Скульптуры в стиле поп-арт на продажу

74 Оригинальные современные скульптуры на продажу:

Как определить Поп-арт стиль ?

Поп-арт — это художественное движение, которое впервые появилось в 1950-х годах и достигло своего пика в 1960-х годах как в Америке, так и в Великобритании, черпая вдохновение из источников популярной и коммерческой культуры. Это началось как ответ против господствующих теорий искусства, культуры и того, каким должно быть искусство. Молодые художники считали, что то, что они узнали в художественной школе и то, что они наблюдали в музеях, не имело ничего общего с их повседневной жизнью или окружающей средой. Вместо этого они использовали образы из голливудских фильмов, поп-культуры, включая комиксы, рекламу, упаковку продуктов и другие коммерческие средства массовой информации, в разительном отходе от традиционной художественной техники для создания картин и скульптур, которые охватывали повседневную жизнь в самом буквальном смысле. Поп-арт превратился в одно из самых влиятельных направлений современного искусства, возможно, в результате включения коммерческих изображений.

Используя иконографию популярной и массовой культуры, движение бросило вызов высоким художественным традициям. Через использование образов массовой культуры в искусстве, чаще всего с помощью сарказма, оно подчеркивает банальные или базовые элементы любой цивилизации. Он также должен иметь дело с методами, которые художники используют для механического воспроизведения или изображения. В поп-арте элементы иногда четко обособлены, объединены или удалены от их обычного контекста.

Со временем произошли многочисленные изменения в тенденциях искусства, и каждый раз художники создавали новые и новаторские произведения искусства. Каждое творческое начинание отдает дань уважения прошлому, одновременно прокладывая путь в будущее, изобретая новые формы. Движение поп-арт положило начало слиянию высокой и низкой культуры и создало одни из самых запоминающихся произведений искусства 20-го века. Художники со всей Европы, включая Францию, Англию, Италию, Швецию и Соединенные Штаты, произвели революцию в живописи и скульптуре, показав обычные предметы массового производства, которые никогда раньше не воспринимались всерьез в качестве предмета или содержания для искусства.

Среди самых известных художников поп-арта — Рой Лихтенштейн, Кит Харинг, Роберт Раушенберг, Ричард Гамильтон, Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Роберт Индиана, Джеймс Розенквист, Алекс Кац и Такаши Мураками.

Скульптура поп-арта

Движение поп-арта пыталось стереть различие между «высоким» искусством и «низкой» культурой, создавая картины и скульптуры икон поп-культуры. Одним из наиболее влиятельных аспектов поп-арта является идея об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника. Люди, которые хотели приобрести поп-арт, знали, что менее ценные материалы заняли место «благородных материалов», таких как дерево или бронза, и смешались с повседневными предметами. Это открыло новые возможности для скульптуры в стиле поп-арт и привело к развитию того, что мы знаем сегодня.

Скульптура LOVE Роберта Индианы, несомненно, является самым узнаваемым произведением искусства этого движения, так же как и скульптурные Brillo Энди Уорхола и коробки с томатным соком Кэмпбелла, которые так сильно потрясли мир искусства и раздвинули границы того, что составляло искусство, но другие достижения, такие как мягкие скульптуры Класа Ольденбурга, изображающего повседневные предметы монументальных размеров, во многом способствовало развитию движения. Другие скульпторы, такие как Джордж Сигал, Джефф Кунс или даже Ричард Орлински, также войдут в историю поп-арта.

Скульпторы поп-арта

Эдуардо Паолоцци (1924 - 2005)

Значимой фигурой британского послевоенного авангарда был шотландский скульптор и художник Эдуардо Паолоцци. Он считается одним из пионеров поп-арта. Его коллаж «Я был игрушкой богача», в котором сочетались элементы популярной культуры, в том числе обложка книги криминального чтива, реклама Coca-Cola и плакат для вербовки в армию, послужил важной фундаментальной частью движения поп-арт. Произведение является прекрасным примером темной стороны британского поп-арта, в котором больше внимания уделяется контрасту между блеском и богатством американской поп-культуры и экономическим и политическим нищетой британской реальности. Влияние технологий и массовой культуры на высокое искусство было подчеркнуто Паолоцци, членом независимой группы Independent Group. Хотя на протяжении всей своей карьеры он работал во многих других средствах массовой информации и всегда называл свои работы сюрреалистическим искусством, он стал более тесно связан со скульптурой.

