Ouro em obras de arte

A técnica de pintura "Fondo oro"

O ouro tem sido protagonista de muitas obras-primas da história da arte, criadas através da técnica de pintura do "Fondo oro", que, difundida inicialmente nos primeiros mosaicos cristãos, foi posteriormente utilizada na produção de pinturas sobre madeira, miniaturas e mosaicos do período bizantino. Esta técnica, perfeitamente descrita no tratado de cerca de 1400 de Cennino Cennini, intitulado "Libro dell'arte", baseia-se na produção de pequenas e finas folhas de ouro, que, os artesãos especializados da Idade Média, realizavam martelando as moedas , a fim de obter chapas de metal muito finas. Posteriormente, a superfície da obra, que já estava pronta para receber a folha de ouro, foi preparada espalhando uma camada de "bolo", uma argila avermelhada dissolvida em água e clara de ovo. Em seguida, para fixar o ouro ao suporte da pintura, foram utilizados mordentes à base de água, como clara de ovo, mel, goma e sucos vegetais. Ressalta-se que, durante a realização desta técnica, a folha de ouro foi aplicada em retângulos, que, posteriormente transferidos para um pincel, foram aplicados na superfície através da pressão das cerdas. Por fim, o ouro era triturado e polido no suporte com o brunidor, um pincel especial feito de pedra ágata achatada na ponta.

Procissão de Teodora , século VI. Mosaico, Ravenna: basílica de San Vitale.

Ravena e arte bizantina

Uma obra-prima que se distingue por seu fundo dourado é o magnífico mosaico bizantino intitulado Procissão de Teodora , que, preservado na Basílica de San Vitale em Ravenna, Itália, data de cerca de 520-547. Esta obra retrata a Imperatriz Teodora, que, colocada no centro do mosaico, é ladeada à direita por duas figuras masculinas e à esquerda por sete figuras femininas sobrepostas. Dentro desse grupo de pessoas, apenas Theodora e as figuras mais próximas a ela estão orientadas frontalmente ao plano do mosaico, enquanto os demais protagonistas estão ligeiramente afastados dele. No que diz respeito ao vestuário, as mulheres da procissão usam roupas muito ricas e os homens, provavelmente dois dignitários, usam uma túnica com um tablion chlamys por cima. A imperatriz, por outro lado, que é retratada com uma túnica branca orlada de ouro, coberta por uma chlamys roxa, usa joias vistosas e um cocar muito elaborado. No que diz respeito à forma como os personagens são retratados, seus corpos são principalmente assimétricos e são imortalizados em poses rigidamente frontais e estilizadas. Além disso, a ausência de claro-escuro e as fortes linhas de contorno dão vida a figuras bidimensionais, desprovidas de plasticidade. Além disso, no que diz respeito à forma como os personagens são retratados, deve-se notar que a figura de Teodora é maior que as demais, seguindo as leis da perspectiva hierárquica, que está ligada a um tipo de representação simbólica, onde a linhagem de os caracteres são destacados. Por fim, quanto ao fundo da obra, este último, dourado e bidimensional, envolve os protagonistas da cena, que têm os pés apoiados sobre um "tapete" verde. Além disso, no ambiente há também um pequeno chafariz, um nicho coberto por uma pequena abside em forma de concha e, no topo, à direita, um pano listrado. Voltando à cor dourada do fundo, alude à espiritualidade, enquanto o roxo das chlamys de Teodora representa o poder conferido aos imperadores. Na verdade, este mosaico, que provavelmente não retrata um evento real, deve ser considerado uma obra de propaganda política.

Duccio di Buoninsegna, Majestade da Catedral de Siena , 1308-11. Têmpera sobre painel, 214 x 412 cm Siena: Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.

Cimabue, Majestade da Santíssima Trindade , 1290-1300. Têmpera no painel, 384 x 223 cm. Florença: Galeria Uffizi.

Giotto, Encontro na Golden Gate , 1303-1305. Afresco, 200 × 185 cm. Pádua: Capela Scrovegni.

Gustav Klimt, Judith , 1901. Óleo sobre tela, 84 × 42 cm. Viena: Österreichische Galerie Belvedere.

O fundo dourado da Idade Média em...

As obras-primas italianas da Idade Média ao início do Renascimento se distinguiam pelo uso da técnica do "Fondo oro", que estava ligada a um valor simbólico preciso, destinado a aludir à esfera celeste inalcançável e sagrada. Exemplo do que disse são as obras de dois pintores toscanos, como a Majestade da Catedral de Siena de Duccio di Buoninsegna e a Majestade da Santíssima Trindade de Cimabue. Mais tarde, com a contribuição da investigação artística de Giotto, o fundo dourado e os esquemas bizantinos foram parcialmente abandonados e a pintura voltou a retratar o mundo e, sobretudo, o céu. De facto, a partir do século XIV, os fundos arquitectónicos e paisagísticos passaram gradualmente a dominar, reduzindo gradualmente a percentagem do painel decorado a ouro. No Renascimento, a consciência da importância dos fundos realistas foi definitivamente afirmada, tanto que a técnica do Fundo Dourado começou a ser menos popular. Apesar disso, a técnica nunca desapareceu por completo, permanecendo em uso ainda no século XVI e se firmando mais nas áreas de influência da religião ortodoxa, onde se difundiu o culto aos ícones. Nos tempos modernos, o fundo dourado tem sido utilizado por muitos artistas, entre os quais, o mais famoso é, sem dúvida, Gustav Klimt.

