Jerome Labrunerie:

O que inspirou você a criar obras de arte e se tornar um artista? (eventos, sentimentos, experiências...)

Desde muito jovem a arte está comigo. Minha primeira influência artística vem do meu pai. Um evento em particular teve um impacto profundo em mim: um desenho que ele fez para mim de um lobo. Era tão preciso e realista que me assustou tanto quanto me fascinou. Essa imagem vívida do lobo nunca me abandonou.

Em casa, os quadrinhos estavam por toda parte: minha mãe e meu padrasto sempre os tinham, e eu os devorava – fosse Mickey Mouse, Pif (que minha mãe lia para mim quando eu era pequeno) ou clássicos como Asterix e Obelix. Essa leitura alimentou minha imaginação, meu gosto pela arte, pelos jogos de palavras e pelas cores, aprimorando minha sensibilidade visual e narrativa.

Quando eu era criança, tive um grande amigo que era um verdadeiro gênio do desenho. Desde o ensino fundamental, ele desenhava com uma habilidade impressionante, como se possuísse um lápis mágico. Mais tarde, ele se tornou um arquiteto muito respeitado, uma prova de seu talento excepcional. Sua maneira de desenhar me inspirou profundamente.

Os quadrinhos clássicos – Blueberry, Valérian, Natacha, assim como Gaston de Franquin – refinaram meu senso crítico e enriqueceram minha cultura visual. O humor de Gaston e a profundidade de Blueberry, graças em particular ao trabalho extraordinário de Moebius, tiveram uma grande influência sobre mim.

Apesar de todas essas influências, eu não planejava me tornar um artista; Esse caminho foi tomando forma ao longo do tempo.

Depois de mais de vinte anos na produção de vídeos para televisão, minha situação profissional se deteriorou, em parte porque eu era autônomo e as oportunidades estavam se tornando cada vez mais raras. Para me sustentar, tive que trabalhar como motorista e dirigir táxis à noite. Foi durante esse período que senti uma necessidade crescente de pintar: pintar se tornou para mim um meio de fuga e expressão, uma fuga de um mundo de trabalho que não me convinha mais.

Um amigo próximo, que viu minha paixão, talento e comprometimento, me deu apoio financeiro e me incentivou a seguir meus instintos e realizar meu potencial. Ela começou a me comprar equipamentos de melhor qualidade. Ela acreditou no meu trabalho e investiu em mim – ela foi o gatilho para o meu comprometimento artístico.

Qual é sua formação artística, as técnicas e os temas que você experimentou até hoje?

Minha jornada artística não seguiu o caminho convencional. Antes de me dedicar integralmente à pintura, trabalhei dez anos como gerente de pedidos em empresas alemãs, trabalho que não me agradava muito devido ao ambiente hierárquico e relacional que não condizia com minha personalidade, apesar de um certo espírito de equipe.

Ao mesmo tempo, a pintura sempre fez parte da minha vida. Mesmo durante esse período, reservei um tempo para pintar em papel Canson ou outros suportes, uma verdadeira válvula de escape que me permitiu escapar e me reconectar com minhas emoções, especialmente como pai.

Hoje, trabalho exclusivamente com óleo em grandes formatos, o que me permite explorar totalmente o material, a textura e as cores. Experimento em particular o impasto para dar relevo e profundidade às minhas telas, e o óleo de grande formato se tornou meu meio de expressão preferido, oferecendo-me imersão total no processo criativo.

Quais são os 3 aspectos que diferenciam você de outros artistas, tornando seu trabalho único?

Interesse pela condição humana e pela abordagem introspectiva aos retratos: Meu trabalho explora o mundo interior dos personagens, capturando momentos íntimos e reflexivos para trazer à tona emoções cruas.

O uso de cores brilhantes, impasto e glitter para criar uma textura e presença fortes: procuro transmitir uma energia intensa por meio de minhas escolhas de cores e minha técnica, principalmente com a adição de glitter, que realça minhas pinturas sem ser vulgar.

Minha experiência no mundo do cinema: Minha experiência em produção de vídeo me inspira e influencia a maneira como componho meus trabalhos, como cenas de filmes, contando uma história visual forte.

Além disso, inventei o termo “imprealismo”, uma fusão de impressionismo e realismo, que resume perfeitamente minha abordagem de personagens e cenas de rua.

De onde vem sua inspiração?

