Exposição Roy Lichtenstein no Museu Stedelijk, 1967. Autor: Eric Koch, via Wikipedia
Roy lichtenstein
Roy Fox Lichtenstein (27 de outubro de 1923 - 29 de setembro de 1997) foi um proeminente artista pop americano conhecido por seus trabalhos ousados e vibrantes que muitas vezes se inspiravam em histórias em quadrinhos, anúncios e cultura popular. Seu estilo distinto, caracterizado pelo uso de pontos Ben-Day, contornos grossos e cores primárias brilhantes, fez dele uma figura chave no movimento Pop Art da década de 1960.
Roy Fox Lichtenstein nasceu na cidade de Nova York em uma rica família judia alemã. Lichtenstein demonstrou desde cedo um interesse pela arte e pela música, frequentando a Franklin School for Boys e mais tarde estudando brevemente na Art Students League de Nova York em 1939. Ele passou a estudar na Ohio State University, onde obteve o título de Bacharel em Belas Artes. em 1946, depois de servir no Exército dos EUA durante a Segunda Guerra Mundial.
Após a guerra, Lichtenstein retornou ao estado de Ohio para concluir seu mestrado e mais tarde lecionou lá por alguns anos. Durante este período, seu trabalho foi influenciado pelo Expressionismo Abstrato, movimento artístico dominante da época. No entanto, seu estilo passou por uma transformação significativa no início da década de 1960, quando começou a incorporar elementos da cultura popular em sua arte.
A descoberta de Lichtenstein veio em 1961 com sua pintura "Look Mickey", que marcou o início do uso de imagens de histórias em quadrinhos. Ele ficou famoso por obras como "Whaam!" e "Drowning Girl", que foi baseada em painéis de histórias em quadrinhos. Esses trabalhos se destacaram pela reprodução meticulosa do processo de impressão de pontos Ben-Day, comumente usado na impressão comercial para criar sombreamento e textura.
Roy Lichtenstein - As I Opened Fire (Tríptico). Litografia Offset. Tamanho da imagem: 23,75 x 19,5 pol. Tamanho do papel: 25 x 62 pol.
Sua técnica envolvia a pintura por meio de estênceis para criar os pontos, imitando o processo mecânico utilizado na mídia de massa. Esta abordagem desafiou as noções tradicionais de belas-artes ao confundir os limites entre a alta e a baixa cultura, e posicionou Lichtenstein como uma figura líder no movimento Pop Art ao lado de contemporâneos como Andy Warhol, Claes Oldenburg e James Rosenquist.
Ao longo das décadas de 1960 e 1970, Lichtenstein continuou a explorar temas de consumismo, mídia e história da arte. Produziu séries que reinterpretaram obras de artistas como Picasso, Mondrian e Monet, mostrando sua versatilidade e profundo envolvimento com a história da arte. Os trabalhos posteriores de Lichtenstein também incluíram esculturas, murais e gravuras, expandindo sua influência para além da pintura.
O trabalho de Roy Lichtenstein teve um impacto duradouro no mundo da arte. Sua capacidade de elevar a arte dos quadrinhos ao reino das belas-artes desafiou noções preconcebidas sobre valor artístico e originalidade. Ele realizou inúmeras exposições em todo o mundo e recebeu muitas homenagens, inclusive sendo eleito para a Academia Americana de Artes e Letras.
Lichtenstein faleceu em 29 de setembro de 1997, na cidade de Nova York, de pneumonia. Suas obras continuam a ser celebradas e exibidas globalmente, e sua influência pode ser vista na arte contemporânea, na publicidade e na cultura popular. A Fundação Roy Lichtenstein, criada em 1999, trabalha para preservar e promover o seu legado, garantindo que as suas contribuições para a arte continuem a inspirar as gerações futuras.
Roy Lichtenstein – No carro. Litografia. Tamanho do papel: 27,5 x 27,5 pol.
Arte em quadrinhos: Whaam de Lichtenstein! e garota se afogando
A ascensão de Roy Lichtenstein à fama começou no início dos anos 1960, um período transformador tanto para sua carreira quanto para o mundo da arte. Depois de experimentar o Expressionismo Abstrato e outros estilos, a descoberta de Lichtenstein veio em 1961 com sua pintura "Look Mickey", que apresentava uma imagem de quadrinhos de Mickey Mouse e Pato Donald. Este trabalho marcou o início de seu estilo característico, caracterizado pelo uso de pontos Ben-Day, linhas ousadas e cores vibrantes que imitavam a estética da impressão comercial.
O trabalho de Lichtenstein durante esse período muitas vezes baseava-se diretamente em histórias em quadrinhos e anúncios, um afastamento total dos temas tradicionais das belas-artes. Sua primeira exposição individual na Galeria Leo Castelli, em Nova York, em 1962, foi um sucesso de crítica, estabelecendo-o como uma figura-chave no movimento emergente da Pop Art. Obras icônicas como "Whaam!" e "Drowning Girl" se seguiram, consolidando sua reputação. Estas pinturas não só mostraram a sua habilidade técnica em replicar a aparência mecânica da mídia impressa, mas também comentaram sobre a influência generalizada da cultura de massa.