Alena Masterkova, Ícone de nossa senhora da ternura , 2007. Mosaico sobre madeira, 82 x 62 cm.

Alena Masterkova: Ícone de nossa senhora da ternura

A cor dourada, usada para fundos ou detalhes, também caracteriza muitas obras criadas pelos artistas da Artmajeur, que, às vezes, se inspiravam nas grandes obras-primas da história da arte, enquanto, em outros casos, usavam de forma inovadora essa tonalidade preciosa e luminosa. . Um mosaico, que, distinguido pelo uso de esmaltes dourados, provavelmente se inspirou nas madonas com filhos de ícones ortodoxos, foi feito pela artista russa Alena Masterkova. Nesse sentido, vale destacar como os ícones, que se popularizaram na Rússia por volta de 988, se espalharam sob a influência da arte bizantina, tornando-se uma verdadeira escola do gênero. A iconografia desse período seguiu fielmente as regras e gêneros aceitos pela arte bizantina, enquanto a partir do século XVII, influenciada pelas pinturas e gravuras da Europa católica e protestante, começou a se distinguir por uma representação menos bidimensional e estática, mas mais naturalista e tridimensional. A obra de Masterkova, remete claramente à tradição bizantina, pois é caracterizada por figuras hieráticas e bidimensionais, que, enquadradas classicamente, emanam uma intensa energia espiritual.

Danco, Alegoria a Gustav Klimt I , 2020. Óleo sobre tela de linho, 70 x 50 cm.

Danco: Alegoria a Gustav Klimt I

A obra de Danco, artista de Artmajeur, representa mais uma homenagem à história da arte, pois retrata uma reinterpretação moderna e altamente original da Judith de Gustave Klimt. De fato, como na obra do mestre austríaco, o rosto da menina pintada por Danco é emoldurado por uma grossa cabeça de volumosos cabelos negros, que, no entanto, neste caso, foram decorados com desenhos dourados. Além disso, enquanto no fundo de Klimt triunfam o ouro e o preto, que juntos formam algumas árvores frutíferas, na obra do artista de Artmajeur encontramos uma decoração abstrata em que prevalece o bronze, feito pelo uso de folhas, e o vermelho. Dentro das duas pinturas, outros detalhes preciosos podem ser encontrados no colar e no vestido, que, na obra de Danco, não permite vislumbrar nenhuma nudez. Além disso, a pintura do artista Artmajeur também carece da cabeça de Holofernes, de modo que a pintura deixa de contar a história popular de Judite, que, como símbolo da força feminina e do espírito de sacrifício, foi retratada em muitas obras-primas. Como resultado, o trabalho de Danco torna-se uma mera celebração da beleza feminina moderna banhada nos reflexos do bronze. Finalmente, apesar de todas essas diferenças, em ambas as pinturas a protagonista torna-se símbolo de uma figura feminina sensual, olhando decididamente à sua frente, em direção ao espectador, com uma expressão quase de desafio.

Kamil Zaitz, Gold mind , 2021. Aço inoxidável, Metais e Arame, 40 x 17 x 17 cm.

Kamil Zaitz: Mente de ouro

A caveira, o tema da arte feita pelo artista de Artmajeur, Zaitz, tem sido frequentemente retratada nas obras-primas mais famosas da história da arte como um símbolo de vanitas. A expressão latina vanitas vanitatum , derivada de vanus e que significa transitório, indica na pintura um tipo de natureza morta caracterizada pela presença de objetos, que são indicadores simbólicos da precariedade da existência, da inexorabilidade da passagem do tempo e da natureza efêmera da bens mundanos. Essa iconografia, de propósito moralizante, desenvolveu-se durante a Idade Média, quando a Igreja emitiu uma severa advertência, lembrando como a riqueza acumulada na terra, desprovida de valor, levava à condenação. Consequentemente, para persuadir os pecadores à redenção, os eclesiásticos haviam incitado a representação pictórica de bens de luxo, acompanhados de objetos que aludiam à morte. A obra de Zaitz representa, muito provavelmente, esta tradição figurativa de uma forma muito pessoal e inovadora, concretizando a caveira, que é o símbolo da vanitas por excelência, em aço dourado, uma tonalidade indissoluvelmente ligada à eterna e inalcançável esfera celeste sagrada. Consequentemente, a escultura do artista de Artmajeur parece ser um verdadeiro oxímoro, no qual a vida eterna e a morte estão unidas.