Você é um verdadeiro amante da arte japonesa?

Se "A Grande Onda de Kanagawa" é o ícone dramático da força bruta da natureza, "Vento Sul, Céu Claro" — também conhecido como "Fuji Vermelho" — é sua contrapartida perfeita: silenciosa, imóvel, perfeitamente equilibrada. Duas faces da mesma montanha, duas perspectivas opostas sobre a majestade da paisagem japonesa.

Esta gravura, uma das mais célebres da série Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji , é uma obra-prima de aparente simplicidade. Não há ação, nem presença humana, nem barcos lutando contra o mar. Apenas o Monte Fuji, imenso e solitário, tornando-se vermelho ao amanhecer sob um céu claro varrido por uma brisa suave. É um momento real: aqueles que têm a sorte de se encontrar perto da montanha em uma manhã fresca de início de outono podem vê-lo com os próprios olhos. O sol nascente atinge a encosta leste e a incendeia com cores. Em japonês, é chamado de Aka Fuji — "Fuji Vermelho". Hokusai o transformou em um ícone.

Mas por trás dessa calma superficial esconde-se uma estrutura simbólica refinada. A montanha, perfeitamente triangular, ocupa o lado direito da imagem como uma figura solene, quase sagrada. As nuvens esparsas à esquerda equilibram a composição, criando uma tensão sutil, quase musical. É uma cena "atemporal", mas repleta de detalhes atmosféricos precisos: a neve persistente no cume, as sombras escuras da floresta em sua base, os três tons distintos de azul e vermelho que moldam a atmosfera.

As primeiras impressões desta obra são raras e preciosas: são marcadas por um céu mais suave e irregular e um uso comedido de cores, com um delicado halo azul-da-Prússia ao redor do pico. Essas são conhecidas como as versões do Fuji Rosa — mais intimistas, menos espetaculares, mas talvez mais próximas da intenção original de Hokusai. Mais tarde, com o aumento da demanda, as cores se tornaram mais intensas: o pigmento rosa-de-bengala foi introduzido, as nuvens foram aguçadas, o céu achatado e o verde da floresta foi recortado. A beleza, neste caso, vem em muitas versões.

Curiosamente, enquanto no Ocidente é a Grande Onda que domina o imaginário cultural, no Japão é este Fuji Vermelho o mais estimado — quase uma imagem talismânica. Segundo a tradição, sonhar com o Monte Fuji é sinal de boa sorte, e um Fuji vermelho ainda mais: raro, poderoso e impecável em sua simetria. Talvez seja por isso que a gravura tenha desfrutado de um sucesso iconográfico tão duradouro, personificando um ideal de paz, equilíbrio e força silenciosa.

Yoshida Hiroshi, Fuji do Lago Kawaguchi, 1926.

3. Yoshida Hiroshi, Fuji do Lago Kawaguchi

Se Hokusai imortalizou o Monte Fuji em sua grandiosidade mítica e simbólica, Hiroshi Yoshida o trouxe à vida em uma dimensão mais íntima e atmosférica. Sua gravura "Lago Kawaguchi" , parte da série "Dez Vistas do Fuji" , nos oferece uma vista contemplativa, silenciosa, quase sussurrada, do vulcão mais icônico do Japão. Não há nenhuma onda ameaçadora aqui, nenhum nascer do sol vermelho e flamejante — apenas a quietude da água, a neve derretendo e uma paisagem respirando suavemente.

Ao contrário dos grandes mestres do ukiyo-e , Yoshida não se limitava apenas à tradição. Sua formação incluía pintura a óleo e aquarela ocidentais, academias de arte de Tóquio e museus americanos: de fato, seu primeiro sucesso internacional veio com uma exposição no Instituto de Artes de Detroit em 1899, justamente quando o Japão entrava no século da industrialização. O que o torna único é sua capacidade de mesclar a perspectiva ocidental e o claro-escuro com a sutileza narrativa da arte japonesa.

