SEN (2023) Pintura de Malgorzata Lodygowska
Você é um amante dos animais e quer saber tudo sobre eles? Você fica acordado à noite porque também é apaixonado por arte e deseja ansiosamente descobrir mais sobre a conexão entre os animais e as disciplinas criativas? Então segure-se nos braços, porque aqui você encontrará respostas para todas as perguntas que perturbam o seu coração!
Na verdade, conduzi pessoalmente uma investigação para compreender quais as espécies que foram retratadas com mais frequência ao longo da longa narrativa da história da arte. Após examinar um número considerável de volumes, tive uma espécie de revelação: a recorrência de cavalos, cães, gatos e pássaros em pinturas, esculturas e desenhos é bastante evidente, mas por que isso acontece?
LA CABRADE (2023) Escultura de Audrey Fléchet
UM CAVALISTA (2024) Pintura de Bertrand Joliet
Começando pela questão dos cavalos, é inegável que a sua popularidade nas artes visuais decorre do seu papel fundamental na história da humanidade, tanto como meio de transporte e trabalho, como em contextos militares. Sua força, velocidade e resistência os tornaram indispensáveis para batalhas e para o transporte de mercadorias e pessoas. No entanto, a sua representação frequente nas artes não se deve apenas à sua presença na vida humana quotidiana, mas também porque os cavalos têm sido frequentemente retratados como símbolos de poder e nobreza, inextricavelmente ligados a retratos equestres de reis e nobres, destinados a expressar a sua autoridade e majestade. Além disso, na mitologia grega, esses animais eram associados a divindades como Poseidon e, em muitas outras culturas, eram vistos como sagrados ou ligados a diversas lendas heróicas.
Numa perspectiva mais estritamente histórico-artística, é possível destacar como os cavalos foram representados na arte ao longo da história: durante a pré-história, o animal apareceu em pinturas rupestres como as de Lascaux; no mundo antigo, as imagens equinas eram comuns na arte egípcia, grega e romana, como exemplificado pela conhecida estátua equestre de Marco Aurélio. A Renascença trouxe ainda mais interesse anatômico pelo cavalo com artistas como Leonardo da Vinci, Rafael e Ticiano. Nos séculos XVIII e XIX, mestres como George Stubbs e Rosa Bonheur eram conhecidos pelas suas representações detalhadas de animais. Nos séculos 20 e 21, um exemplo notável é o pintor Sir Alfred Munnings, que até se especializou em temas equinos. No entanto, na arte moderna, os cavalos aparecem com menos frequência do que no passado. Por que isso pode acontecer? Isso poderia ser atribuído ao fato de esses animais terem se tornado menos presentes em nossas vidas e, consequentemente, menos representados nas telas dos artistas.
Abordando especificamente os gêneros em que os cavalos foram mais imortalizados, eles eram populares na arte militar e de guerra, como demonstrado pelo famoso exemplo de "A Batalha de San Romano", de Paolo Uccello. O tema das corridas de cavalos inspirou mestres como Edgar Degas e influenciou o gênio fotográfico Eadweard Muybridge. Por fim, no contexto das cenas de caça e da vida rural, destacam-se as obras de Giovanni Fattori, enquanto o oeste americano é exemplificado na perspectiva de Frederic Remington.
Movendo-se para visões mais contemporâneas, a arte moderna muitas vezes pegou temas famosos da arte clássica e os retratou de maneiras novas e surpreendentes. Esta prática não só homenageia as tradições artísticas do passado, mas também as renova e reinterpreta através de novas perspectivas, técnicas e conceitos. Um exemplo emblemático desta reinterpretação inovadora é o famoso “Guernica” de Pablo Picasso. Criada em 1937, esta obra-prima cubista representa a devastação e o horror da Guerra Civil Espanhola. No centro da composição está um cavalo gritando, cujo corpo está distorcido e fragmentado. Este animal, longe da representação tradicional de força e nobreza, simboliza o sofrimento e a brutalidade da guerra. A distorção da sua forma transmite uma sensação de angústia e desorientação, amplificando a mensagem de caos e violência da pintura. Outro exemplo de inovação na representação de cavalos está na obra de Marino Marini, escultor italiano do século XX. Suas obras caracterizam-se por uma forte estilização e simplificação de formas. Marini reinterpretou os cavalos não como meros animais, mas como símbolos poderosos, muitas vezes utilizando estas figuras para explorar temas complexos como o conflito, o dinamismo e a relação entre o homem e a natureza, onde a tensão entre o cavalo e o cavaleiro é um elemento recorrente.
