanat, geleneksel figüratif sanattan farklılaşan, nesnel olmayan ve tanınmaz bir gerçekliği temsil eden bir sanat akımıdır. Figüratiflik, görünür verilerin sadık temsiline odaklanırken, soyut sanat, doğrudan dış dünyayı taklit etmeyen formlar, renkler ve çizgiler aracılığıyla duyguları, fikirleri ve kavramları ifade etmeyi amaçlar. Bu farklılık, soyut sanatın tam olarak anlaşılması ve takdir edilmesi için genellikle bir miktar açıklama gerektirdiği anlamına gelir.
Soyut sanat, 20. yüzyılın başlarında dönemin kültürel ve toplumsal dönüşümlerine tepki olarak resim bağlamında ortaya çıktı. Soyut sanatın öncüleri arasında Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich ve Piet Mondrian gibi ustalar yer alır. Özellikle Kandinsky, sanatın salt görsel temsilin ötesine geçip sanatçının iç dünyasını ve insan ruhunu keşfetmesi gerektiğine inanıyordu. 1911 tarihli "Sanatta Maneviyat Üzerine" adlı makalesi, soyut sanatı teorileştirmeye yönelik ilk girişimlerden birini temsil ediyor.
Daha sonra, soyut sanat, Maleviç'in Süprematizmi ve Mondrian'ın Neoplastisizm'i gibi her biri biçim ve renge özgün yaklaşımıyla çeşitli stil ve hareketlere hızla dönüştü. Bu vizyonlar, gerçekliğin özünü saf geometrik biçimlere ve birincil renklere damıtmayı, hem tefekkürlü hem de devrimci eserler yaratmayı amaçlıyordu.
Şu anda herkesin gayet iyi bildiği bir hikayeyi tartıştığımız açık: soyut sanatın nasıl doğduğu ve resim dilinde nasıl yerleştiği. Şimdi bu dilin daha sonra heykel, fotoğraf ve diğer sanat ortamlarında nasıl ifade bulduğunu açıklamak ve örneklendirmek istiyorum. Tüm bunlar, Artmajeur'un gelişen koleksiyonunun parçası olan zengin eser külliyatından seçilen çağdaş örneklerle örneklendirilecek. O halde çizim hikayesiyle başlayalım!
Çok fazla manzara gördüm (2023) Çizim: Frank Verreyken
Soyut Çizim: Tarih, Stil ve Başyapıtlar
Çizim ve resim her zaman yakından bağlantılı olmuştur, çizim genellikle daha büyük resimsel çalışmalar için bir ön aşama veya bir çalışma olarak görülmüştür. Soyut sanatta, bu ilişki belirginliğini korumaktadır çünkü birçok soyut ressam aynı zamanda resimsel keşiflerini yansıtan soyut çizimler üretmiştir. İki dil arasındaki bu bağlantı nasıl ortaya çıkar? Bu, iki medya arasındaki temaların, tekniklerin ve hedeflerin paylaşılmasında görülür: her ikisi de yeni sanatsal ifade biçimlerini keşfetmek için geleneksel figüratif temsilin ötesine geçmeyi amaçlar.
Daha derine inmek gerekirse, yukarıda adı geçen Wassily Kandinsky, tıpkı resimleri gibi tanınabilir temsillerden kaçınarak, renk ve formu keşfetmeyi ve duyguları ve ruhsal kavramları uyandırmayı amaçlayan tamamen ideal kompozisyonlara odaklanan çok sayıda soyut çizim yaratmıştır.
Benzer şekilde Piet Mondrian, resimlerinde olduğu gibi çizimlerinde de geometrik prensipleri uygulamış, Kazimir Maleviç ise Süprematizm anlayışıyla, tıpkı resim sanatında olduğu gibi, fiziksel nesnelere hiçbir gönderme yapmadan, formun saf duyarlılığını araştıran çizimler yaratmıştır.
Peki bir çizimi soyut bir resimden ayıran nedir? İlk ortamın, geometrik şekiller, akıcı çizgiler ve duyguları ve kavramları uyandırmayı amaçlayan zıt renkler gibi ikincisiyle birçok özelliği paylaştığı doğru olsa da, soyut çizimin de kendine özgü özellikleri vardır. Resim, renk ve dokunun benzersiz niteliklerinden faydalanabilirken, çizim daha çok çizgiye, kompozisyona ve forma odaklanma eğilimindedir ve daha sınırlı bir renk yelpazesi kullanır, genellikle yapıyı ve hareketi vurgulamak için siyah beyaz veya tek renkli tonlara yoğunlaşır. Son olarak, soyut çizim genellikle işaretin kendiliğindenliğini ve anında oluşunu araştırırken, resim daha uzun süreçler ve çalışma katmanları gerektirebilir.