Nesta imagem, o Monte Fuji é visto do Lago Kawaguchi, um dos cinco locais icônicos que oferecem vistas do vulcão. É inverno — ou talvez início da primavera: a neve ainda cobre as margens, mas está começando a derreter. A água reflete o mundo ao seu redor em ondulações suaves, captando a luz de um pôr do sol que muda de rosa para laranja. É uma cena que Yoshida poderia ter testemunhado em uma de suas muitas caminhadas: ele era um ávido montanhista e caminhante, e conhecia a paisagem japonesa não apenas como artista, mas como viajante.

Uma anedota curiosa: ao contrário de muitos de seus antecessores, Yoshida estava profundamente envolvido em cada etapa do processo de gravura. Numa época em que os artistas frequentemente deixavam a gravura em xilogravura a cargo de artesãos especializados, Yoshida supervisionava pessoalmente cada etapa, experimentando frequentemente diferentes variações de cor da mesma gravura para capturar as mudanças de horário ou o humor das estações. Para ele, a luz era uma forma de contar histórias — uma simples mudança de pigmento era suficiente para transformar uma paisagem em emoção.

Yokoyama Taikan, Folhas de outono, 1931.

Em Folhas de Outono , Yokoyama Taikan desvia o olhar do onipresente Monte Fuji e, em vez disso, nos mergulha em uma cena de pura poesia sazonal. Este biombo (byōbu), com seu panorama arrebatador de folhas de bordo carmesim sobre um rio azul e ondulante, não é apenas uma representação da natureza — é a natureza idealizada, espiritualizada e harmonizada por uma lente unicamente japonesa.

Yokoyama foi uma das figuras-chave por trás da criação e evolução do Nihonga , a forma moderna de pintura tradicional japonesa que surgiu em reação à chegada de estilos ocidentais durante o período Meiji. O fascinante é como Taikan, embora profundamente enraizado na estética e técnica japonesas, também se inspirou em influências ocidentais de maneiras sutis e inovadoras — algo que ele cultivou em suas viagens a Calcutá, Nova York, Londres e Paris. De fato, seu encontro na Índia com Abanindranath Tagore, um pioneiro do modernismo indiano, desencadeou um raro intercâmbio entre o Oriente e o Oriente que influenciou a pintura moderna muito além do Japão.

Em Folhas de Outono , não vemos nada da tinta preta pela qual Taikan se tornaria famoso mais tarde, mas vemos sua inovação marcante: o "mōrō-tai", ou "estilo nebuloso", desenvolvido em conjunto com Hishida Shunsō. Já se foram os contornos rígidos do yamato-e clássico. Em vez disso, as folhas parecem flutuar, as árvores respirar e o rio se mover em uma névoa delicada de cores graduadas. É uma técnica que foi inicialmente criticada por falta de vigor — "borrada e sem vida", disseram alguns —, mas desde então tem sido reconhecida por seu poder atmosférico e qualidade onírica.

Há uma anedota que revela a dedicação incansável de Taikan à sua arte: durante suas viagens, ele às vezes trazia para casa terra, folhas e até mesmo pedaços da flora local para moer e transformar em pigmentos ou estudar a precisão das cores. Para ele, pintar a natureza não era imitação — era imersão. Essa atenção aos detalhes naturais, combinada com a filosofia espiritual do mono no aware (o pathos das coisas), confere a Folhas de Outono sua silenciosa força emocional.

Curiosamente, o nacionalismo de Taikan — herdado de seu mestre Okakura Tenshin — frequentemente o levou a pintar o Monte Fuji como um símbolo da identidade japonesa. Mas aqui, ele escolhe um tema mais tranquilo: não a montanha dos deuses, mas a beleza fugaz do outono. E talvez isso seja ainda mais japonês.

4. Yokoyama Taikan, folhas de outono

Fujishima Takeji, Mar Oriental, por volta de 1928.

