Herkese karşı Fransız izlenimciliği!

Armen Ghazayran, Pencereden görünüş, karton üzeri akrilik, 50,8 x 40,6 cm.

İnsanlar bize İzlenimcilik hakkında konuştuğunda, genellikle, elleri boyaya bulanmış, bir güneş şemsiyesi veya şapka altına sığınarak resim yapmaya kararlı, "tipik" sakallı ve biraz "taklit" Fransız ressamın imajını hatırlatırız. değişen mevsimleri, ışıkları, gölgeleri ve renkleri, zamanları aynı veya birden çok konuda kendini göstermeye hazır. Muhtemelen Claude Monet'nin mükemmel sanatsal akımın "bo$$" özellikleriyle bozulan bu tür bir zihinsel temsil, kişiyi, Fransız İzlenimciliğinin kendisini bizim anlayışımıza nasıl güçlü bir şekilde dayattığı ve genellikle "gölgede kaldığı" gerçeği üzerinde düşünmeye sevk eder. aynı akımın "yabancı" yorumlarını bilme merakı. Peyzaj türünde kadın tasviri teması, Paris stilini Amerikan, İtalyan ve İspanyol stilleriyle karşılaştırmak için mükemmel görünüyor, yani yukarıda bahsedilen akımda ortaya çıkan çoklu bakış açılarından sadece birkaçı. En ünlü usta Monet'nin Uçurumda Yürüyüşü (1882) ile başlayarak, kadın figürünü kelimenin tam anlamıyla doğaya, fiziksel bir dünyaya sokar; uçurumun kendisi. Yukarıdaki açıklamaya ek olarak, The Walk (1875) ve The Poppies (1873) çapındaki başyapıtlarında zaten dönemin "doğal" elbiseleriyle donanmış kadınları temsil eden Monet'nin kadın yorumunun tipik özellikleri de eklenir. "çırpınan" şapkalar ve güneş şemsiyesi eşliğinde zaman. Böyle bir kadın temsili tarzı, manzarayı, iyi giyimli, doğaya en uysal ve "yüzeysel" kadınlığın zarafetini getiren, kadınlığın sessiz bir biçimi olarak anlaşılan hoş figürlerle zenginleştirmek için "incelenmiş" görünmektedir. güzelliği içinde düşünülmelidir. Bir an için başyapıt Walk on the Cliff'e dönersek, Chicago'daki Sanat Enstitüsü'nde bulunan ikonik tablonun nasıl taze, dolaysız, derin ve parlak bir dünya yaratan ustanın duyarlılığının gerçek bir meyvesini temsil ettiğini anlatmak önemlidir. İki kadının figürlerini, denizdeki yelkenleri ve gökyüzündeki bulutları ustaca yerleştirdiği, denizin gökyüzü ve uçurum olmak üzere üç farklı kütlenin tanımlanabildiği kompozisyon. Yine de hassas ve titizlikle zarif olsa da, daha çok "içgözlemsel" ve "samimi" bir yoruma odaklanan bir kadın cinsiyeti vizyonu, bunun yerine bize 1872'de yayınlanan ve Camille'in imajını daha yakından çerçeveleyen Bahar adlı daha sonraki bir çalışma tarafından sağlanır. Sessiz ve kendini okumaya kaptırmış Monet, ressamın 1871'de ailesiyle birlikte taşındığı Paris'in kuzeybatısındaki bir köy olan Argenteuil'de geçen tipik bir ev sahnesine yakalanır.

Claude Monet, Uçurumda Yürü , 1882. Tuval üzerine yağlı boya. Chicago: Chicago Sanat Enstitüsü

John Singer Sargent, The Black Brook , c.1908. Tuval üzerine yağlı boya. Londra: Tate.