İsimsiz 838 (2024) Oto Macek'in tablosu
Çağdaş Örnekler: Oto Macek'in Resim ve Çizimlerinin Karşılaştırılması
Soyut resim ile çizim arasındaki bağlantının kanıtı olarak, çağdaş sanatçı Oto Macek'in çalışmalarını düşünebiliriz. "Untitled 838" (2024) adlı tablosu ve "Untitled 3732" (2023) adlı çizimi aynı konuyu ve form araştırmasını temsil eder, ancak renk, teknik ve kullanılan tonlar açısından farklılık gösterirler.
Macek, "İsimsiz 838" adlı eserinde katmanlı boyama tekniğini kullanarak mavi ve gök mavisinin çeşitli tonlarını kullanarak dinamik ve canlı bir kompozisyon yaratıyor; çizgiler ve geometrik şekiller iç içe geçiyor ve üst üste gelerek hareket ve derinlik hissi yaratıyor.
Öte yandan "Untitled 3732" çizimde biraz daha minimalist bir yaklaşım sunuyor. Geometrik şekiller, ağırlıklı olarak siyah ve beyaz olmak üzere, kesin ve temiz çizgilerle çiziliyor. Kompozisyon daha az yoğun, kağıdın renginde boşluklar bırakılıyor ve gözün dinlenmesine ve şekiller arasındaki etkileşimlere odaklanmasına olanak sağlıyor.
Macek'in bu iki eseri, soyut çizim ve resmin, kavramsal tutarlılığı korurken uygulama ve görsel etki açısından çeşitlilik göstererek aynı temaları ve konuları farklı yorumlarla nasıl keşfedebileceğini gösteriyor.
Şimdi baskı sanatına geçelim!
Miroir (2024) Kanvas Tablo, Benedicte De Nouel Imbert
Sanat Baskı Sanatına Kısa Bir Bakış: Geçmiş ve Günümüz
Resimden ilham alan sanat baskıcılığı, çizime benzer şekilde, resimde bulunanlara benzer konuları sunarak soyutlamayı benimsemiştir. Yine, en ünlü soyut ressamların bazıları, ünlü usta Joan Miró gibi baskılar da yaratmıştır.
Bu geleneğin çağdaş bir örneği, ressam Benedicte De Nouel Imbert'in kağıt üzerine linolyum baskı tekniği kullanılarak yaratılan bir sanat baskısı olan "Miroir" (2024)'dir. Bu yöntem, bir tasarımın linolyum bir plakaya oyulması, ardından mürekkeplenmesi ve görüntüyü aktarmak için kağıda bastırılması anlamına gelir. Bu teknik, soyut sanatsal ifade için ideal olan keskin çizgiler ve cesur kontrastlar üretme yeteneğiyle bilinir.
Linol baskı tekniği, De Nouel Imbert'in formların tekrarını ve çeşitliliğini büyük bir ayrıntıyla keşfetmesine olanak tanımıştır. Sanat eseri, üst üste binen organik ve geometrik motiflerle soyut bir kompozisyona sahiptir. Baskın renkler turuncu ve mavidir ve güçlü bir görsel kontrast yaratır. Turuncu şekiller yapraklara benzer doğal özellikleri çağrıştırırken, merkezi mavi figür derinlik ve karmaşıklık unsuru ekler. Canlı renklerin ve tekrarlayan desenlerin kullanımı, esere bir hareket ve dinamizm duygusu katar.
Başlıksız (n° 121) (2024) Didier Fournier'in Heykeli
Soyut Heykel: Tarih, Stil ve Başyapıtlar
Soyut heykel, resimdeki değişimlere paralel olarak 20. yüzyılın başlarında gelişmeye başladı. Benzer şekilde, heykeltıraşlar geleneklerden ve doğalcı temsillerden kurtulmaya çalıştılar, bunun yerine saf formları, geometrileri ve yeni malzemeleri keşfettiler. Bu yaklaşım sayesinde, figüratif temsil yerine form ve yapı aracılığıyla kavramları ve duyguları ifade edebildiler.
