Top 10: pinturas de nus masculinos

Introdução ao nu masculino

O nu feminino tem estado, desde o alvorecer da civilização humana, no centro da narrativa histórica da arte, que, de certo modo, tem aceitado melhor a exteriorização desse tipo de fisicalidade, em comparação com o nu masculino, que é frequentemente percebida como mais ilícita e desconcertante, ou seja, capaz de perturbar a alma dos espectadores. No entanto, os maiores mestres de todos os tempos, em sua maioria homens, celebraram o nu masculino de diversas formas, as quais, reverentes ou eróticas, construíram uma narrativa figurativa, que se estende desde as mais antigas civilizações até os dias atuais, período em que tal sujeito passou de deus a mero "pecador". Tal evolução iconográfica do nu masculino, muitas vezes símbolo de força, poder e virilidade, mas também de beleza, vulnerabilidade e intriga sexual, deu-se no interior de uma narrativa que percorreu, em seus ápices de exteriorização, da Grécia antiga à contemporânea. vezes. Antes dessa civilização primitiva, o sujeito em questão tendia principalmente a assumir a forma do atleta ou do deus, pois os gregos imaginavam suas divindades como entidades de aparência humana cujas qualidades idealizadas de beleza física estavam inextricavelmente associadas à bondade da alma. Essa tendência foi drasticamente transformada durante a Idade Média, momento histórico em que, como se previa, a nudez se tornou até pecaminosa e constrangedora, pois associada ao pecado original, e assim capaz de transformar a iconografia dos corpos altivos e luxuriosos mais clássicos em fisionomias leves e esbeltas, desprovidas da ênfase anterior no naturalismo. O momento seguinte foi o da Renascença, em que se instalou um renovado classicismo nas artes, uma tendência em que o gênero nu se tornou uma oportunidade de mostrar não apenas corpos extremamente performáticos, mas também o virtuosismo técnico dos artistas. A posterior criação de academias de arte em toda a Europa, ocorrida durante os séculos XVI e XVIII, conduziu a um estilo algo regulado e classicizado de representar o nu, a ser exteriorizado supra através da técnica do desenho, considerada na época o elemento central da uma arte-educação, em que o referido gênero foi imortalizado em composições heróicas, onde assumiu o papel de um personagem forte e extremamente viril. As tendências bastante "naturalistas" do final do século XVIII e do século XIX conduzem, no final deste último período, ao realismo de Courbet e Millet, pontos de vista em que homens idealizados dão lugar a figuras mais reais. A verdadeira revolução vem, porém, com as vanguardas do século XX, momento a partir do qual o corpo, além de se afastar definitivamente da linguagem acadêmica, fragmenta-se na visão de Picasso ou apresenta-se altamente atormentado na de Schiele, abandonando para sempre a fidelidade ao dado real. Pontos de vista mais profundos e pessoais surgem com a serialização da Pop-Art e da linguagem da Street art, movimentos que consolidaram definitivamente os múltiplos e originais pontos de vista com os quais, até hoje, o corpo masculino é retratado. Por fim, o percurso percorrido pelo nu masculino na narrativa infindável da história da arte será explorado através da seguinte classificação, destinada a recolher os melhores exemplares pictóricos do género.

Alexandre Cabanel, O Anjo Caído, 1847. Óleo sobre tela, 121×190 cm. Musée Fabre, Montpellier.

Top 10: pinturas de nus masculinos

10. Alexandre Cabanel, O Anjo Caído (1847)

Alexandre Cabanel, retratista francês de história e gênero, nascido em 1823, criou o óleo sobre tela em questão em 1847, resultando em uma obra-prima destinada a explicitar os sentimentos humanos mais profundos e básicos, ao imortalizar a rebelião de Lúcifer, que, expulso do céu, sentiu um ressentimento extremo contra Deus, o pai. Essa emoção ganha vida em um corpo clássico, perfeito para dar forma ao texto do livro do profeta Ezequiel, no qual o anjo é descrito como um ser de beleza perfeita. Apesar de tais traços estatuescos, que também apresentam imponentes asas reclinadas, os verdadeiros protagonistas da pintura acabam sendo os olhos da efígie, que, destacados pelo braço direito, que cobre parcialmente o rosto do protagonista, aparecem extremamente pungentes, carregados de com raiva, indignação, bem como molhado de lágrimas sofridas, que nos dizem como Lúcifer, embora sofrendo, não está prestes a desistir, mas mostra-se bastante ansioso para satisfazer seu desejo de vingança, opondo-se à obra de Deus. De fato, o próprio relato bíblico do Antigo Testamento conta como Lúcifer, o anjo mais belo e sábio criado por Deus, foi expulso do paraíso para as profundezas do submundo, externando em seu pranto o último resquício de sua bondade, que deu caminho para um infinitamente carregado de ódio, malícia e ressentimento.

Peter Paul Rubens, Prometheus Bound , 1611-12. Óleo sobre tela, 243,5 cm × 209,5 cm. Museu de Arte da Filadélfia.

9. Peter Paul Rubens, Prometheus Bound (1611-12)

A obra-prima do mestre flamengo, datada entre 1611 e 1612, em que um dinâmico e sofredor corpo nu masculino acaba por ser o protagonista indiscutível, resulta de múltiplas influências assimiladas pelo pintor, que tirou de Tobias Verhaecht os fundamentos da composição paisagística ao fundo, enquanto a cena mitológica sofria o modelo de Adam van Noort, conhecido retratista de nus e imagens desenfreadas da vida holandesa. Sobre a composição como um todo, porém, atenta-se para a iconografia da pintura histórica, que Rubens pôde admirar ao trabalhar com Otto van Veen, dando origem à figura de um Prometeu encurtado, que, posicionado próximo ao observador, vê também a citação de modelos clássicos e, em particular, da teatralidade grega. No entanto, não se deve ignorar o impacto que a pintura italiana também teve na referida obra-prima, referindo-se à lição da Capela Sistina de Michelangelo, ao tenebrismo de Caravaggio e às formas de Ticiano. Por fim, o tormento de Prometeu, personagem da mitologia que é o protagonista da obra, é bem exemplificado por um poema de Lipsius, amigo do irmão de Rubens, que escreveu: "Aqui, de bico adunco, um abutre monstruoso se enterra o fígado de Prometeu, que não tem paz de seus tormentos, pois repetidamente o pássaro selvagem se aproxima de seu peito renovador e o ataca de maneira punitiva [...] Alguém poderia pensar que ele se moveria, que suas penas tremeriam. O terror apodera-se dos telespectadores."

Um dos múltiplos nus masculinos de Pierre e Gilles @pierreetgilles_gilles.

8. Pierre et Gilles, Mercúrio (2001)

Mais uma vez, assim como na obra acima, o nu é exteriorizado na arte por meio da referência ao corpo perfeito de um personagem extraído da tradição grega, no caso uma divindade: Mercúrio, mensageiro representado por trás, com o contorno de seu rosto em vista, ao observar uma serpente, que se enroscou em seu cajado. Esse animal, ao fazê-lo, reaproveita a iconografia mais clássica do caduceu, ou cajado alado que tradicionalmente acompanha o mensageiro dos deuses. Já por falar em Pierre e Gilles, a dupla de artistas franceses deu vida à referida obra por meio de uma operação a quatro mãos, na qual o primeiro dos dois cria as fotos e o segundo as retoca com camadas sucessivas de pintura, destinada a dar vida a imagens que, estudadas ao mais ínfimo pormenor, remetem frequentemente para iconografias míticas e religiosas, reinterpretadas com uma sensualidade irreprimível e um ponto de vista altamente kitsch. Os temas abordados pela dupla são maioritariamente Pop, relacionados nomeadamente com a homossexualidade, pornografia e topos religiosos, revisitados numa chave “barroca”. No que diz respeito à história da arte, no entanto, uma obra-prima extremamente conhecida representando o deo mencionado é a estátua Flying Mercury de Giambologna, que, preservada no Museu Bargello em Florença, retrata o assunto mencionado enquanto descansa o pé esquerdo no vento gerado por Zephyrus ' boca.

Jean-Hippolyte Flandrin, jovem nu masculino sentado à beira-mar , 1835-36. Óleo sobre tela, 98 cm × 124 cm. Louvre, Paris.

7. Jean-Hippolyte Flandrin, jovem nu masculino sentado à beira-mar (1835-36)

Em sétimo lugar, encontramos a obra-prima de um dos principais expoentes neoclássicos da Escola de Lyon, o mestre francês Jean-Hippolyte Flandrin, que, em Jovem homem nu sentado à beira-mar, retrata um jovem nu com os braços em volta das pernas enquanto ele se senta em uma pedra à beira-mar, cercado por um céu expansivo. Neste contexto é bom realçar como o rosto do protagonista, inidentificável e à meia-luz, leva o espectador a reconhecer-se no modelo, cuja atitude pretende estimular o recolhimento e a reflexão isolada, que se concretiza através do fecho de os olhos dele. Ainda sobre a obra, vale ressaltar que ela foi realizada em Roma, ou seja, durante a viagem de estudos que o artista fez após sua vitória no Prix de Rome em 1832. Além disso, a obra, que é bastante conhecida entre Críticos de arte franceses, continua sendo uma das obras mais conhecidas de Flandrin, tanto que foi posteriormente interpretada por fotógrafos como Wilhelm von Gloeden, Claude Cahun e Robert Mapplethorpe. Finalmente, o jovem nu masculino sentado à beira-mar também é conhecido porque, desde o século XX, tornou-se um símbolo popular da cultura homossexual.

Egon Schiele, Nu masculino sentado (auto-retrato) , 1910. Viena, Leopold Museum.

6. Egon Schiele, Nu masculino sentado (Auto-retrato) (1910)

Chegamos à interpretação expressionista do nu através da análise da obra-prima de Schiele, mestre conhecido por ter interpretado este gênero através de múltiplos auto-retratos, muitas vezes marcados pela representação de uma imagem extrema do artista, que se captou em poses atrevidas e provocativas, nas quais, devido ao seu corpo esguio, contorcido e carregado de tensão, assumia uma atitude desajeitada e forçada e gestos bizarros, que o aproximavam mais da semelhança de um buratto sem vida do que de um ser humano. Quanto à obra de 1910, esta, que se encontra no Museu Leopold de Viena, foi criada pela mediação de uma forte e decadente pincelada expressionista, que gera a figura do artista, cujas linhas retas e decisivas descrevem os músculos e o peito de um homem sem pés, tentando flutuar sobre um fundo branco. Além disso, a torção não natural do corpo, juntamente com os tons de verde, amarelo e marrom de sua pele, fazem com que os traços de Schiele pareçam um tanto anormais ou característicos de um estado de doença ou angústia. Sobre este último ponto de vista, a obra-prima em questão antecipou, na verdade, o fim dos tempos do artista, que, quase profeticamente, morreu alguns anos depois, aos 28 anos, vítima da gripe espanhola, que assolou Viena em 1918.

Lucian Freud, Naked Man , Back View, 1991-92. Óleo sobre tela, 182,9 × 137,2 cm. Nova York, MET. @lucianfreudart.

5. Lucian Freud, Homem Nu, Vista Traseira (1991-92)

Com a posição número cinco chegamos ao neo-expressionismo alemão, abordando a análise de Homem nu, Vista de costas, obra de Lucian Freud em que os traços estilísticos do mestre, muitas vezes empenhados em criar composições intensas capazes de revelar a humanidade e a presença física das efígies, neste caso resumidas nas feições de Leigh Bowery, modelo da obra-prima em questão. Apesar do realismo de Freud, ele retratou o referido sujeito, conhecido por seus figurinos e maquiagens extravagantes, sem nenhuma roupa, pois aparecia agachado em um banquinho colocado no ateliê do pintor. Em todo caso, a fidelidade ao fato real foi conseguida graças ao rigor com que o pintor alemão pintou o dorso carnudo da efígie, que, repleta de "montes" e "outeiros" parece gritar as próprias palavras do artista sobre o referido gênero pictórico: "Quero que a pintura seja carne". São precisamente estas últimas palavras que nos permitem discorrer sobre as características estilísticas do artista, cujas obras, caracterizadas pelo extremo realismo e pela busca obsessiva do dado real, retratam, por vezes em poses pouco naturais para realçar os detalhes, exagerando muitas vezes eles, amigos, parentes, conhecidos e animais de estimação.

William Etty, nu masculino, com os braços esticados para cima , 1828-1830.   Óleo a bordo. York Museums Trust (Galeria de Arte de York).

4. William Etty, nu masculino, com os braços esticados para cima (1828-1830)

Convido-vos a imaginar a gigantesca carcaça de um bovino pendurada pelos membros inferiores num suporte de madeira, enquanto se destaca num ambiente de penumbra, graças à candura e imponência da sua carne. Agora que podem ver a cena que descrevi, muitos de vós já a terão associado ao conhecido Boi Sacrificado de Rembrandt, obra de 1655, em que o infeliz animal também poderia ser interpretado como uma espécie de cordeiro sacrificado. A disposição dos membros deste último poderia igualmente recordar a do sofredor, e talvez penitente, protagonista de Male nu, com os braços estendidos, um nu pintado por William Etty. À data da realização deste retrato, datado de cerca de 1828, o artista, apesar do seu elevado estatuto, continuava a estudar na Royal Academy, contexto em que o nu masculino, com os braços estendidos para o alto, poderia ter sido concebido para ser pendurado horizontalmente como uma modelo nas costas, embora seja mais provável que seja um estudo para uma Descida da Cruz. Finalmente, falando do pintor britânico em questão, ele era conhecido por suas pinturas históricas contendo figuras nuas, muitas vezes acusadas de indecência.

Jacques Louis David, nu masculino conhecido como Patroclus , 1780.

