Laura Ruffinelli, série Cromática, Magenta nº 2 , 2019. Acrílico / guache / fita / linha / tecido sobre papel, 70 x 50 cm.

Magenta: de Fattori às origens da cor

Somos confrontados com o óleo sobre tela, que, intitulado A Batalha de Magenta , datado de 1862 e da autoria do toscano Giovanni Fattori, o maior expoente da pintura Macchiaioli, pretende imortalizar, na parte superior do seu suporte, um céu quase límpido de nuvens, enquanto a metade inferior da superfície pictórica, é enriquecida pela presença dos infantes, cavaleiros, cadáveres e carroça das freiras salvadoras, todos sujeitos imersos numa paisagem rural bastante despojada, na qual a presença de alguns " árvores jovens" e finas se destacam. Justamente em tal contexto, o tumulto que marca os rostos da figura humana se repete na natureza atormentada, marcada pela presença de alguns galhos quebrados, que, apesar de estilhaçados, conseguem, quando tendem a se erguer, como o verde copas das árvores, para unir o drama humano com a atmosfera celestial mais pacífica. Do ponto de vista da história da arte, por outro lado, a composição acima é notável porque, além de ser executada por meio de uma técnica de pintura tradicional, na qual surgem os primeiros indícios de "macchia", é também a primeira pintura para documentar um evento na história da recém-formada nação italiana: A Batalha de Magenta. Chegado a este ponto, você pode se perguntar: o que o conflito de guerra mencionado tem a ver com a cor magenta, a tonalidade escolhida pela Pantone como símbolo de 2023? Na verdade, a tonalidade rosa-avermelhada patenteada na França em 1859 e mais tarde, ou seja, um ano depois, na Grã-Bretanha por Simpson, Maule & Nicholson, foi inicialmente chamada por este último de solferino , denominação que logo foi alterada para magenta, pois , na época, esse nome era extremamente popular em toda a Europa, justamente por causa do episódio sangrento acima mencionado da obra-prima toscana.

Stanko, Farbfeld rot (Magenta) em gelb laranja , 2022. Óleo/acrílico sobre tela de linho, 100 x 100 cm.

Magenta: a cor do ano narrada por Nickolas Muray, Arthur Dove, Mark-Rothko e Richard Anuszkiewicz

Abandonando por um breve momento o contexto histórico-artístico, é importante nos referirmos às declarações de Leatrice Eiseman, diretora executiva do Pantone Color Institute, que justifica a escolha da Viva Magenta 18-1750, como a cor de 2023, porque , essa tonalidade, enraizada na natureza, por ser descendente da família vermelha, revela-se extremamente vigorosa, vital, expressiva, corajosa, exuberante, alegre, otimista e rebelde, ou seja, capaz de estimular a experimentação, inclusão e auto-expressão desenfreada. Estes sentimentos são tudo o que precisávamos, agora que, superada em parte a pandemia do Covid-19, podemos retomar as nossas vidas nas nossas próprias mãos, estando ainda mais conscientes de que nenhum minuto do nosso precioso tempo de existência, deveria ser desperdiçado. Além disso, há um outro motivo, que, novamente relacionado à referida epidemia, fez com que os especialistas da Pantone concordassem com a escolha do magenta, tom inspirado nas cores do besouro da cochonilha, que, tão ricas e saturadas que parecem totalmente artificiais , parece aludir à atual fusão do mundo real e da tecnologia, incentivada justamente pelo isolamento da Covid-19. Segue-se que não há cor mais atual do que o Viva Magenta 18-1750 promovido pela instituição acima mencionada, universalmente reconhecida como a fonte mais confiável de informações de cores por meio de previsões sazonais. A esta altura, desvendadas as motivações por trás da promoção de tal tonalidade, podemos tentar reconhecer suas nuances presentes em algumas das mais conhecidas obras-primas da fotografia e da pintura, como, por exemplo, Frida Kahlo com Magenta Rebozo de Nickolas Muray, Magenta de Arthur Dove, Magenta, Black, Green on Orange de Mark Rothko e Deep Magenta Square de Richard Anuszkiewicz. Por falar em Frida Kahlo com Magenta Rebozo , justamente as fotos destinadas a imortalizar a estrela homônima da investigação figurativa mexicana, Frida Kahlo, representam o tema mais conhecido investigado pela lente de Muray, que, além de ter sido seu retratista, também foi sua amiga e amante. Em particular na foto acima, datada de 1938-39 e tirada durante uma estada de inverno em Nova York por Kahlo, a cor magenta é claramente visível no rebozo usado pela artista, um xale típico das roupas femininas mexicanas, ao qual a própria Frida faz alusão em seu agradecimento a Muray pela bela foto que a retrata: "Querido Nick, recebi minha linda imagem que você me enviou, acho ainda mais bonita do que em Nova York. Diego diz que é tão maravilhosa quanto as de Piero della Francesca. Para para mim é mais do que isso, é um tesouro e, além disso, sempre será uma lembrança de quando íamos ao estúdio dele tirar fotos. Essa foi uma delas. E agora tenho ao meu lado. Você vai estar sempre dentro do rebozo magenta." Fingindo pegar um microscópio e analisar o manto do referido tecido magenta, podemos imaginar vislumbrar algo próximo à visão abstrata, executada, no mesmo tom cromático, por Arthur Dove, artista americano nascido em 1880, conhecido justamente por usar uma ampla gama de meios de expressão às vezes não convencionais empregados para produzir imagens descoladas do mundo real. Mais próximas da percepção "clássica" das coisas revelam-se as formas geométricas "imprecisas" de Rothko, que em Magenta, Preto, Verde sobre Laranja , investigou a cor 2023, ligando-a a um retângulo fino, colocado na extremidade superior de a tela datada de 1949, obra em que o magenta demonstra toda a sua adaptabilidade, justapondo-se graciosamente com cores mutuamente mais claras e mais escuras. Por fim, esse ponto de vista parece culminar no preciso "perímetro quadrado", executado na já mencionada tonalidade rosa-avermelhada, que Richard Joseph Anuszkiewicz colocou no centro do suporte pictórico em Deep Magenta Square , obra-prima destinada a sintetizar todos os seus interesse pelas mudanças óticas que ocorrem quando diferentes cores de alta intensidade são aplicadas às mesmas configurações geométricas, aspecto que o tornou um dos expoentes mais prolíficos da Op art.