En erken ve en etkili soyut heykeltıraşlardan biri şüphesiz Constantin Brâncuși'ydi. Romanya doğumlu Brâncuși, biçim ve malzemeye yaklaşımıyla heykel dilinde devrim yaratmasıyla bilinir. Eserleri, hareketin ve yaşamın özünü yakalamak ve gerçekçi ayrıntıları aşmak için tasarlanmış temiz çizgiler ve pürüzsüz yüzeylerle karakterize edilir.
Soyut heykelin bir diğer öncüsü, kendine özgü biyomorfik çalışmalarıyla harekete katkıda bulunan Jean Arp'tır. Öncelikle bronz ve taşla çalışmasıyla bilinen Arp, doğadan kendiliğinden ortaya çıkan organik formlar yarattı. Yaratımları, akışkan ve doğal şekillerin kullanımıyla soyutlamaya yaklaşımını örnekliyor.
Ayrıca, Naum Gabo, geometrik formlar ve şeffaf malzemeler aracılığıyla uzay ve zamanı keşfetmesiyle, birbirine bağlı çizgiler ve düzlemler kullanmasıyla bilinen önemli bir soyut heykeltıraştır. Gabo'nun eserleri, geleneksel heykel anlayışlarına meydan okuyarak boş alan hacimlerini temsil etmeyi amaçlamaktadır.
Bu tarihsel ve sanatsal anlatıyı daha da açıklamak gerekirse, bu ustaların soyut heykel alanındaki dikkat çekici şaheserlerinden bazıları şunlardır: Constantin Brâncuși'nin "Uzaydaki Kuş" (1932-40), Jean Arp'ın "Ormanda Kaybolacak Heykel" (1932) ve Naum Gabo'nun "Uzayda İnşa" (1937-39).
Özetle soyut heykel, soyut fikirleri, duyguları ve kavramları ifade etmeyi amaçlayan geometrik formların, temiz çizgilerin ve yenilikçi malzemelerin kullanımıyla kendini gösterir.
Axoliz I (2014) Vincent Champion-Ercoli'nin Heykeli
Gran bañista (2024) Roberto Canduela'nın Heykeli
Çağdaş Örnekler: Vincent Champion-Ercoli ve Roberto Canduela'nın Karşılaştırılması
Vincent Champion-Ercoli'nin "Axoliz I" ve Roberto Canduela'nın "Gran bañista" heykellerinde iki çağdaş örnek buldum. Bu eserler neyi paylaşıyor? Soyut yaklaşımlarının yanı sıra, ikisi de birincil ifade malzemesi olarak metalleri kullanıyor. Analize dalalım...
İlk çalışmadan başlayarak, "Axoliz I", bir araya gelerek yukarı doğru bir gelişim oluşturan iki doğrusal bronz elementten oluşan bir yaratımdır. Bu açıklama, büyümeyi ve azmi simgeleyen, yükselen bir hareket duygusuyla sunulan bir tür ağırlık ve hafiflik ikiliğini somutlaştırır. Ayrıca, pürüzsüz yüzeyler ve yükselen kompozisyon zarafet ve iyimserliği çağrıştırarak zorluklara rağmen sürekli bir yükselişi ima ettiği için çalışma daha fazla anlam taşır.
Öte yandan, "Gran bañista", sanatçının kendisinin de ortaya koyduğu gibi, Cézanne'ın "Les Grandes Baigneuses" adlı eserinin konusunu, kıyıda dinlenen bir kişinin soyut özelliklerinde yeniden yorumlanmış haliyle anımsatıyor. Bu anlamda, geometrik form bir uçtan diğer uca doğru yaylanarak, ortada bir yüzü andıran bir göz oluşturuyor. Eğik elemanlar, heykelin, güneşte kurulanan bir banyo yapan kişinin kolları ve dirsekleri gibi düzlemde dinlenmesini sağlıyor. Bu sonuncu elemanı yansıtan heykel, altın rengi bir bitişle güneşin parlaklığını miras alıyor.
Biraz hayal gücüyle, "Axoliz I" bir insan figürü olarak da yorumlanabilir, yükselen çizgiler insan vücudunun dik duruşunu ima eder. Bu şekilde, yukarıda analiz edilen geometrik formların doğası, izleyicinin gerçekliğine daha yakın, daha tanıdık bir anlatı ile ilişkilendirilebilir. Şimdi dikkatimizi kolaja çevirelim!
Toplumsal Doku 6 (2022) Henok Getachew Woldegebreal'ın Kolajları
Kolajın Kısa Bir Özeti: Geçmiş ve Günümüz
Soyutlama, kolaj tekniğinde verimli bir zemin buldu ve sanatçıların çeşitli materyalleri birleştirerek yeni ifade biçimleri keşfetmesine olanak tanıdı. Soyut sanatta kolaj kullanımı, resim ve heykelin geleneksel geleneklerinden kopmaya çalışan öncü sanatçıların yenilikleri sayesinde 20. yüzyılın başlarında şekillenmeye başladı.
Soyut kolajda sanatçılar, kompozisyonu, rengi ve dokuyu vurgulayan eserler yaratmak için çeşitli malzemeler ve teknikler kullanırlar. Bu sanat formu figüratif temsillerden uzaklaşır ve duyguları ve soyut kavramları uyandırmak için farklı unsurların etkileşimine odaklanır. Sanatçılar, katmanlı ve dinamik eserler yaratmak için gazete kupürlerini, fotoğrafları, kumaşları ve diğer malzemeleri birleştirebilir.
Ayrıca, kolaj büyük bir ifade özgürlüğüne olanak tanır, çünkü soyut sanatçılar yeni görsel yapılandırmalar yaratmak için malzemeleri manipüle edebilir ve yeniden düzenleyebilir. Bu birleştirme ve sökme süreci, gerçekçi temsilden kaçan sanatın tipik özelliği olan devam eden deney ve keşfi yansıtır.
Soyut sanatta kolajı benimseyen öncü sanatçılar arasında "Untitled" (1916–17) ve "Grande Collage" (1918) gibi eserleriyle tanınan Hans Arp yer alır. Çağdaş sanatçılara dönersek, Artmajeur sanatçısı Henok Getachew Woldegebreal'in "Societal Texture 6" adlı eseri öne çıkar. Yerel pazarlardan temin edilen ambalaj kartonlarından oluşturulan, parçalara ayrılan ve yeniden bir araya getirilen bu kolaj, çağdaş toplumdaki modernite, tüketicilik ve küreselleşme arasındaki karmaşık etkileşimi araştırır. Günümüz toplumlarının tipik özelliği olan yaygın tüketiciliği ve döngüsel üretimi ve israfı eleştirmek için tasarlanmıştır.
Après le feu - Pembe Turuncu Pembe de Rothko (2018) Fotoğraf: Véronique Durruty
Soyut Fotoğrafçılık: Tarih, Stil ve Başyapıtlar
Soyut fotoğrafçılık, teknolojinin icadından hemen sonra kendini ifade etmeye başladı. 1842'de John William Draper, bir spektroskop kullanarak ışık ışınlarını görünür gerçeklikle hiçbir bağlantısı olmayan görünür desenlere dağıtan görüntüler oluşturdu. Bu görüntüler, fotoğrafın görünmez olanı elle tutulur bir varlığa dönüştürme yeteneğini gösterdi. Bilimsel belgeler olarak tasarlanmasına rağmen, bu görüntüler bugün yenilikçi sanatsal nitelikleri nedeniyle takdir edilmektedir.
Benzer şekilde, ilk fotoğrafçılardan biri olan Anna Atkins, 1843'te kurutulmuş yosunları siyanotip kağıdına yerleştirerek bir fotogram kitabı üretti ve soyut bir niteliğe sahip, eterik beyaz-mavi görüntüler yarattı. Bilimsel çalışmalar olarak tasarlanmalarına rağmen, bu eserler önemli bir sanatsal değere sahiptir.
20. yüzyılın ilk on yılında, Post-Empresyonizm'den Kübizm ve Fütürizm gibi hareketlere geçişe yol açan bir sanatsal keşif dalgası yaşandı. Alfred Stieglitz, Paul Strand ve Edward Steichen gibi sanatçılar soyut fotoğraf kompozisyonlarıyla deneyler yapmaya başladı. 1914'te Erwin Quedenfeldt ilk kez kamuoyunda tanınan soyut fotoğrafları sergiledi, Alvin Langdon Coburn ise görünür gerçeklikten kopan görüntüler elde etmek için çok yönlü bir prizma kullanarak Vortographs serisini (1917) yarattı.