HARMONIA - (HIPNÓTICO, EQUUS MONOCROMÁTICO) (2023) Pintura de Richard Brandão
De forma igualmente inovadora, a pintura acrílica “Harmonia” retrata de perfil um cavalo em pé. Esta obra faz parte de uma série do artista Artmajeur Richard Brandão, que apresenta pinturas monocromáticas do mesmo tema, executadas em tons de marrom com abordagem minimalista. A redução de elementos visa oferecer uma experiência visual poderosa, convidando o espectador à contemplação e à reflexão.
Brandão, quebrando convenções e lembrando-nos a capacidade da arte de transmitir emoções profundas através da simplicidade, celebra os cavalos explorando o conceito de dinamismo. A peça pode de facto estar ligada ao movimento da Op Art, um género artístico que brinca com ilusões de ótica e movimento. Na verdade, as linhas sinuosas e as formas fluidas da pintura criam um efeito hipnótico, transmitindo uma sensação de movimento contínuo. Esta abordagem não é apenas visualmente estimulante, mas também ressoa profundamente com a natureza intrínseca do cavalo, um animal conhecido pela sua velocidade e agilidade.
BON DÉLIRE (2024) Pintura de Aurélie Quentin
Semelhante aos cavalos, a popularidade dos cães nas artes visuais decorre do seu papel fundamental na história da humanidade, tanto como companheiros amorosos e leais como como guardiões e caçadores. Com efeito, para além de serem mestres nesta última actividade, os cães têm sido frequentemente retratados como símbolos de amizade, amor, fidelidade e protecção, indissociavelmente ligados a retratos de família e cenas domésticas, onde expressavam a segurança e o afecto que representavam.
Mas como chegamos a este ponto? As primeiras representações de cães datam da Idade do Bronze! Nesse período, ilustrações nas paredes dos túmulos, bem como estátuas, brinquedos infantis e cerâmicas representando cães, comumente mostravam cães de caça. Nos mundos grego e romano, os cães eram frequentemente representados em relevos e cerâmicas, já simbolizando a fidelidade e dados como presentes entre os amantes. Além disso, os antigos romanos criavam três tipos de cães: cães de caça, especialmente galgos; Cães molossianos como o Mastim Napolitano, frequentemente representados em relevos e mosaicos com as palavras "Cave Canem"; e pequenos cães de companhia como o maltês, usados como cachorrinhos pelas mulheres. Os galgos eram frequentemente representados como esculturas, enquanto cães grandes eram usados na guerra pelo exército romano.
As cenas de caça eram temas recorrentes na arte medieval e renascentista. Durante a Idade Média, a caça era um desporto exclusivo da aristocracia, pelo que representações de pessoas com cães, falcões ou falcões indicavam o seu estatuto social. Um exemplo de tal evento é retratado por Pisanello, renomado pintor renascentista, em sua obra “A Visão de Santo Eustáquio”. Durante este mesmo período, os cães, símbolos de fidelidade e lealdade, eram muito populares em pinturas alegóricas, muitas vezes retratando casais ou a lealdade das viúvas. Um exemplo notável deste simbolismo está presente no famoso "Retrato de Arnolfini" de Jan van Eyck, uma pintura a óleo sobre painel de carvalho de 1434.
Nos séculos XVI e XVII, os cães continuaram a ser retratados em cenas de caça como símbolos de status social, como cachorrinhos ou, às vezes, como companheiros pessoais. À medida que os cães se tornaram cada vez mais domesticados, eles foram mais frequentemente representados como animais de companhia. No século 18, os retratos de cães tornaram-se cada vez mais populares, sendo o exemplo mais notável do gênero "A Distinguished Member of the Humane Society", pintado em 1838 por Sir Edwin Landseer.
Finalmente, alguns dos maiores mestres do século XX imortalizaram estes animais de forma inovadora, incluindo Pablo Picasso, Giacomo Balla, Francis Bacon e Keith Haring. Tal como estes artistas, os artistas contemporâneos continuam a tradição de representar cães, promovendo o desenvolvimento de representações variadas e altamente pessoais, como pode ser visto nas obras de Jeff Koons, David Hockney e Banksy.