Margarita Ivanova, Magenta , 2022. Óleo sobre tela, 50 x 40 cm.

Margarita Ivanova: Magenta

A interpretação dos tons da cor magenta torna-se, na pintura homónima de Ivanova, celebrando o potencial simbólico desta tonalidade, acima revelado pelos especialistas da Pantone, uma oportunidade de justapor esta nuance vital com um preto e branco mais composto, destinado a ganham forma no rosto semi-coberto do protagonista da obra. Na verdade, o que contorna a pele de seus cabelos até abaixo do nível dos olhos é uma extensão avermelhada, tomando forma nas feições de um macete de gola alta, cujos contornos pouco claros, fazem com que pareçam improvavelmente estendidos a todo o fundo do médium. Essa visão de mundo, percebida predominantemente de forma "monocromática", é justificada pelas revelações da própria Ivanova, que, sem meias palavras, esclarece como sua intenção pictórica foi justamente aproveitar ao máximo o caráter selvagem, forte e original de magenta, dando-lhe o máximo de espaço possível na tela. Na história da arte, porém, dois outros artistas fizeram com que suas obras tivessem significados específicos por meio, senão "monocromáticos", da imagem de rostos semi ou totalmente cobertos, como a mais contemporânea Ewa Juszkiewicz e o "clássico" René Magritte. Com efeito, se no primeiro caso a pintora "esconde" os seus retratos para se "rebelar" contra os cânones de estética feminina transmitidos pela tradição artística ocidental, a segunda "esconde-se", tanto para aludir à visão traumática da morte da mãe, e fazer referência explícita à sua paixão desenfreada pelos romances policiais, gerando obras que têm a forma de uma espécie de "enigmas".

Susana Ribeiro, Magenta . Acrílico sobre tela, 130 x 100 cm.

Susana Ribeiro: Magenta

Num contexto magenta inédito surge ao nosso olhar, quase como uma espécie de surpresa inesperada, uma das imagens mais recorrentes da investigação figurativa ocidental: uma mulher nua decidida a banhar-se. De fato, essa visão, tendo em mãos um livro didático de história da arte, pode ser encontrada na obra de grandes mestres, entre eles, os inesquecíveis Paul Cézanne, Ticiano, Edgar Degas, Guercino, Georges Seurat, Pierre-Auguste Renoir, Ernst Ludwig Kirchner, etc. Tentando, porém, associar a obra do artista Artmajeur a um contexto menos óbvio e mais inovador, é possível justapor o preto e branco do protagonista de Magenta a uma fotografia, tirada nos mesmos tons, durante o década de 1950, do fotógrafo de guerra David Douglas Duncan, que, para a ocasião, imortalizou não apenas uma modelo anônima, mas o maior pintor de sua época: Picasso nu em sua banheira! Essa tomada se deve ao fato de Douglas Duncan ter tido o ardor de tocar, em 1957, a campainha da enorme casa-oficina do mestre espanhol, localizada próximo a Cannes, local onde foi recebido pela esposa do artista, Jaqueline Roque, no tempo, que o levou para o andar de cima, onde Picasso estava lavando. Nesse exato momento, o fotógrafo aproveitou para pedir permissão para a primeira de muitas outras tomadas, destinadas a retratar o cubista às voltas com sua rotina de vida cotidiana mais e menos patrocinada.

Sumit Mehndiratta, Composição no. 390 , 2022. Acrílico sobre tela, 76,2 x 124,5 cm.

Sumit Mehndiratta: Composição no. 390

O movimento sinuoso e ondulante das linhas grossas de cor preta e magenta, pintadas em acrílico sobre a tela, parece culminar no círculo único, que, disposto no limite direito do suporte, nos convida a elaborar sobre os significados desse figura geométrica, extremamente presente no mundo da arte, em múltiplas formas, desde as origens mais remotas da cultura figurativa. Remetendo para a tradição interpretativa mais clássica desta figura geométrica, o círculo pode ser entendido como um ponto extenso simbolizando a perfeição e a homogeneidade, indelevelmente associado a tudo o que é celeste, isto é, o céu, a alma, o ilimitado e Deus, por isso tanto que o movimento circular é entendido como perfeito, imutável, sem começo nem fim. Trazendo antes uma interpretação mais pessoal da referida forma geométrica, é possível considerar o ponto de vista de Wassily Kandinsky, o primeiro artista considerado autor de obras abstratas, que via no círculo uma forma que, embora modesta, era capaz de se afirmar com arrogância, peculiaridade pela ambivalência inerente ao seu ser: a meio caminho entre a estabilidade e a instabilidade, entre a sonoridade e o silêncio. Tal riqueza faz com que o artista encontre no círculo grandes possibilidades de expressão de seu ser, que finalmente pode ser considerado até mesmo em sua quarta dimensão, a saber, a temporal. Um exemplo do uso dessa forma dentro da investigação artística do mestre russo é a obra Quadrados com Círculos Concêntricos , aquarela, guache e pastel sobre papel, cujo objetivo é descrever os efeitos perceptivos da interação das cores e suas qualidades sensoriais, que se realizam na forma repetida do círculo.