1920'lerden ve 1930'lardan itibaren soyut görüntüleri inceleyen ustaların sayısında önemli bir artış oldu. Bu hareket fotoğrafçılıkta nasıl kendini göstermeye devam etti? Bunu, çift pozlama, makro fotoğrafçılık ve kamera içi manipülasyon gibi çeşitli tekniklerle yaptı. Bu teknikler, izleyiciyi görünür yüzeyin ötesine bakmaya davet ederek geleneksel algıya meydan okuyan eserlerin yaratılmasına olanak tanır.
Usta ve şaheserlerden bahsetmişken, soyut eserler yaratan ünlü fotoğrafçılar arasında yukarıda adı geçen Alfred Stieglitz, Paul Strand ve Edward Steichen ile Man Ray ve László Moholy-Nagy yer alır. Man Ray'in "Rayograph" (1922) ve Moholy-Nagy'nin "Photograms"ı, sıradan nesneleri olağanüstü görsel kompozisyonlara dönüştüren, geleneklere meydan okuyan ve fotoğraf sanatında yeni ifade olanakları açan şaheserlerdir.
Materia Serisi - Kompozisyon nr 32 (2024) Fotoğraf: Alessandro Idini
Çağdaş Örnek: Materia Serisi - Alessandro Idini'nin 32 numaralı kompozisyonu
Alessandro Idini'nin "Materia Serisi - Kompozisyon nr 32" adlı eseri, çeşitli hallerdeki madde aracılığıyla soyutlama kavramını keşfetmek için tasarlanmış bir serinin parçası olan bir fotoğraftır. Bu çalışma, maddenin gerçekliğin kompozisyonu için gerekli olduğunu varsayan Aristoteles'in felsefesinden ilham alır. Fotoğraf, uzayda yüzer gibi görünen, hareket ve sürekli dönüşüm ve yaratım hissi yaratan narin, kıvrımlı formlar içerir.
Ek olarak, maddeyi bu son derece geçici hallerde temsil etme seçimi, esere kısa bir süre sonra maddenin kendisinde kaybolan benzersiz bir anı yakalamayı amaçlayan geçici bir karakter kazandırır. Idini'nin fotoğrafçılıkta soyutlamanın devam eden keşfinin, formların ifade olanaklarını keşfetmek için çeşitli hallerdeki maddeyi kullandığı ve çözülmeden önce yalnızca bir an yaşayan kompozisyonlar yarattığı açıktır.
Doğrusallık #7 (2024) Dijital Sanat Carla Sá Fernandes
Dijital Sanata Kısa Bir Bakış
Dijital sanat, 1950'lerde Amerika Birleşik Devletleri'nde Ben Laposky ve Almanya'da Manfred Frank'ın deneyleriyle şekillenmeye başladı. Her ikisi de matematikçi ve programcıydı, geleneksel sanatçılar değildi, ancak onları grafik sanata çeken yaratıcı bir duyarlılığa sahiptiler.
Dijital sanat dünyası, kendi alanını oluşturmaya ve bir pazar nişi oluşturmaya çalışarak kademeli olarak önemli ilerleme kaydetti. Bu yeni sanat biçimine ilişkin kamuoyunun farkındalığını artırmak amacıyla çok sayıda sergi düzenlendi ve ödüller verildi.
İlginçtir ki, dijital sanat çeşitli geleneksel sanat hareketlerinin taklidi ve yeniden yorumlanması yoluyla kendini ifade eder. Gelişmiş yazılımlar sayesinde dijital sanatçılar yağlı boya ve sulu boya gibi klasik resim tekniklerini kopyalayabilir ve artırılmış gerçeklik (AR) ve sanal gerçeklik (VR) gibi yeni ifade biçimleri deneyebilirler. Bu teknolojiler sanatçıların sürekli olarak keşfetmelerine ve yenilik yapmalarına olanak tanır, Empresyonizmden ilgi odağımız olan soyut sanata kadar uzanan eserler yaratmak için geleneksel teknikleri modern araçlarla bütünleştirir.
"Linearity #7" dijital soyutlamanın nasıl şekil aldığının ve hayata geçtiğinin sembolik bir örneğidir. Bu çalışma, her rengin kendi melodisini çalarken komşularıyla uyum içinde olduğu canlı çizgilerden oluşan bir senfonidir. Parça düzeni ve ritmi araştırır, mekanı hem birliği hem de çeşitliliği kutlayan güçlü bir enerjiyle doldurur.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Dergisi