Amerikan İzlenimciliği, Monet'ye kitabı ortadan kaldırarak ve sonuç olarak, John Singer Sargent'ın The Black Brook'ta (1908) görüldüğü gibi, kendisini kendi içselliği içinde "kaybolmuş" bulan heykelin duygusal yükünü artırarak "yanıt verdi" ve Mary Cassat'ın Genç Bir Kızın Portresi (1899). İlk başyapıttan bahsetmişken, ünlü Amerikalı ressamın resmettiği dalgın ve yalnız özne, sanatçının Aosta kasabasında bir dere kenarında oturan o sırada 15 yaşında olan yeğeni Rose-Marie Ormond'dur. kuzey İtalya. Işığın ve gölgenin dere, çiçekler ve kızın elbisesi üzerindeki hareketini kalın ve özensiz bir resimsel "vuruşla" yakalama niyetini sürdüren işin ikinci odak noktası olarak ressama hizmet eden tam da bu natüralist ortamdır. ." Mary Cassat'a gelince, onun kadın figürüne ilişkin "analog" yorumu, Château Beaufresne'de veya yakınında, yani sanatçının 1894'te Oise Nehri vadisinde, Fransa'nın yaklaşık elli mil kuzeybatısında satın aldığı evin yakınında geçiyor. Paris. Bununla birlikte, böyle bir görüş, Japon sanatının denizaşırı ressam üzerinde uyguladığı önemli etkiyi göstermeyi amaçlayan özellikleri, alanı düzleştiren ve ufuksuz hale getiren yükseltilmiş bir bakış açısıyla zenginleştirilmiştir. İtalya'dan bahsetmişken, Macchiaiolo Giovanni Fattori'nin tablosu, Monet'teki tipik güneş şemsiyelerine ve "skenografik" pozlara, özneyi yoksun bırakmayı amaçlayan daha samimi ve yalnız tavırların nasıl eşlik edilebileceğinin kanıtı oluyor. daha anlamsız kadınlığının bir parçası. Böyle bir "amaç" Toskanalı ressam tarafından Pinacoteca di Brera'da (Milano) korunan panel üzerine yağlı boya bir tablo olan Açık Havadaki Kadın'da (1866) izlendi. Sessizlik, yalnızlık ve yansıma getirmeyi amaçlayan bir tür melankolik "aura" olarak büstü kahverengiye dönme eğiliminde olan, ağırlıklı olarak karanlık bir palet. Ayrıca kadının yüzü şemsiyenin gölgesiyle karartılır, bunun altında gizemli bir şekilde yüzü olmayan, yani gözleri, ağzı, burnu vb. Olmayan bir figürün özellikleri ortaya çıkar. Yine de kadının düşüncelerini aydınlatmak için araya girer. masanın kahramanının uzun elbisesinin beyazını parlatmak için elinden gelenin en iyisini yapan ilahi güneş, parlak yıldız. Son olarak, "İspanyolca" derken, Empresyonizmin İber Yarımadası'ndaki en tanınmış savunucularından biri olan Joaquín Sorolla'ya geliyoruz. Beyaz giyinmiş ve işin merkezinde tasvir edilen kahramanın neredeyse kesin olarak sanatçının kendi karısı Clotilde Garcià del Castillo olduğu tablo. Hızlı fırça darbeleri ve renk hareketleriyle fark edilen, figürleri yapma amacı taşıyan birkaç kromatik dokunuşla karakterize edilen kadın, Monet'nin yaptığı bir çalışma olan The Promenade'deki (1875) Camille Monet'nin uzak İspanyol kuzeni gibi görünüyor. farklı bir figüratif, mekansal ve ışıklı çerçeveleme. Dünyanın Empresyonizm hikayesi, Yue Zeng, Xuan Khanh Nguyen ve Natalya Savenkova gibi sanattaki en ikonik akımlardan birini yorumlayan Artmajeur sanatçılarının çalışmalarıyla devam ediyor.

Yue Zeng, Peyzaj çalışması #9 saman balyası , 2021. Tuval üzerine yağlı boya, 27,9 x 35,6 cm.

Yue Zeng: Peyzaj çalışması #9 Saman balyaları

Zeng'in yağlıboya tablosu, birden çok ve kısa süreli fırça darbeleriyle, tamamen Empresyonist bir tarzda, geniş ve güneşli bir buğday tarlasını tasvir ediyor; burada, sağda, işin tartışmasız kahramanı figürü, yani tipik saman balyalarından biri özetleniyor. kırsal manzaralar üzerinde düzenlenmiş çoklu ve sessiz, izleyiciye cansız bir varlığın varlığının doğasında var olan tüm iletişimsizliği aktarıyor. Böyle bir açıklama, benzer bir konuyu ölümsüzleştiren, yukarıda bahsedilen hareketin tartışmasız başyapıtlarından birini tanımlamak için kısmen "geri dönüştürülebilir": saman yığınları. Monet'nin yarattığı Saman Yığınları, Yaz Sonu adlı 1890 tarihli söz konusu eser, Fransız ustanın adeti olduğu üzere aynı konuyu çok sayıda ışıklı bakış açısıyla ölümsüzleştirerek parçalara ayırdığı bir resim serisinin parçasıdır. Bu özel durumda, sanatçı, değişen hava koşullarını aslına sadık kalarak kaydetmek için özellikle birkaç ay boyunca faaliyet gösterdiği Giverny'den çok da uzak olmayan bir tarlaya gitti. Pek çok başarı arasında, 1890'dan biri, güneş ışığıyla yıkanmış bir manzaranın tuval desteğinde işlenmesiyle öne çıkıyor; burada, aralarında sağdaki daha yakın olan iki tek buğday sapı demetinin varlığı kendini dayatıyor. izleyici için, ikincisi aslında biraz daha uzakta olmasına rağmen, saniyeden çok daha büyük çıkıyor. Son olarak, iki dilsiz buğday salkımı neredeyse romantik bir şekilde ufka bakıyor gibi görünüyor, uzaktaki varlıklarının yerini bulutlardan arınmış bir gökyüzünün sarktığı ağaçlar ve tepeler alıyor.