5. Fujishima Takeji, Mar Oriental

Para concluir esta jornada pelas imagens do Monte Fuji e da paisagem japonesa, "Nascer do Sol sobre o Mar Oriental" , de Fujishima Takeji, oferece mais uma interpretação da natureza — não mais mítica como em Hokusai, nem contemplativa como em Yoshida, mas profundamente europeia em sua respiração e construção pictórica. Aqui, mar e céu se fundem em uma síntese cromática que soa quase espiritual, onde o elemento narrativo — um único veleiro — é reduzido a um mero sussurro, como uma respiração presa.

Fujishima, um intérprete refinado do yōga (pintura de estilo ocidental), foi um dos artistas japoneses mais capazes de unir Oriente e Ocidente. Sua formação em Paris, com Fernand Cormon e Carolus-Duran, juntamente com o tempo passado em Roma, moldaram profundamente sua abordagem à pintura: luz, volume, simplicidade, rigor. Ele costumava dizer aos seus alunos que o segredo da pintura podia ser encontrado em uma palavra francesa: simplicité . Para ele, pintar significava despojar-se, remover tudo o que não era essencial.

Essa filosofia está perfeitamente incorporada em Nascer do Sol sobre o Mar do Leste , onde a cena é construída com apenas quatro faixas de cor: o mar, as nuvens, o céu e mais nuvens — uma abstração que beira o informal. Se retirássemos o pequeno barco à esquerda, a pintura quase poderia passar por abstrata. E, no entanto, essa paisagem diz muito: não sobre um lugar específico, mas sobre a condição humana, sobre a ascensão silenciosa do tempo.

Há uma anedota fascinante por trás desta obra: em 1928, por ocasião da entronização do Imperador Shōwa, Fujishima foi contratado para criar uma pintura para o estudo imperial. Ele escolheu o tema do amanhecer como metáfora para novos começos. Durante a década seguinte, ele perseguiu o sol nascente pelo Japão e seus territórios — do Monte Zao, no norte, a Yu Shan, em Taiwan, do mar aos desertos da Mongólia. O nascer do sol tornou-se seu tema favorito em seus últimos anos, como se buscasse, no ritmo eterno do amanhecer, a resposta definitiva para o que a pintura realmente é.

Nesse sentido, "Amanhecer sobre o Mar do Leste" está mais próximo de Turner ou Monet do que de Hiroshige. É uma obra de arte nascida da tradição europeia, mas filtrada pelos olhos de um artista japonês que internalizou profundamente o Ocidente sem jamais esquecer suas próprias raízes. Um pôr do sol? Um nascer do sol? Não importa. O que importa é a harmonia, o ritmo, o silêncio que fala.

Perguntas frequentes

1. O que torna a arte japonesa única?
Sua fusão de espiritualidade, natureza e minimalismo — combinada com profunda continuidade cultural e abertura à influência externa — lhe dá uma voz distinta na arte global.

2. Por que A Grande Onda de Kanagawa, de Hokusai, é tão famosa?
Além do design marcante, ele une técnicas orientais e ocidentais, simbolizando a ansiedade e a beleza do Japão diante da natureza e da modernização. Também teve grande influência em artistas impressionistas e modernos ocidentais.

3. O que é Nihonga e como ele é diferente de yoga?
Nihonga se refere à pintura no estilo japonês que usa materiais e métodos tradicionais, enquanto yōga adota técnicas ocidentais como pintura a óleo e perspectiva linear.

4. A arte japonesa é apenas tradicional ou também contemporânea?
É ambas as coisas. O Japão se destaca na preservação de técnicas ancestrais (como bonsai, raku e xilogravura), além de estar na vanguarda da arte contemporânea global, com figuras como Yayoi Kusama e Takashi Murakami.

5. Qual o papel do Monte Fuji na arte japonesa?
É um símbolo nacional, ícone espiritual e musa artística — presente em inúmeras obras, desde o período Edo até reinterpretações modernas e contemporâneas. Reflete tanto a estabilidade quanto a mudança na identidade japonesa.

6. Como a arte japonesa influenciou o Ocidente?
As gravuras Ukiyo-e inspiraram movimentos ocidentais importantes, como o Impressionismo e a Art Nouveau. Artistas como Monet, Van Gogh e Debussy se inspiraram diretamente na estética japonesa.