3. Jacques Louis David, nu masculino conhecido como Patroclus (1780)

Pátroclo, pintura do neoclássico Jacques Louis David, realizada em 1780 e atualmente conservada no Musée Thomas Henry em Cherbourg (França), é uma obra que muitos entenderam como estudo, pois carece de detalhes faciais, além de outros elementos da composição, destinados a acolher um homem reclinado de costas para o espectador. O nu, concebido para evidenciar uma compleição física imponente, ao mesmo tempo que permite ao artista demonstrar as suas aptidões técnicas, utiliza meticulosamente a iluminação, de forma a realçar todos os aspetos da figura retratada. O referido gênero, dentro da corrente do Neoclassicismo, do qual David foi um dos maiores expoentes, deveria ser entendido como uma ferramenta necessária para exercitar e aperfeiçoar a mão do artista na compreensão do corpo humano, ainda que na fase inicial desse processo, o desenho deveria ser preferido à arte pictórica. Por fim, é obrigatório relatar alguns conceitos básicos do Neoclassicismo, pois somente este nos fornecerá a leitura completa da referida obra-prima francesa. Em síntese, a corrente artística em questão buscava o belo e o ideal, fazendo referência à arte grega, que tanto se esforçou para gerar obras compostas, calmas, com formas elegantes e longe do virtuosismo bizarro e extravagante, a serem obtidas por meio de uma pesquisa racional , que deveria visar formas simples, caracterizadas por uma graça quase idealizada, equilíbrio e compostura.

Caravaggio, Amor vincit omnia, 1601-1602. Óleo sobre tela, 156×113 cm. Gemäldegalerie, Berlino.

2. Caravaggio, Amor vincit omnia (1601-1602)

No número dois não poderia deixar de colocar um artista do calibre de Caravaggio, criador de Amor vincit omnia, quadro em que o pintor italiano representou um jovem Cupido nu com uma expressão triunfante, enquanto é apanhado de asas abertas, arco e um monte de flechas na mão, símbolos tradicionais de seu poder. O triunfo destes últimos atributos é também confirmado pelos instrumentos de guerra agora posicionados no terreno, como se tivessem sido derrotados pela ação do mais nobre dos sentimentos: o amor. Continuando com a descrição da tela, se a posição das pernas da efígie lembra San Bartolomeo no Juízo Final de Michelangelo, a expressão infantil do Amor, cheia de ambigüidade anagramática, lembra o exemplo dos rostos de Leonardo da Vinci. Portanto, esses dois mestres provavelmente inspiraram o tema mais romântico de toda a obra de Caravaggio, que visava, como antecipado acima, representar uma alegoria do poder do amor, expressa através de um estilo barroco, capaz de representar a realidade de forma naturalista e dramática ao mesmo tempo. mesmo tempo. Finalmente, as razões pelas quais o artista teria escolhido este tema poderiam ser: Caravaggio poderia ter se inspirado nos versos de amor de Virgílio no Bucoliche, ou simplesmente queria atender aos pedidos de seu cliente genovês Vincenzo Giustiniani, patrono histórico do pintor .

Michelangelo, A Criação de Adão , 1511. Fresci, 280 cm × 570 cm. Cappella Sistina, Musei Vaticani, Cidade do Vaticano.

1. Michelangelo, A Criação de Adão (1511)

No degrau mais alto do pódio encontramos outro italiano, além de um dos artistas mais importantes de todos os tempos, o imortal Michelangelo Buonarroti, autor de A Criação de Adão, afresco da icônica Capela Sistina (Cidade do Vaticano, Museus do Vaticano) , em que Deus está posicionado do lado direito, enquanto suspenso por dentro em um nimbo sustentado por anjos e querubins. No lado oposto do suporte encontra-se o nu do nosso interesse, destinado a retratar Adão, progenitor da humanidade, estendido num prado, colocado numa encosta relvada, colocado sobre um fundo desprovido de pormenores. A decisão de colocar este último personagem em primeiro lugar no ranking vem do fato de que o Adão nu, enquanto se empenha em aproximar seus dedos dos de Deus Pai, realiza um dos gestos mais icônicos da história da arte . Com relação a este último movimento, sabe-se que Michelangelo quis imortalizar o momento em que o Criador, prestes a entrar em contato físico com sua criatura, faz o possível para transferir para ela a centelha da vida. Certamente, o mestre italiano se inspirou na frase do Gênesis "Deus criou o homem à sua imagem, pois os dois corpos que ele criou são bastante semelhantes, ou seja, ambos fortes e robustos. Por fim, gostaria de propor a seguinte pergunta: e se Adão e Deus estavam realmente se afastando um do outro? Nesse caso, o primeiro homem na terra já teria embarcado em uma vida independente, mantendo seu olhar fixo em Deus, assim como uma criança que, enquanto aprende a andar, repetidamente se vira olhando pelo olhar seguro de seu pai.