Minhas inspirações vêm de tudo ao meu redor: imagens, ideias e pensamentos que passam constantemente pela minha mente, às vezes desencadeados por um encontro, um momento específico ou um simples detalhe da vida cotidiana. Sou particularmente sensível às emoções despertadas pelas pessoas e pelos momentos da vida, e meu olhar está constantemente em busca daquelas pequenas coisas que nos tocam sutilmente.

Essa fonte inesgotável é enriquecida pelas influências do cinema, da música e da história da arte, que desempenham um papel determinante na maneira como componho minhas pinturas, como uma linguagem universal traduzida pela forma e pela cor.

Qual é sua abordagem artística? Que visões, sensações ou sentimentos você quer evocar no espectador?

Procuro capturar a alma das pessoas que represento e transmitir uma emoção crua e autêntica. Meus trabalhos, particularmente minhas pinturas recentes de dançarinos, exploram a graça e a energia do movimento brincando com luz e material. Quero que cada tela conte uma história e convide o observador a sentir uma conexão íntima com o tema, transportando-o para um universo onde a emoção tem precedência sobre a simples representação.

Como é o processo de criação de suas obras? Espontâneo ou com um longo processo preparatório?

Meu processo criativo é bastante premeditado. Muitas vezes, tenho uma ideia em mente com vários dias de antecedência — às vezes um ou dois dias antes de começar — e alguns trabalhos exigem consideração cuidadosa. Dou grande importância em fazer um esboço a lápis muito preciso, porque dedico tempo para reproduzir meticulosamente o que vejo.

No início da minha prática, eu pintava de uma só vez, cor por cor, sem esperar o óleo secar, o que me permitiu criar um estilo bem definido que foi muito popular. Este trabalho foi feito ao longo de vários dias (entre cinco e seis dias por pintura).

Em meus trabalhos recentes, adicionar glitter exigiu uma tarefa específica: primeiro aplicar cola e depois organizá-la cuidadosamente na superfície escolhida. Esse processo exige harmonização para que o brilho do glitter combine perfeitamente com a tinta.

Você usa alguma técnica de trabalho específica?

Trabalho com óleo em grandes formatos, aplicando a tinta com uma técnica de impasto que dá às minhas telas uma textura viva. Ultimamente, incorporei o uso de glitter em meus trabalhos para criar reflexos e brincar com a luz de diferentes ângulos.

Há algum aspecto inovador no seu trabalho?

Meu uso de materiais e cores saturadas (brilhantes e intensas) cria uma textura rica e uma intensidade visual única. Trabalho exclusivamente com tinta a óleo, sem usar água, solventes ou diluentes, o que torna a aplicação particularmente difícil, principalmente quando a tinta é muito espessa. Não crio uma linha com uma única pincelada, mas sobreponho várias pinceladas para obter a textura áspera e o efeito desejado.

Você tem um formato ou meio com o qual se sente mais confortável?

Comecei com formatos pequenos como todo mundo, mas hoje prefiro trabalhar em formatos grandes, geralmente 100 x 140 cm, ou até 160 x 120 cm para certos trabalhos. Essas dimensões me permitem maior liberdade de movimento e imersão total na obra. No entanto, transportar essas obras pode ser difícil, especialmente em um carro de tamanho modesto, e é por isso que atualmente prefiro formatos em torno de 100 x 140 cm.

Onde você produz suas obras?

Produzo meus trabalhos na minha sala de estar, que mede aproximadamente 32 m². Este espaço, embora não tenha sido projetado especificamente para pintura, é meu espaço criativo. Cada sessão exige reorganização do espaço, preparação das telas, cores e materiais, o que leva tempo e motivação. Não é o ambiente ideal de uma oficina dedicada e, às vezes, a configuração parece restritiva para mim. No entanto, provei que é possível criar belas obras mesmo em um espaço modesto, embora um estúdio dedicado me permitisse trabalhar com mais tranquilidade.

Seu trabalho exige que você viaje?

Meu trabalho realmente me leva a viajar, principalmente em busca de inspiração. Como parisiense, volto regularmente a Paris, especialmente no início do verão, para me inspirar na cidade. Fotografo pessoas e cenas de rua de lá, redescobrindo a cidade como um turista, apesar de ter crescido lá. Esses passeios me permitem explorar lugares que eu não estava acostumado a visitar, enriquecendo assim meus trabalhos. Além disso, já tive a oportunidade de viajar para exposições e espero que essas viagens se desenvolvam ainda mais nos próximos anos.