Клас Ольденбург (1929 - 2022)

Американский скульптор Клас Ольденбург хорошо известен своими крупномасштабными копиями предметов повседневного обихода, которые он использовал в своих паблик-арт-инсталляциях. Мягкие скульптурные версии повседневных предметов - еще одна важная тема в его творчестве. Ольденбург известен созданием юмористически нелепых скульптур из еды и неодушевленных предметов. Его известная коллекция таких произведений была впервые показана в 1961 году в Нижнем Ист-Сайде, Нью-Йорк, в инсталляции художника под названием «Магазин». Ольденбург изготовил для этого проекта клубничное песочное печенье и засахаренные яблоки в качестве гипсовых скульптур. Инсталляция Ольденбурга, которая была устроена как обычный универсальный магазин и продавала его товары по низким ценам в дополнение к копированию потребительских товаров, сделала заявление об отношениях между предметами искусства и товарами. Скульптуры в «Магазине» были тщательно изготовлены вручную, несмотря на то, что они представлены так, как если бы они были произведены серийно, а сочные, выразительные мазки, покрывающие объекты в Кондитерской, кажется, пародируют серьезность абстрактного экспрессионизма, преобладающую тему в Поп-арт. В очень ироничной обстановке Ольденбург сочетает товарный предмет с эмоциональным экспрессионистским жестом.

Роберт Индиана (1928 - 2018)

Американский художник Роберт Индиана был частью движения поп-арт. В форме открытки, которую он доставил разным друзьям и знакомым в мире искусства, он первоначально разработал свой культовый образ ЛЮБОВЬ в 1964 году. Роберту Индиане было предложено создать произведение искусства для ежегодной рождественской открытки Музея современного искусства в 1965 году. на своей картине ЛЮБОВЬ Индиана представил три 12-дюймовых квадратных варианта холста, написанных маслом. Красный, синий и зеленый были выбраны музеем как самые мощные цветовые комбинации. Он быстро поднялся на вершину самых популярных карточек, которые когда-либо музей когда-либо продано. В 1966 году Индиана сотрудничал с Марианом Гудманом из Multiples, Inc., чтобы создать свою первую скульптуру LOVE из алюминия, продолжая создавать свою серию LOVE. Индиана закончил свою первую огромную скульптуру LOVE из стали Cor-Ten в 1970 году.

Джордж Сигал (1924–2000)

Американский художник и скульптор Джордж Сигал был частью движения поп-арт. Несмотря на то, что он начал свою художественную карьеру в качестве художника, Сигал наиболее известен своими отлитыми фигурами в натуральную величину и картинами, в которых они появлялись. вместо традиционных методов литья.

Марисоль (1930 - 2016)

В то время как мужчины доминировали в американском поп-арте, несколько женщин, в том числе Марисоль, участвовали в выставках вместе с ними. Однако ее творения не всегда придерживались жесткой иконографии поп-музыки. Ее блочные инертные скульптуры, остроумно отсылающие к моде, семье и кинозвездам, получили наибольшее признание благодаря слиянию народного искусства и ассамбляжа.

Джаспер Джонс (1930 г.р.)

Джаспер Джонс — один из самых известных ныне живущих художников в мире. Почти все художественные движения с 1950-х годов по настоящее время находились под влиянием его работ в области живописи, скульптуры и гравюры, включая абстрактный экспрессионизм, неодадаизм и движение поп-арт. Джонс был одним из художников, которые помогли движению поп-арта охватить общество потребления. В его произведениях в стиле поп-арт в основном представлены такие знаки, как флаги, мишени и карты. На самом деле картина «Флаг», одно из самых узнаваемых произведений поп-арта, является его самым известным творением. Считается, что он сделал это, увидев во сне американский флаг. Его творения постоянно получают миллионы долларов на аукционах и распродажах, и они часто устанавливают рекорды по самой высокой сумме, когда-либо уплаченной за произведение живого художника.

Джефф Кунс (1955 г.р.)

Американский художник Джефф Кунс известен своими работами, посвященными популярной культуре, и скульптурами, изображающими предметы повседневного обихода, например животных из воздушных шаров из нержавеющей стали с зеркальной поверхностью. Его скульптуры приобрели высокие цены, и по крайней мере две из них установили рекорды аукционов для произведений ныне живущих художников: «Собака-воздушный шар» (оранжевый) в 2013 году была продана за 58,4 миллиона долларов США, а «Кролик» в 2019 году — за 91,1 миллиона долларов США.

Кит Харинг (1958–1990)

Поп-арт американского художника Кита Харинга возник на граффити-сцене Нью-Йорка 1980-х годов. Его анимационная эстетика превратилась в хорошо известный визуальный язык. Большая часть его работ содержит сексуальные аллюзии, которые были превращены в социальные действия за счет использования изображений для повышения осведомленности о СПИДе и безопасного секса. Репутация Харинга возросла в результате его спонтанных рисунков мелом людей, собак и других стилизованных мотивов на голых черных рекламных местах в метро Нью-Йорка. Став известным, он создал яркие масштабные фрески, некоторые из которых были заказаны. В период с 1982 по 1989 год он создал более 50 публичных произведений искусства, многие из которых были бесплатными для больниц, детских садов и школ. Он расширил свою практику, открыв Pop Shop в 1986 году. Через его собственную иконографию его более поздние работы часто выражали политические и социологические темы - антикрэк, антиапартеид, безопасный секс, гомосексуальность и СПИД.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.