Xuan Khanh Nguyen, Sıra kırmızı ağaçlar #12 , 2023. Tuval üzerine akrilik, 60 x 50 cm.

Xuan Khanh Nguyen: Kırmızı ağaçların sırası #12

Frederick Childe Hassam 1859 doğumlu ABD'li Empresyonist ressam, 1890'da Celia Thaxter's Garden, Isles of Shoals, Maine'i yarattı. Ada (New Hampshire), sanatçının yakın arkadaşı şair Celia Thaxter'ın görkemli bahçesinde. Bu çalışmanın başarısının ardındaki kavram tam olarak, ressamın çiçeklerin kırmızısı ile kayalık arazinin beyazının tasvirinde sentezlediği ve uzakta okyanusla birlikte perspektif bir zemin sağlayan renk kontrastıdır. . Bahsi geçen ton eşleşmesinin sağladığı duyumlar, kırmızı ile ateşlenen ve pastel tonlarla yumuşatılan, sakin arka planın yatay dengesi üzerinde muzaffer çiçeklerin vahşi görünümünü yinelemeyi amaçlayan duyuların net bir şekilde uyarılmasını sağlar. Bu açıklama, Artmajeur Nguyen'in, Row of the red tree #12 adlı çalışmasında "büyümüş" çiçekleri gösteriyor gibi görünen ve kırmızı ağaçlara dönüşen, kendilerini kompozisyona empoze eden ve izleyicinin dikkatini çeken sanatçının tablosuyla ortak noktalara sahiptir. çevreleyen kromatikliğin sakinliği ile güçlendirildikleri için. Buna sanatçının kendi sözleriyle ek olarak, "gösterişli" akrilik, yerel geleneğe göre giyinen ve sanat yoluyla en basit günlük hayatın anlatısını somutlaştıran Vietnamlı kız öğrencilerin rutin hikayesini anlatma niyetini sürdürecekti.

Natalya Savenkova, İtalya, Riomaggiore tablosu , 2022. Tuval üzerine yağlı boya, 30 x 40 cm.

Natalya Savenkova: İtalya, Riomaggiore'yi resmediyor

Bir ressamın becerisi, gerçeğin güzelliğini veya anlamlılığını yakalamak, onu çevreleyen şeyi gözleriyle dikkatle inceleyerek, onu insanlığa yaratma gücünü gösterebilecek açıklayıcı vizyonlara "yeniden düzenlemek"tir. Oldukça romantik bir eğilime sahip olan bu sözler, insan kendini Riomaggiore (Ligurya, İtalya) çapında bir yerde, doğanın ilk önce kendini empoze ettiği mükemmel bir turizm destinasyonunda bulursa, "küçük" bir değer kazanıyor gibi görünüyor. manzaraları ve renkleri birleştirebilen, böyle bir şaheser yarattıktan sonra insanın zevk almasına izin vermeden ona aşık olması gereken çağdaş bir Pygmalion'a layık, usta bir sanatçı olarak. Tam da bu bağlamda, Cinque Terre'nin tüm varyasyonlarında mükemmel görsel ipuçları sunduğu için, sanatçının işi neredeyse kolaylaştırılmış görünüyor. Sanat tarihi içinde "sanat içinde sanat"ın bir örneğini, 19. yüzyılın ikinci yarısında Riomaggiore'ye aşık olduktan sonra oraya yerleşen Florentine Macchiaiolo Telemaco Signorini'nin üretimi bize sunuyor. Köyü farklı bakış açıları ve açılardan ölümsüzleştirdiği bir dönemde, köye olan sevgisini şu sözlerle dile getiriyordu: "O mahzenler ve merdivenlerin arasında uğrak limanının dar boğazına, yat limanına ve yat limanına indik. duyularımızın uyanışı vardı." Artmajeur sanatçısı Savenkova, bize Toskana ustasının Ligurya manzaralarını benzersiz ve orijinal bir şekilde hatırlatan bir bakış açısı sunarak Cinque Terre'ye bakışında böyle bir "kompozisyon" yaratıyor gibi görünüyor.