Como você imagina a evolução do seu trabalho e da sua carreira como artista no futuro?

Para mim, a evolução é essencial na jornada de um artista. Não devemos estagnar ou nos contentar em reproduzir constantemente a mesma coisa, mesmo que isso possa garantir uma certa fama. Um artista deve saber se questionar, de acordo com seus desejos e seu desejo de renovação, e não há nada de errado em explorar novos temas ou mudar completamente de direção. Essa capacidade de evolução é parte integrante da minha abordagem artística, assim como minha experiência em vídeo, onde cada sujeito era diferente e enriquecido por experiências diversas. Estou constantemente buscando experimentar e me reinventar.

Qual é o tema, estilo ou técnica da sua última produção artística?

Até agora, trabalhei principalmente com dançarinos. Recentemente, pintei um retrato de Catherine Deneuve em seu vestido “cor de lua”, inspirado no filme Pele de Asno – um filme que marcou minha infância, principalmente graças à música de Michel Legrand e ao trabalho de Jacques Demy. Este retrato é uma mistura de tinta e glitter, um trabalho que me levou vários meses. O vestido, com seu efeito prateado, constitui o elemento central da obra. Já faz cerca de seis meses que venho experimentando glitter, uma técnica que provoca reações variadas: algumas gostam do aspecto brilhante, enquanto outras são menos sensíveis a ele. De qualquer forma, sou um defensor do glitter, que uso cuidadosamente para trazer algo novo e cativante à pintura.

Você pode nos contar sobre sua experiência mais importante em uma exposição?

Uma das minhas primeiras exposições significativas aconteceu em Metz, França. Foi uma verdadeira aventura sair de Munique com algumas pinturas de tamanho médio para minha primeira exposição. Não tendo experiência, fiquei um pouco nervoso, mas vendo minhas obras expostas lado a lado entre as de cerca de trinta a quarenta outros expositores, senti que minhas pinturas eram interessantes, até bonitas, e que eu não estava abaixo do nível dos outros artistas. Esse sentimento me tranquilizou enormemente, principalmente porque, ao longo de um fim de semana, os visitantes votaram em suas obras favoritas e tive a sorte de ganhar o segundo prêmio.

Se você pudesse criar uma obra famosa na história da arte, qual escolheria? E por quê?

Uma pintura que me impactou muito na infância foi um dos palhaços tristes de Bernard Buffet, que meus pais pregaram em um móvel aos pés da minha cama. Eu o via constantemente e, embora não saiba se o amava naquela época, ele se tornou uma imagem indelével no meu subconsciente. Ainda hoje aprecio o trabalho de Bernard Buffet.

Além disso, A Origem do Mundo, de Gustave Courbet, seria uma obra que eu gostaria de ter criado, com toda a provocação e beleza que ela implica, porque é uma das mais belas representações do sexo feminino. Também criei minha própria versão moderna e abstrata deste trabalho, correndo menos riscos — por exemplo, pintando um triângulo no meio — para modernizar o assunto sem ser muito chocante.

Se você pudesse convidar qualquer artista famoso (vivo ou morto) para jantar, quem seria? Como você passaria a noite com ele/ela?

Eu adoraria jantar com Edgar Degas para falar sobre seus dançarinos, cuja capacidade de capturar movimento e luz ressoa profundamente com meu próprio trabalho. Gostaria também de compartilhar um momento com Van Gogh, que considero um dos mestres do Impressionismo – um artista de intensa sensibilidade, às vezes sofrido, mas cuja visão me inspira enormemente.

Entre os artistas masculinos, Toulouse-Lautrec também ocupa um lugar especial: descobri, antes da morte da minha avó, que ele era seu pintor favorito. Além dessa conexão pessoal, sua jornada é fascinante: ele viveu em uma época vibrante, marcada pela prostituição, mulheres bonitas, música e o cancan francês. Apesar de seu físico pouco atraente, ele foi capaz de transformar suas fraquezas em força artística, transcrevendo a beleza de seu universo com cores incríveis.

No entanto, se eu tivesse escolha, preferiria compartilhar esse jantar com uma mulher. Minha escolha seria Berthe Morisot, cuja abordagem muito feminina à pintura — com cenas da vida aparentemente banais, mas muito bonitas e sensíveis — me toca particularmente. Admiro o aspecto romântico e intimista de suas obras.