PATO DE CÃO 3 (2022) Pintura de Anna Voronina
A respeito de um exemplo contemporâneo, a pintura "Dog's Duck 3", da artista Artmajeur Anna Voronina, inspira-se em retratos de cães do século XVIII, mas humaniza o tema. Nos tempos antigos, os cães eram frequentemente retratados em seus papéis selvagens relacionados à caça e, mais tarde, como símbolos de amor e fidelidade ou como companheiros de damas aristocráticas. Nesta pintura, porém, o cão atinge seu clímax evolutivo, tornando-se tão próximo dos humanos que adota seus hábitos.
A obra mostra o animal com uma toalha enrolada na cabeça, uma fatia de pepino sobre um dos olhos e um pato de borracha na boca, como se estivesse no meio de uma sessão de cuidados de beleza para animais de estimação. "Dog's Duck 3" faz parte da série "Funny Animals" do artista, concebida para explorar o vínculo estreito entre cães e humanos, transformando o animal em um membro da família. Este envolvimento emocional é complementado pela vertente cromática; segundo Goethe e Kandinsky, o fundo vermelho é uma cor positiva que traz alegria, atividade e energia, tornando a imagem ainda mais emocionante e viva.
CATTON. SÉRIE “ESTEREÓTIPOS DE GÊNERO COSTUDOS” (2022) Colagens de Lena Ash.
O gato, com sua elegância enigmática e comportamento sensual, sempre exerceu um encanto irresistível nos humanos. Este felino, símbolo de independência e graça, era adorado como uma divindade no antigo Egito, embora mais tarde tenha caído em desgraça...
Comecemos falando dos anos de glória do gato, pois nenhuma cultura existente celebrava tanto o animal quanto os citados egípcios, que consideravam os gatos tão sagrados que os retratavam em papiros, pinturas murais e sarcófagos. Isso porque o felino, muitas vezes acompanhando o falecido em sua jornada para o além e sendo mumificado com seu dono, era associado a Bastet, a deusa da fertilidade e da feminilidade. No entanto, por volta de 500 a.C., os gatos chegaram à Europa vindos da Grécia antiga através de navios mercantes. Inicialmente considerados exóticos, gradualmente adquiriram o papel mais prático de caçadores de roedores, tal como aconteceu na Roma antiga.
Na Idade Média, no entanto, os gatos caíram em desgraça, pois eram frequentemente associados à bruxaria e ao mal devido à sua natureza noturna e misteriosa. Durante este período, as representações artísticas muitas vezes refletiam esta visão negativa do animal, ligando-os a símbolos de preguiça e luxúria. No entanto, com o Renascimento, as atitudes em relação aos gatos começaram a mudar. Mestres como Leonardo da Vinci estudaram-nos cientificamente, apreciando a sua beleza e comportamento. Mesmo assim, persistiram representações negativas do felino, como na “Última Ceia” de Ghirlandaio, onde o animal aparece ao lado de Judas.
Nos séculos XVII e XVIII, estes animais começaram a aparecer em serenas cenas domésticas, como as de Louis Le Nain, bem como nas naturezas mortas de Clara Peeters. Finalmente, nos séculos XIX e XX, os gatos tornaram-se protagonistas de artes mais experimentais e temas de obras de mestres icónicos, incluindo Manet, Picasso, Chagall, Matisse e, mais tarde, Andy Warhol.
Curiosidade: O gato preto da “Olympia” de Manet é carregado de simbolismo. Tradicionalmente, os gatos pretos têm sido associados à magia, ao mistério e à bruxaria. Neste contexto, o gato pode ser visto como um símbolo de independência e rebelião. O animal preto também pode ser interpretado como um símbolo da sexualidade e audácia de Olympia, já que os felinos são frequentemente vistos como seres lascivos.
MULHER E GUITARRA COM GATOS (2022) Colagens de Simon Taylor
Continuando a narrativa artística histórica com um exemplo contemporâneo, a obra “Woman & Guitar with Cats” de Simon Taylor representa uma cena íntima e doméstica, onde os elementos estilísticos do cubismo foram revisitados de forma única e pessoal. A colagem, que representa uma mulher com um violão rodeada por dois gatos, um branco e outro preto, apresenta formas geométricas fragmentadas e planos sobrepostos que conferem à composição um forte sentido de profundidade e dinamismo. Além disso, as linhas ousadas e as cores vibrantes acrescentam energia à cena, enquanto os detalhes intrincados nos padrões e texturas dos materiais de colagem acrescentam uma dimensão tátil e visual.