A pintura de Roy Lichtenstein "Whaam!" é uma de suas obras de arte pop mais famosas, criada em 1963. É um díptico, composto por duas grandes telas, e é um excelente exemplo do uso de imagens de quadrinhos por Lichtenstein para fazer belas artes. A pintura é baseada em uma imagem de uma edição de 1962 da revista em quadrinhos “All American Men of War”, que Lichtenstein transformou em uma obra de arte ousada e dramática.
"Uau!" retrata um caça a jato disparando um foguete contra um avião inimigo, que explode em uma explosão de fogo. O painel esquerdo mostra o jato, com a palavra "Whaam!" exibido com destaque em um balão de fala dramático e irregular. O painel direito concentra-se na explosão, enfatizando o impacto violento do ataque do foguete. O uso de cores primárias, linhas pretas grossas e pontos Ben-Day imitam as técnicas de impressão dos quadrinhos, criando um efeito visual poderoso.
O trabalho de Lichtenstein é frequentemente associado ao movimento Pop Art, que surgiu nas décadas de 1950 e 1960. A Pop Art procurou confundir as fronteiras entre a "alta" arte e a "baixa" cultura, incorporando imagens da publicidade, dos quadrinhos e da vida cotidiana nas belas-artes. "Uau!" exemplifica essa abordagem, transformando uma cena mundana de quadrinhos em uma obra de arte monumental e instigante.
"Uau!" está na coleção da Tate Gallery em Londres. Continua a ser uma peça significativa no estudo da arte pop e da obra de Lichtenstein, ilustrando a sua capacidade de elevar a cultura popular ao nível das belas-artes ao mesmo tempo que comenta temas de heroísmo, conflito e meios de comunicação de massa.
"Drowning Girl" é outra pintura icônica de Roy Lichtenstein, criada em 1963, mesmo ano de "Whaam!" Esta obra é um exemplo por excelência do estilo de Lichtenstein, fortemente influenciado pela arte dos quadrinhos. Retrata uma mulher em um momento dramático de angústia, submersa em águas turbulentas, com um balão de pensamento que diz: "Não me importo! Prefiro afundar - do que pedir ajuda a Brad!"
A pintura é baseada em uma imagem da série de quadrinhos "Secret Hearts" (nº 83, 1962), especificamente de um painel ilustrado por Tony Abruzzo. Lichtenstein alterou o painel cômico original, focando no rosto da mulher e nas ondas, e modificando o texto para aumentar o impacto emocional.
"Drowning Girl" apresenta o uso característico de pontos Ben-Day de Lichtenstein, contornos pretos grossos e uma paleta de cores limitada dominada por azul, preto e branco. Essas técnicas imitam o processo de impressão dos quadrinhos, criando uma qualidade gráfica plana que enfatiza a natureza melodramática da cena. A pintura também é conhecida por sua intensidade emocional e pelo forte contraste entre a beleza serena do rosto da menina e o redemoinho caótico de água ao seu redor.
Este trabalho é frequentemente interpretado como um comentário sobre o retrato estereotipado das mulheres na cultura popular, especialmente nos quadrinhos românticos da época. O uso de um estilo de história em quadrinhos por Lichtenstein em um contexto de belas artes desafia as noções tradicionais de arte e destaca a influência da mídia de massa na vida contemporânea.
"Drowning Girl" está na coleção do Museu de Arte Moderna (MoMA) da cidade de Nova York. Continua a ser uma das obras mais célebres de Lichtenstein, incorporando a essência da Pop Art ao transformar uma peça da cultura popular numa obra de arte profunda e duradoura.
A revolução das pinceladas da Pop Art
De meados da década de 1960 a 1970 representou o auge da carreira de Lichtenstein em termos de perfil público e aclamação da crítica. Nessa época, foi celebrado como um dos principais artistas do movimento Pop Art, ao lado de figuras como Andy Warhol e James Rosenquist. O trabalho de Lichtenstein foi apresentado em grandes exposições em todo o mundo e recebeu ampla atenção da mídia.
Em 1964, representou os Estados Unidos na Bienal de Veneza, uma das exposições de arte mais prestigiadas do mundo. A sua inclusão neste evento sinalizou a sua aceitação e reconhecimento pela comunidade artística internacional. Ao longo deste período, Lichtenstein continuou a inovar, expandindo o seu repertório para incluir obras que reinterpretavam obras-primas de artistas como Pablo Picasso, Claude Monet e Henri Matisse. Estas reinterpretações mostraram o seu profundo envolvimento com a história da arte e demonstraram a sua versatilidade como artista.
A série "Brushstrokes" de Lichtenstein de meados da década de 1960, que parodiou as pinceladas gestuais do Expressionismo Abstrato, destacou ainda mais sua capacidade de misturar crítica com homenagem. Este período também o viu experimentar esculturas, gravuras e murais de grande escala, ampliando seu impacto artístico.
Ao contrário dos seus trabalhos anteriores, que se inspiraram fortemente nas histórias em quadrinhos, a série "Pinceladas" centra-se no próprio gesto pictórico, um conceito central para o Expressionismo Abstrato, que dominou o mundo da arte nas décadas anteriores à ascensão de Lichtenstein.
A série começou com a pintura "Pincelada" em 1965, onde Lichtenstein retratou uma pincelada única e exagerada usando seu estilo característico de quadrinhos. Esta obra, juntamente com outras da série, apresenta pinceladas grandes e ousadas que parecem ter sido pintadas com grande espontaneidade e expressão. No entanto, nas mãos de Lichtenstein, esses traços são renderizados com precisão meticulosa usando pontos Ben-Day, cores planas e contornos pretos grossos, imitando as técnicas de reprodução mecânica dos quadrinhos impressos.
A série "Pinceladas" de Lichtenstein é um comentário lúdico e irônico sobre o movimento Expressionista Abstrato, que celebrava a natureza emotiva e pessoal da pincelada do artista. Ao transformar estas marcas expressivas em imagens estilizadas, semelhantes a desenhos animados, Lichtenstein desafia a noção romântica do artista heróico e a autenticidade dos gestos pictóricos. A série destaca a tensão entre produção em massa e individualidade, tema recorrente na Pop Art.
A série "Pinceladas" inclui várias pinturas, gravuras e esculturas, cada uma enfatizando diferentes aspectos do motivo da pincelada. Obras notáveis da série são "Big Painting No. 6" (1965), "Little Big Painting" (1965) e "Yellow and Green Brushstrokes" (1966). Cada peça sublinha a capacidade de Lichtenstein de misturar arte erudita com cultura popular, questionando os limites da expressão artística.
As obras posteriores de Lichtenstein
Na década de 1970, Roy Lichtenstein estabeleceu-se firmemente como uma figura importante na arte contemporânea. Suas obras foram coletadas por grandes museus e colecionadores particulares, e ele recebeu inúmeras homenagens e prêmios. A influência de Lichtenstein estendeu-se além do mundo da arte, impactando a publicidade, o design gráfico e a cultura popular.
Durante uma visita a Los Angeles em 1978, Roy Lichtenstein ficou cativado pela coleção de gravuras e livros ilustrados do expressionismo alemão do advogado Robert Rifkind. Este encontro inspirou-o a incorporar elementos estilísticos da pintura expressionista nas suas próprias obras, por exemplo "A Árvore Branca" (1980). Lichtenstein usou pequenos desenhos a lápis de cor como modelos para xilogravuras, uma técnica preferida por artistas como Emil Nolde, Max Pechstein, Dix e Ernst Ludwig Kirchner.
No final da década de 1970, o estilo de Lichtenstein evoluiu para obras mais surrealistas, como "Pow Wow" (1979). Ele embarcou em uma série significativa de pinturas pop surrealistas de 1979 a 1981, centradas em temas nativos americanos. Essas obras variavam de peças como "Amerind Figure" , uma escultura aerodinâmica em tamanho real em bronze patinado preto que lembra um totem, até a monumental tapeçaria de lã "Amerind Landscape" . A série "Indian" inspirou-se na arte contemporânea e em fontes como livros sobre design indígena americano da biblioteca pessoal de Lichtenstein, continuando sua exploração de motivos híbridos surrealista-pop.
As obras de natureza morta de Lichtenstein, que vão de 1972 ao início da década de 1980, abrangem uma variedade de temas, incluindo motivos tradicionais como frutas, flores e vasos. Em 1983, ele criou dois cartazes intitulados “Contra o Apartheid” , refletindo sua posição sobre o assunto. Sua série Reflection, produzida de 1988 a 1990, revisita e reinterpreta motivos de seus trabalhos anteriores. A série Interiores (1991–1992) retrata cenas domésticas do cotidiano inspiradas em anúncios de móveis encontrados em listas telefônicas e outdoors.
Inspirada nas gravuras monocromáticas de Edgar Degas expostas no Metropolitan Museum of Art em 1994, a série Paisagens no Estilo Chinês de Lichtenstein apresenta motivos criados usando pontos simulados de Ben-Day e contornos de blocos arrojados, caracterizados por cores vivas e uma falta deliberada de pinceladas visíveis. A figura nua também é recorrente na arte de Lichtenstein da década de 1990, como pode ser visto em obras como "Colagem para Nu com Camisa Vermelha" (1995).
Sua capacidade de transformar imagens mundanas e cotidianas em arte erudita desafiou as hierarquias tradicionais e redefiniu o que poderia ser considerado arte. Andy Warhol e Roy Lichtenstein revolucionaram o mundo da arte através das suas criações icónicas da Pop Art na década de 1960. O fascínio de Warhol pela produção em massa e pela cultura das celebridades e o uso de imagens de quadrinhos e cores ousadas por Lichtenstein desafiaram as convenções artísticas tradicionais, tornando-os figuras centrais na história da arte moderna.
Selena Mattei