Em relação aos gatos da obra, eles são retratados de forma estilizada, com traços simples, mas expressivos, que captam sua atitude e humor. O gato branco, adornado com delicados padrões florais, transmite uma sensação de tranquilidade e serenidade, enquanto o gato preto assume uma pose afetuosa e brincalhona, em forte contraste com a sua imagem tradicionalmente associada à bruxaria. Este detalhe particular sublinha a mensagem do artista: os gatos, independentemente da sua cor ou simbolismo cultural, são companheiros amorosos na vida.
O PÁSSARO HUMANO (2020) Escultura de Nelli Isupova
Os pássaros, ao longo dos séculos, fascinaram e inspiraram artistas, tornando-se símbolos de liberdade, beleza, mistério e espiritualidade. Desde antigas pinturas rupestres até às mais modernas esculturas reflexivas, estas criaturas continuam a ascender no imaginário artístico, representando uma ligação profunda entre o homem e a natureza.
Esses animais estavam entre os primeiros a serem retratados por humanos. Onde? As pinturas rupestres de Lascaux, que datam de mais de 17.000 anos, incluem representações de pássaros, demonstrando o fascínio antigo desses animais. Posteriormente, no antigo Egito, os pássaros também foram objeto de obras de arte, já que o deus Hórus, muitas vezes representado como um falcão, simbolizava o céu, a realeza e a proteção. Durante a Idade Média, os pássaros apareciam frequentemente em manuscritos iluminados e vitrais de igrejas, simbolizando conceitos espirituais como a alma e a liberdade.
No entanto, foi somente na Renascença que surgiu um interesse naturalista pelo assunto, levando a representações de pássaros mais detalhadas e realistas. Artistas como Albrecht Dürer e Leonardo da Vinci, que estudaram a mecânica do voo e das asas, contribuíram significativamente para esta tendência. No século XVII, a representação realista foi combinada com a representação simbólica, já que os pássaros eram frequentemente imortalizados para aludir a temas morais ou filosóficos. O século XVIII viu um interesse naturalista contínuo pelas aves, mas foi no século XIX, com o Impressionismo, que estes temas começaram a transcender os estilos convencionais.
O auge deste processo foi alcançado no século XX, com uma diversificação na representação de aves por artistas explorando novas técnicas e significados simbólicos. Entre estes, destaca-se Paul Klee com a sua icónica “Paisagem com Pássaros Amarelos” (1923). A exploração do simbolismo continua na arte contemporânea, com esculturas reflexivas que interagem com o meio ambiente, como "Bluebird Planter" de Jeff Koons (2010-2016), e os pássaros interpretados pessoalmente por Kiki Smith, Walton Ford e Ai Weiwei.
PÁSSAROS E VASO NATURAL VIDA (2017) Pintura de Amirata Winter
É importante destacar, no entanto, que a linguagem da arte contemporânea distingue-se pela sua abertura a qualquer forma de expressão, pronta a evocar o realismo e o interesse naturalista dos mestres do passado, como evidenciado por “Pássaros e Vaso Natureza Morta” por Amirata Winter.
Esta pintura retrata dois pequenos pássaros: um pousado sobre um pequeno vaso azul com motivos orientais, enquanto o outro está posicionado atrás de um vaso maior adornado com flores e folhas pintadas. Adicionando ainda mais naturalidade à cena, há algumas frutas vermelhas e laranja colocadas ao lado dos vasos.
Toda a cena é retratada em estilo realista, caracterizado por grande atenção aos detalhes e precisão meticulosa. Os pássaros são retratados com penas macias e finamente desenhadas. Além disso, os vasos citados são trabalhados com complexidade e cuidado com os detalhes, lembrando o estilo de pintura tradicional.
Por fim, a composição da pintura é harmoniosa e equilibrada, com uma interessante interação entre os objetos artificiais e os elementos naturais. As frutas vermelhas na parte inferior da pintura adicionam uma camada adicional de detalhes, evocando o gênero de natureza morta.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur
